Duelo de titanes en esta categoría. Se solía decir que Trent Reznor y Atticus Ross, con su enigmática e inquietante combinación de géneros, instrumentos y sintetizadores en la banda sonora experimental de The Social Network, eran los fijos ganadores de la categoría. Sin embargo, una vez iniciada la temporada de premios, la frenética e hipnotizante banda sonora de Inception, del compositor Hans Zimmer, se ha llevado una fuerte suma de estatuillas, siete en total, casi igualando los 8 laureles conseguidos por el tandem mencionado al inicio. No sólo eso, importantes premiaciones, como los BAFTA, han omitido la opción Social Network en la categoría de banda sonora original, por lo que podría inclinarse la balanza hacia Zimmer (recordemos que los ingleses tienen gran parte de los votos de la Academia).

Mientras The Social Network tiene a su favor el haber ganado el Globo de Oro en la categoría, Inception tiene a un caserito como cabeza de proyecto, con Zimmer acumulando su novena nominación, y su posible segundo win (luego de haber ganado en el 95 por la banda sonora de El Rey León). The Social Network podría ser la critic favorite, aplaudida por músicos y especialistas tanto como críticos cinematográficos, mientras que Inception y todo el buzz generado a partir de la película a nivel masivo (y el rollo de Edith Piaf que ha ‘sorprendido’ a muchos) la convierten más bien en la fan favorite.

Esta categoría siempre ha sido una de las más impredecibles de la velada del Oscar, sólo con la del año pasado siendo la favorita y la resultante ganadora (Michael Giacchino, Up). En el 2008 se pensaba que iba a ganar Dark Knight (luego de la omisión del filme en la categoría de Mejor Película), pero se la llevó Slumdog Millionaire. En el 2007, una de las mejores composiciones de Michael Giacchino en Ratatouille, premiada por los Grammy en el mismo año, fue derrotada por Dario Marianelli y su composición en Atonement. Gustavo Santaolalla ganó el Oscar en el 2005 contra todo pronóstico por su composición en Brokeback Mountain, frente a la favorita banda sonora de Memorias de una Geisha, de John Williams. Jan A. P. Kaczmarek se materializó de la nada en el 2004 ganando el trofeo por el score de Finding Neverland.

A notar de este último párrafo de análisis: hay una suerte de etiqueta premio consuelo pegado a la nómina (menos en los dos últimos años). Tanto Atonement como Finding Neverland fueron películas que se llevaron apenas un Oscar en toda la noche, siendo películas con siete nominaciones cada una, y una en la principal, la de Mejor Película. Babel en el 2006 tuvo la misma historia. Brokeback Mountain, fija favorita en su año a alzarse con el principal trofeo de la noche, fue derrotada sorpresivamente (e injustamente) por la mediocre Crash, contentándose con tres trofeos, incluido este de banda sonora. Esto podría ayudar a Inception a ganar el trofeo, ya que la película sólo apunta a ganar guión original (aunque The King’s Speech podría arrebartársela) y categorías menores técnicas de sonido.

Creo que The King’s Speech juega un papel decisivo en esta categoría también. Si es que la película inglesa se lleva el principal trofeo de la noche (un rumor que corre a voces ahora último), arrebatándoselo a The Social Network, creo que este ‘premio consuelo’ podría ir hacia Trent y Atticus. Ojo: todo esto es pura suposición, pura estadística e hipótesis manufacturada por una avesada mente mía. Esta categoría debería premiar a la música, pero yo siento que detrás del Oscar hay tanta política y el ‘quedar bien’ que muchos de estos factores juegan a favor del ganador a la hora de elegirlo.

(click para agrandar)

Para terminar, me gustaría apuntar unas cosas más. En primer lugar, los otros nominados al lado de los favoritos. Estoy harto de ver a Alexandre Desplat todos los años, y este año especialmente por una banda sonora que no creo sea la mejor que ha compuesto en el 2010: The Ghost Writer lo es. Me alegra, por otro lado, ver algo de cariño por John Powell y su hermosa partitura en How to Train Your Dragon, un scorer que por fin recibe algo de reconocimiento por una larga carrera de buenas bandas sonoras. Por el lado de las obviadas, estoy molesto por la ausencia de la gran banda sonora del año, una que podría haber puesto en jaque a ambas favoritas, la de Clint Mansell para Black Swan. La Academia decidió descalificarla por estar “ligada a temas pre-existentes”, una adaptación musical del Lago de los Cisnes de Tchaikovsky. Lo mismo pasó con True Grit y su base en himnos del siglo XIX. “No suficientemente originales”. Bah. Las bandas sonoras de The Kids Are All Right y The Fighter también fueron descalificadas, pero estas por el uso predominante de canciones por encima de instrumentales.

JOHN POWELL
Película: Cómo Entrenar a tu Dragón (How to Train Your Dragon)
Premios: (por esta banda sonora)
PENDIENTE – BAFTA a la Mejor Banda Sonora, Premio Anthony Asquith
NOMINADO – World Soundtrack Awards a la Mejor Banda Sonora del Año
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

Track 8: Forbidden Friendship

Track 15: Romantic Flight

HANS ZIMMER
Película: El Origen (Inception)
Premios: (por esta banda sonora)
Satellite Award a la Mejor Banda Sonora del Año.
Central Ohio Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
Hollywood Film Festival – Compositor del Año
Phoenix Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
International Press Academy Award a la Mejor Banda Sonora
Houston Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
Washington D.C. Area Film Critics Association a la Mejor Banda Sonora
PENDIENTE – BAFTA a la Mejor Banda Sonora, Premio Anthony Asquith
PENDIENTE – Grammy a la Mejor Banda Sonora.
NOMINADO – Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Chicago Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Las Vegas Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
Historia con la Academia:
- Nominado en 1989 por la banda sonora de Rain Man. No ganó.
- Nominado en 1995 por la banda sonora de El Rey León. Ganó.
- Nominado en 1997 por la banda sonora de The Preacher’s Wife (score de musical o comedia). No ganó.
- Nominado en 1998 por la banda sonora de Mejor… imposible (score de musical o comedia). No ganó.
- Nominado en 1999 por la banda sonora de La delgada línea roja (score dramático). No ganó.
- Nominado en 1999 por la banda sonora de El príncipe de Egipto (score de musical o comedia, compartido con Stephen Schwartz). No ganaron.
- Nominado en el 2001 por la banda sonora de Gladiador. No ganó.
- Nominado en el 2010 por la banda sonora de Sherlock Holmes. No ganó.
- Esta es su novena nominación.

Track 9: Mombasa

Track 12: Time

ALEXANDRE DESPLAT
Película: El Discurso del Rey (The King’s Speech)
Premios: (por esta banda sonora)
PENDIENTE – BAFTA a la Mejor Banda Sonora, Anthony Asquith Award
NOMINADO -Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora
Historia con la Academia:
- Nominado en el 2007 por la banda sonora de La Reina. No ganó.
- Nominado en el 2009 por la banda sonora de El Curioso Caso de Benjamin Button. No ganó.
- Nominado en el 2010 por la banda sonora de Fantastic Mr. Fox. No ganó.
- Esta es su cuarta nominación.

Track 2: The King’s Speech

Track 11: The Treat of War

A. R. RAHMAN
Película: 127 Horas (127 Hours)
Premios: (por esta banda sonora)
PENDIENTE – BAFTA a la Mejor Banda Sonora, Anthony Asquith Award
NOMINADO – Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – San Diego Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Satellite Award a la Mejor Banda Sonora
Historia con la Academia:
- Nominado en el 2009 por la canción original “O Saya”, compartido con Maya Arulpragasam. No ganaron.
- Nominado en el 2009 por la canción original “Jai Ho”, compartido con Gulzar. Ganaron.
- Nominado en el 2009 por la banda sonora de Slumdog Millionaire. Ganó.
- Nominado este año por la canción original “If I Rise”, compartido con Rollo Armstrong y Dido. Resultado pendiente.

Track 10: Acid Darbari

Track 12: Liberation

TRENT REZNOR & ATTICUS ROSS
Película: Red Social (The Social Network)
Premios: (por esta banda sonora)
Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora
Las Vegas Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
Boston Society of Film Critics Award a la Mejor Banda Sonora
Los Angeles Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
St. Louis Gateway Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
Alliance of Women Film Journalists Award a la Mejor Banda Sonora
Broadcast Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
Central Ohio Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora – Runner Up
NOMINADO – Central Ohio Film Critics Association Awards a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Chicago Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – San Diego Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Satellite Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Washington D.C. Area Film Critics Association Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Houston Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
NOMINADO – Denver Film Critics Society Award a la Mejor Banda Sonora
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

Track 1: Hands Cover Bruise

Track 12: In the Hall of the Mountain King

LOS OBVIADOS:

Clint Mansell – Black Swan
Track 16 – A Swan Song (For Nina)

Daft Punk – Tron Legacy
Track 13 – Derezzed

Danny Elfman – Alice in Wonderland
Track 1 – Alice Theme

Rachel Portman – Never Let Me Go
Track 17 – We All Complete

20. OCTUBRE (-)
Director: Daniel y Diego Vega
Que falta de respeto oye, dejen de hablar de Aki Kaurismäki y Whisky, creo que los Hermanos Vega poco a poco van perfilando sus inclinaciones y estilos propios, y si bien tenemos referencias claras, siento que configuran un cine suyo. Aquí tenemos a Lima la triste, Lima la solitaria, Lima la usura. Lima la desperanzada. Bruno Odar actuando mejor que nunca, y un plano final que quedará marcado en mi memoria como la incertidumbre del cambio. Tenía todas las de ser la mejor película peruana del año, claro que no contaba con Paraíso estrenándose. Veremos si compite por el Oscar el próximo año. Este 2010 los Hermanos Vega nos gritaron que no les quitemos los ojos de encima. No lo haremos.

19. TIERRA DE ZOMBIES (Zombieland)
Director: Ruben Fleischer
Esta película se resume a una cosa: Bill Murray. ¿Me van a decir que su resurrección y muerte (en ese orden) no es uno de los momentos más memorables que nos ha traído este 2010 en lo que a cine se refiere? Murray se burla de sí mismo y nos pide perdón a todos por Garfield; ¡¿qué más podemos pedir?! Sin esta escena, la película podría haber pasado al olvido como una interesante propuesta de comedia. Pero felizmente Ruben Fleischer tuvo la osadía de incluirla, así como de lirizar un par de escenas de despiporre visual post-apocalíptico. ¿Qué más de bueno aquí? Ver a Jesse Eisenberg y Emma Stone augurando mejores papeles en el mismo año (The Social Network y Easy A respectivamente) y un Woody Harrelson que regresaba a la vida, con un Twinkie en la boca.

18. CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN (How to Train Your Dragon)
Director: Dean DeBlois y Chris Sanders
Ah, Dreamworks. Te hemos odiado por tanto tiempo por prometer una carrera que le iba a hacer la justa competencia a Pixar con propuestas más light, alusivas al pop del momento, más taquilleras además, pero te quedaste corta con Shrek. Y si bien con Kung Fu Panda nos diste algo de esperanza, no llegaba el realce completo. Hasta este año. Cómo Entrenar a tu Dragón debe ser la mejor película que ha hecho Dreamworks en su historia, la más coherente en ideas, la más madura, la más completa. Aquí hay una buena historia, personajes redondos y con las suficientes dimensiones como para generar empatías y ambiguedades, así como conflictos que aparecen in crescendo hacia un climax insospechado. Pero hay más: Dean DeBlois y Chris Sanders manejan atmósferas (como la hermosa escena de Chimuelo y Hiccup surcando el cielo) así como un lirismo particular a la hora de entablar la amistad inquebrantable que se genera entre ambos, en las inolvidables escenas sin parlamento que se coreografían al lado del lago.

17. CELDA 211 (-)
Director: Daniel Monzón
Esta es de esas películas que hace que la gente (críticos y público metidos en el mismo saco) la odie o la ame, en igual medida. En mi caso, fue amor. Si bien tengo problemas con su fotografía, y ese sentimiento de documental del que quiere impregnar este thriller, la película es incisiva en un discurso más político, pero sobretodo social. No sólo se trata de un embiste al ejercicio penitenciario de España (y junto a él, al de todo Latinoamerica, que se le parece), a las injusticias y desórdenes cometidos dentro de ellas, a la imposibilidad del Estado de afrontar situaciones de alto riesgo, a la necesidad de arreglar las cosas a saco y corbata, mientras que con el pie meten debajo del sofá las bajas y errores cometidos. Esta película creo que triunfa más al hablar de la transmutación (casi literal) necesaria para entender al otro, esa necesidad de ‘ser’ el otro para entender sus inquietudes, sus miedos, sus anhelos. Ah sí, Luis Tosar y su Malamadre debe ser uno de los mejores antihéroes del año.

16. PORTADORES DEL MAL (Carriers)
Director:Álex Pastor y David Pastor
Más películas como esta deberían estrenarse por aquí. Casi independientes, de bajo presupuesto, que consiguen estreno luego de que su protagonista, durante el tiempo de filmación un completo desconocido, consigue fama internacional al protagonizar el gran hit del verano anterior. En el caso de esta película, el éxito de Star Trek hizo que la Paramount confiara en el talento de Chris Pine como fuerza marketera, por lo que una pequeña joyita como esta vio la luz. Cero pretensiones, un estilo shaky y roadtripero, de relaciones adolescentes y tensiones en aumento. Esta es una especie de Y Tu Mamá También post-apocalíptica, con menos sexo, claro. Pero la cinta triunfa en aristas insospechadas: en el planteamiento de una relación fraternal despachurrada y estanca, una que por las circunstancias y la coyuntura erupcionará en conflictos hasta entonces callados, y desencadenará un trágico final, que se silencia en poesía. La conversación en la fogata es memorable.

15. EL ORIGEN (Inception)
Director: Christopher Nolan
Ya sé que todos la amaron, ya sé que es la quinta película más taquillera del año, ya sé que muchos críticos la llaman ‘la primera obra maestra de Nolan’, pero no dejaré de protestar y decir a los cuatro vientos lo mucho que me decepcionó esta película, por lo self-indulgent que pudo llegar a ser. Eso no quita que sea una de las mejores películas del año, no señores. Nolan demuestra que a pesar de un guión lleno de huecos argumentales, personajes maniquíes y exceso de explicaciones, él puede hacer magia visual cinematográfica. Grande Nolan al coreografiar secuencias de acción, conversaciones frenéticas y divagaciones psicológicas que derivan en la filosofía de los sueños y de la mente misma. Grande Nolan por tener una mano tan hábil, que con una habilidad narrativa extraordinaria has anonadado y confundido a millones de personas alrededor del mundo y hacerlos creer que esta es una película perfecta. Lejos de serlo, pero funciona como experiencia.

14. PARAÍSO (-)
Director: Héctor Gálvez
Cuando pensábamos que nada podría superar la emoción de salir de una sala de cine de ver un Madeinusa o una Teta Asustada, de reivindicar la posibilidad de hacer buen cine en nuestro país, pero no sólo bueno sino de exportación, llegó Héctor Gálvez a imponerse con otro de los grandes títulos de la historia de nuestra cinematografía. Paraíso es una película que duele por lo que muestra, pero no nos equivoquemos al pensar que sólo molesta por una situación dura de indigentes asentados en la periferia de la capital, buscando la manera de recursearse, de sobrevivir ante las adversidades. Esta es una historia de crecimiento adolescente, de esas ansias de superación intrínsecas en la edad, de esas ganas de escapar, de volar, casi literalmente. Gálvez trata con sutileza a sus personajes y se preocupa más por el cincelado de sus personalidades e interrelaciones, que de contar historias complicadas o demasiado canónicas. En eso triunfa la película: en hablar de gente que se siente cercana, en mostrarnos a un autor dar sus pinitos y dejarnos queriendo mucho más.

13: REC 2 (-)
Director: Jaume Balagueró y Paco Plaza
¿Podía algo superar a la película que hiciera a este dúo conocido en el mundo entero? ¿Qué podían hacer para que no se sintiera repetición y más de lo mismo? ¿Enredar las historias, estirarlas, meter nuevos personajes, cambiar de argumentos y alterar explicaciones? Sí, algo de eso hay aquí. Pero estos realizadores sabían que no sería suficiente. Y al saber que el éxito estaba asegurado, prefirieron experimentar. Eso es REC 2, un experimento audiovisual como pocos, una montaña rusa de manipulaciones de los encuadres, de las texturas, de los tiempos, de la iluminación y la puesta en escena; lo mejor de todo: la cámara se convierte en un personaje más y toma vida, pasa de ser un personaje tácito, un humano que la coge, a moverse intencionalmente, en medio de las acciones, con determinadas intenciones estilísticas y de reacción en el espectador, claro. Pocas películas han osado probar tantas cosas como esta. Bravo.

12. ATRACCIÓN PELIGROSA (The Town)
Director: Ben Affleck
Ben Affleck se une a una larga fila de directores-actores, y lo hace con refulgente éxito. No sólo se ha adueñado del género de gangsters, lo ha adaptado a una coyuntura moderna, ha alterado algunas de sus convenciones típicas, lo ha vuelto más realistas y ambiguo, menos heróico y romántico, más grotesco y sufrido. También ha logrado que la tan mentada arista romántica de este tipo de películas, esa que distrae y deshace más que ayudar, en este caso sirva completamente a los propósitos de la historia: es el detonante y el motivador del accionar de los personajes. Esta es la historia de un hombre condenado a vivir una vida que, tal vez, no quiere llevar, las consecuencias del patriarcado generacional de los criminales de Boston. Jeremy Renner nos entrega en esta película una de las performances más memorables del año, la del hombre desenfrenado que ya no tiene nada que perder, pero igual se rehúsa a hacerlo. Esa escena final, de él contra todos, enfrentando su fatídico destino con la cabeza alta, es otra de las escenas que jamás olvidaré de este 2010.

11. UN SUPERHÉROE SIN PODERES (Kick Ass)
Director: Matthew Vaughn
Capturar la esencia de un comic es algo muy difícil. Muchos intentan plasmar viñeta por viñeta en la pantalla grande, como en la irregular Watchmen, mientras otros pretenden llenar los fotogramas de efectismos típicos de la novela gráfica, como la fallida Scott Pilgrim vs. The World, pero se pierden en cosas que no importan tanto: la forma. Vaughn, sin embargo, coge Kick Ass desde el corazón y lo plasma en pantalla grande. No sólo eso, sino que toma su propio amor por el cine y llena su filme de referencias a Kubrick, a Tarantino, al western y Ennio Morricone, a la serie interminable de películas de superhéroes que se han estrenado en la última década, sus convenciones y formalidades. Lo que tenemos aquí es un retrato de adolescentes casi huérfanos, cada uno afrontando la ausencia del padre de manera diferente, cada uno buscando la exposición y el reconocimiento con motivos diversos. Pero va más allá: esta es una suerte de radiografía del universo geek que se ha gestado en los últimos años, este escape a universos comprimidos, afligidos y descompuestos. Lo mejor de todo es que sabe dosificar drama, humor y acción en igual medida. Chloe Moretz, por cierto, es toda una revelación en este filme, con una de las más dolorosas escenas del año, la de la pelea estroboscópica.

10. ZONA DE MIEDO (The Hurt Locker)
Director: Kathryn Bigelow
El estreno visceral del año, este potente retrato de la guerra, que conquistó a la Academia y ganó el Oscar a inicios del año, es una de las películas más grotescas y frías del año, una que prefiere no meterse en temas más políticos, sino en la belicosidad misma, en la violencia que el hombre tiene dentro y la cual necesita para poder vivir, esta adicción a la adrenalina, este deseo constante de peligro, que todos llevamos dentro, aunque tal vez controlado, desactivado. El filme triunfa con ese estilo semi-documental desconcertante, la cámara que se adentra en las acciones, sigue a los personajes, se siente inestable y pone nervioso al espectador. Por otro lado, Jeremy Renner deslumbra con otra hermosa performance en el año, el de este hombre que se abandona en su vicio, uno que prefiere dejar a su familia y vida misma por estar metido en el campo de batalla. Esas son las escenas más fuertes de la película, no las de las batallas, las explosiones, las muertes, sino las del hombre enfrentándose a la vida cotidiana, y lo insoportable que ella puede ser. Fuerte.

9. ENSEÑANZA DE VIDA (An Education)
Director: Lone Scherfig
Esta película suda clasicismo. Una historia de tres actos bien definidos, cuidadas actuaciones, situaciones y puestas en escena marcadas y formales. Pero se siente fresca y viva a la vez, actual, con una fotografía que atenúa colores, suaviza sombras, con situaciones ambiguas, encuentros inesperados, reacciones desesperadas. El paso de la adolescencia a la adultez en una sociedad controlada por los hombres, además de en pleno cambio en los 60s, la oportunidad de una libertad enmascarada en más ataduras, en más restricciones, en más machismo y outlaws, la pretensión exacerbada de querer ser alguien quien uno no es, sólo por la imagen tendenciosa que tenemos de ella. Lone Scherfig sabe mostrar a una adolescente demasiado optimista e ingenua que, de pronto, se chocará con una realidad que la supera, donde las cosas suelen no ser como se nos platean. Carey Mulligan merece una ovación infinita por tremenda interpretación (a sus 25s) de una ‘niña’ de 16 años, pero creo que a Alfred Molina no le han dado el suficiente crédito por esta película. Sentimos su sufrimiento mientras ve, sin poder hacer nada, cómo pierde a su hija, mientras la espera y le habla a través de su puerta de dormitorio, cerrada.

8. TODO UN PARTO (Due Date)
Director: Todd Philips
Desopilante. Ese es el adjetivo que denomina mejor a esta hilarante película que sorprende en una cartelera que más bien suele abrazar comedias más burdas y ordinarias. Lo que hay aquí es un manejo hasta el absurdo del humor, la exageración de las situaciones al borde de lo inverosímil, la tensión (in)quebrantable entre dos personajes igual de exasperantes, sólo en sus respectivas formas. Lo mejor de todo es que el filme aborda sus respectivas vulnerabilidades con el absurdo, los muestra despojados de máscaras y los incomoda, los hacer verse a sí mismos y reaccionar. Pero esta incomodidad se traspasa al espectador, uno que no sabe si reír o llorar, no sabe si burlarse del protagonista o sentir extrema pena o piedad por ellos y lo desorientados que están. Robert Downey Jr. y Zach Galifianakis se lucen en sus papeles, configurando el que es el mejor tandem en bromances en años, en un road trip que conmociona de inicio a fin.

7. AMOR SIN ESCALAS (Up in the Air)
Director: Jason Reitman
La mejor película de Jason Reirman, este es un filme que cuenta con uno de los mejores guiones del año. Por saber cómo acomodar sus momentos, delinear personajes completos, redondos, pero sobretodo contrastantes, personajes que se oponen el uno al otro en personalidad, alimentando así los conflictos internos de la historia, las relaciones ásperas entre nuestros protagonistas que a su vez comparten características entre ellos. George Clooney es el centro, y a sus lados tenemos a los personajes de Vera Farmiga y Anna Kendrick, opuestos a él, afines a su manera de ser a la vez. Pero más allá del guión, las actuaciones de un reparto sólido y una dirección que superpone y separa, que codicia los insertos, este filme triunfa en la manera en la que retrata a una sociedad contemporánea, una que, según la postura que enarbola la cinta, se empieza a deshumanizar. Las conexiones entre las personas son cada vez más febriles, débiles, la máquina empezando a reemplazar ahora las actividades hasta entonces realizadas por nosotros, incluso aquellas de mayor necesidad empática y directa, como la del despido de gente. A su vez, esta película habla de los miedos de una sociedad americana ante la crisis inminente, la reducción de salarios, el desempleo en aumento, la histeria colectiva y las consecuencias que esta puede traer consigo.

6. LOS AMANTES (Two Lovers)
Director: James Gray
La película más dolorosa del año, o al menos la que más me dolió a mi. Gray es crudo al mostrar al amor tal cual, despojado de sentimentalismos y esperanzas, de caretas y conservadurismos. Lo plantea como algo falso, como algo construido, como un escape. El protagonista de este filme es un hombre atrapado en una adultez aún sobreprotegida por sus padres, sumido en la soledad de aún no encontrar al amor de su vida. Es por ellos que es un enamoradizo, un efímero pasajero de la ilusión, un embustero que se fabrica personalidades y afectos, pero no usando este engaño para conquistar a la chica de turno, aunque tal vez sea este su meta a corto plazo, sino esa salida necesaria al asfixio en el que vive. El amor más desesperanzado, efímero y cínico que se haya visto en el cine en el año. Joaquin Phoenix en una performance que coge el corazón de cualquiera y lo aprieta hasta que deja de expulsar sangre, hasta el desquicio y la muerte misma. Un papel que nos hace lamentar que se haya retirado de la actuación.

5. UN HOMBRE SOLO (A Single Man)
Director: Tom Ford
Otra película dolorosa, pero una más estilizada. Ford hace gala de una visión particular en esta película, una precisa en cuanto a su percepción de los detalles, una mirada errática y distraída, así como un romanticismo que nos remite a Wong Kar Wai casi inmediatamente. En su experiencia como director creativo de Gucchi es que ha adquirido esta prolijidad en sus imágenes, este lirismo a la hora de ralentizar las escenas, a la hora de encuadrar sus momentos, a la hora de hacer que sus elementos en pantalla se muevan, al concentrarse en determinadas y minúsculas cosas, imágenes que transmiten emociones más fuertes que la situación misma que está siendo plateada, reforzándola. Este excesivo cuidado en la estética visual de la película pudo haberse convertido en un estorbo, pero aquí no lo es, ya que se nota que Ford ama el cine tanto como la moda misma. Sabe como dosificar su lírica visual, haciendo que se complemente con el desarrollo de una historia coherente y personajes que divagan por la vida desperanzados y afligidos. Culpables. Me fascina la constante referencia a Hitchcock también, un director que debe admirar, así como dos de las interpretaciones más potentes del año, las de Colin Forth y Julianne Moore. El final debe ser uno de los más trágicos finales del año, la necesidad de vivir el momento y no ahogarse en la pena.

4. LA CINTA BLANCA (Das Weisse Band)
Director: Michael Haneke
Gracias Haneke por destruir mi cerebro con esta película. Gracias por tratar de ensayar sobre el origen del mal, de las excusas para imponer la fuerza por sobre la razón, la configuración de una sociedad autoritaria que se engendra en el núcleo familiar, este núcleo que te gusta infectar en cada una de tus películas, el detonante de todo, según tú. Gracias por embrujar mi mente con imágenes claroscuras, unas que abofetearon mi cara en pantalla grande, unas cuidadas y coreografiadas a la perfección, unas que prefirieron ser discretas antes de gráficas, que ocultan la violencia y horror físico, para mostrarnos las conjeturas, las posibilidades, las consecuencias, un horror mucho más psicológico y profundo. Y es que, gracias, repito, con esta película te metes tan hondo en lo que la sociedad plantea como bueno y malo, en las convenciones de la comunidad, que nosotros empezamos a dudar en su naturaleza, en lo que debería beneficiarnos y lo que debería afectarnos. Pero sobretodo, gracias Haneke por hacerme pensar, por no darnos respuestas jamás, por hacer que todo lo preconcebido tiemble, por hacerme dudar, conjeturar, criticar e incluso despotricar. La escena de la hermana y el hermano hablando en la mesa, almorzando, sobre la muerte y sus implicancias es otro de los momentos fuertes con los que recordaremos este 2010.

3. TOY STORY 3 (-)
Director: Lee Unkrich
Puro cine en esta nueva obra maestra de la casa Pixar. Y es que este estudio parece que se supera a sí mismo con cada esfuerzo cinematográfico que emprende. Esta vez hay más cosas en juego, más traspase por diferentes géneros y momentos en el cine (de la comedia al western, del drama al terror), uno de los mejores villanos de la historia del cine animado, el autoritario Lotso, malvado incondicional, de esos que extrañábamos en el cine, los que jamás van a retroceder en su incondicional compulsión por el mal. Pero hay más momentos inolvidables de esta joyita: la escena más hilarante del año, la del señor Cara de Papa y su homenaje al cine slapstickero clásico, el giro de cabeza de Bebote que nos remite a El Exorcista, toda la maquinación detrás del escape, como en las mejores películas de atraco y motines, y la insoportable escena del incinerador, no insoportable por tediosa o mala, sino por lo cruda que puede llegar a ser con el sentimiento del espectador. No hay esperanza en esa escena, el existencialismo humano es pasado a los juguetes mismos, ese miedo al abandono y el olvido, el point of no return. ¿Qué nos queda en el momento del final, en ese último respiro de vida? Las relaciones que hayamos cimentado a lo largo de nuestras vidas. Ese es el destello de luz lanzado en esta la más oscura e incisiva película que haya hecho Pixar en su historia, todo un ensayo sobre la vida misma, tal vez.

2. RED SOCIAL (The Social Network)
Director: David Fincher
Ya se ha dicho todo de esta película, ¿no? Que debe tener el mejor guión del año, casi sin dudas (Up in the Air se estrenó aquí este año, pero la película es tecnicamente del 2009), que David Fincher sabe como acercarse al tema de la creación del Facebook y no centrarse en banalidades como los porqués de sus decisiones, sino en los conflictos interpersonales que se detonaron con él, la reconfiguración de amistades y enemistades, así como los cambios que generó tanto a menor escala en la sociedad de Harvard y la manera en la que esta se desenvolvía e interactuaba, así como a mayor escala, internacional, como la gente se relaciona ahora de manera muy distinta a como lo hacía hace una década. Esta es la película de una generación, y tal vez no tanto por ser la mejor de esta generación, de la década ni mucho menos, sino por servir de retrato de la misma, una especie de revisión a nuestro tiempo, al hipertexto engendrado en internet, a la velocidad inmanente en todo, el flujo incesante de información, acelerado, la necesidad de ser alguien y el peso mediático electrónico en el que esto depende, así como la vitalidad de llegar primero, ya que los segundos puestos no sirven. Jesse Eisenberg ya ha sido suficientemente aplaudido por su performance en esta película, pero creo que la verdadera sorpresa aquí es Andrew Garfield, un actor que lo deja todo en pantalla, y Rooney Mara con una performance que apenas durará 10 minutos, pero que marca por siempre. Cierto, grande Trent Reznor por la hipnotizante y peculiar banda sonora que escribiste para esta película.

1. CRIATURA DE LA NOCHE (Låt den rätte komma in)
Director: Tomas Alfredson
¿Les ha pasado que luego de meses de ver una película aún tienen imágenes de ella grabadas en el cerebro? A mi me pasa con determinadas películas, pero pocas me han cautivado al punto de tener TODA la película rondando constantemente en mi mente. Escenas enteras, conversaciones, referencias, posiciones de cámara y registros cambiantes, cada detalle estlístico de Criatura de la Noche aún sigue asediándome, cuestionándome, molestándome. Tanto me gustó esta película, tanto me engatusó, me conmovió, me sorprendió, me golpeó, me dolió, que le dediqué un ensayo semiótico en la universidad, tratando de indagar en las profundidades de todo sema que se me hubiera pasado en su primer, segundo y tercer visionado, tratando de entender porqué me gustaba tanto y porqué me resultaba tan rica en interpretaciones, en lecturas, en ambigüedades, en un deleite inacabable. Esta película habla sobre el desarraigo, sobre el bullying, la violencia contenida de inminente explosión, sobre el primer amor, sobre el abandono, sobre el entregarse al otro, sobre la rutina inacabable. La estética de la película juega con eso, al tiempo muerto, a los encuadres largos y tensos, de lo que sucede en el día a día, el tiempo congelado en este pueblo en el que nada pasa, helado y cubierto de nieve que no deja de caer, en contraposición a la superposición de acciones, a la velocidad, al estruendo que genera, visualmente, la aparición del monstruo que cambia todo. Robin Wood estaría orgulloso de este análisis de una sociedad que le teme al cambio, sobre cómo el desorden es el que termina desestructurando lo que ha sido convenido en comunidad, más que el monstruo mismo (tal vez este monstruo es una materialización de ese miedo, aunado al pavor al feminismo y los niños, con esta vampireza menor de edad). Pero creo que lo que mejor logra hacer esta película es dejar todo en lo entredicho; si bien muchos han criticado que muchas aristas originales de la novela han sido abandonadas, creo que es mejor que las explicaciones hayan sido calladas. Allí está la magia de la película, en no saber los porqués, en entreverlos, en creer en algunos argumentos, pero nunca teniendo la total certeza de que así sea. Así como La Cinta Blanca, esta película te brinda los suficientes ingredientes como para que te armes un panorama general de lo que sucede, y con datos específicos lanzados aquí y allá puedas atar información y armar posibles panoramas más pequeños. Allí tenemos la identidad del ‘papá’ de Eli, el porqué de la ausencia del padre de Oskar, la sexualidad de Eli y el destino de estos dos niños que huyen. ¿Un círculo interminable, tal vez? ¿Tan triste es el futuro que le espera al niño? ¿O es más bien ese sol que sale entre la nieve un haz de esperanza para la pareja? Nunca olvidaré la escena de la piscina, tan cruda y hermosa, como pocas.

Continuando con nuestros posts de la temporada del premios 2010, esta vez he decidido meterme en una categoría relativamente nueva de los premios de la Academia de Artes Cinematográficas, aquella que entrega Oscares todos los años en febrero. Recién creada en el 2001, la categoría a Mejor Película Animada ha demostrado en los últimos años que en animación se pueden hacer cosas grandiosas en lo que a películas maduras se refiere, ya no quedando relegadas a entretenimiento infantil y familiar, como solía tomárselas hasta los 90s. Si bien se le entregó un premio especial en el 38 a Blancanieves y los Siete Enanitos, y en el 95 a John Lasseter por hacer la primera película de animación por computadora, Toy Story, las películas animadas siempre se habían visto relegadas a categorías técnicas, como sonido o efectos especiales, banda sonora o canción.

Recién en las últimas décadas se ha demostrado, en gran parte gracias a Pixar, que no sólo se pueden hacer magistrales piezas de arte con la animación, sino que muchas veces las mejores películas del año se encuentran en este rubro de posibilidades inimaginables. Up logró ser nominada a Mejor Película este año, casi dos décadas después de que La Bella y la Bestia consiguiera tamaño logro en el 92. Este año se presume que Toy Story 3 repetirá el plato en la categoría principal de la noche. Pero, aparte de eso, ¿qué otras películas se disputan el trofeo a la mejor película de animación del año? Con el avance de la tecnología, cada año se hacen más películas de este estilo en todas partes del mundo, y este año son 15 las pre-seleccionadas por la Academia para optar por el laurel. Aquí una mirada a todas, a menos de un mes del anuncio de las tres películas que competirán por el trofeo en esta categoría en febrero. La favorita indiscutible es Toy Story 3, pero hay un par de joyitas que se esconden por aquí.

Alpha and Omega
Esta es la primera producción animada que realiza Crest Animation Productions, la casa de animación de Lionsgate. Dirigida por Anthony Bell y Ben Gluck, responsables de algunos capítulos de Los Rugrats, esta es posiblemente la película animada del año con menos posibilidades de si quiera alzarse con una nominación (junto con Cats & Dogs). La crítica y público apabulló esta historia de Romeo y Julieta en versión lobo, dos clanes opuestos que entrarán en conflicto luego de que una loba alpha se enamore de un lobo omega.

Cats & Dogs: The Revenge of Kitty Galore
Otra cinta vapuleada por la crítica; quiero suponer que esta película logró ingresar a las pre-seleccionadas por falta de películas. Continuando la guerra entre caninos y gatos de la primera parte, el director Brad Peyton esta vez plantea una alianza estratégica entre ambos bandos, luego de que el malvado Kitty Galore amenace con querer apoderarse del mundo. Trillado.

Despicable Me
La primera producción animada de Illumination Entertainment, esta fue una pequeña sorpresita en filmes animados del año. Si bien no llega a ser perfecta, brilla en lo que a entrañez se refiere. El diseño de los personajes, tanto en físico como emocionalmente, así como un intento de voltear la dicotomía de héroe-villano, hacen que esta película de Pierre Coffin y Chris Renaud suene como una posible candidata al premio, aunque hayan otras películas que suenan más fuerte dentro de las pre-seleccionadas. Los minions, definitivamente, son lo mejor de la película.

The Dreams of Jinsha
Películaa china, aún no estrenada en los EEUU, esta película ha sonado bastante en los medios y en general en el buzz de premios no tanto por una calidad cinematográfica indemne, sino más bien por ser el primer filme animado de la China en ser estrenado en tercera dimensión. En esta historia de un estudiante promedio, Xiao Long, que es transportado tres mil años al pasado para descubrir su verdadero destino, no se tiene seguro si lo que prevalece es una vanguardia creativa o tal vez una más bien tecnológica.

How to Train Your Dragon
Uno de los pesos pesados en la categoría este año, el gran regreso de Dreamworks luego de fallidos intentos como Madagascar 2 o Monsters vs. Aliens, esta también fue de las grandes sorpresas del año. Con esta película Dreamworks demostró que no sólo era un estudio que podía diseñar personajes caricaturizados, exagerados y con constantes alusiones a la cultura pop norteamericana, sino que podían contar historias de crecimiento personal, relatos de amistad de aceptación filial. Todo en el marco de guerras vikingas contra dragones incomprendidos.

Idiots and Angels
El dos veces nominado al Oscar, Bill Plympton, aunque hasta el momento en el rubro de cortometrajes, presentó este añi su primera incursión en el mundo de los largos, con esta película que nos cuenta la historia de un hombre egoísta, abusivo y prepotente, que de un día para otro amanecerá con un par de alas pegadas a la espalda. Si bien ha ganado premios en los festivales de Cinanima y Fantasporto, no creo que tenga muchas chances con la Academia. Es como si los contrincantes ya hubieran sido elegidos.

The Illusionist
Esta es otra de las más voceadas candidatas a alzarse con la estatuilla este año, junto con la propuesta la historia del dragón de Dreamworks, y el regreso de los juguetes de Pixar. Incluso algunos dicen que es la única que podría arrebatarle el Oscar a Toy Story 3. Así de buena está. La historia de este ilusionista que viaja por Escocia y encuentra el amor, fue inicialmente concebida por la leyenda del cine, Jacques Tati, y adaptada por el francés, ya nominado al Oscar por Las Trillizas de Belleville, Sylvain Chomet.

Legend of the Guardians: The Owls of Ga’Hoole
La primera incursión de Zack Snyder en el terreno de la animación se quedó corta frente a las expectativas. Algo de su estilo como director quedaba, pero esa osadía que tanto gustaba de Snyder estaba ausente aquí. Esta historia de lechuzas secuestradas y sometidas a lavados de cerebro, con ecos al nazismo y la II Guerra Mundial, no terminó de convencer a nadie. Se quedó en interesante.

Megamind
Otra película que Dreamworks estrenó este año, pero una mucho menos exitosa que la de los dragones. La versión más (pseudo) densa y filosófica de Despicable Me, el problema de esta película es que intentó hacer demasiado, y se quedó corta en críticas y contraposiciones. La historia de un villano cuyo destino se ve obscurecido luego de que su nemesis, héroe, sea derrotado, sonaba mejor en papel que en pantalla.

My Dog Tulip
Una película que promete lágrimas por montones, esta es la historia de un hombre que conoce a un pastor alemán y aprende más del amor con él que con cualquier mujer en su vida. Los hermanos Paul y Sandra Fierlinger presentaron esta película con las voces de Christopher Plummer e Isabella Rossellini que si bien conmovió y gustó a todos, no ha logrado más que eso.

Shrek Forever After
La tercera película que Dreamworks estrenó este año, y la última parte de la franquicia del ogro verde que los hiciera conocidos. Si bien hay una mejoría con respecto a la terrible tercera parte, la magia de las dos primeras sigue ausente. Esta vez Shrek decidirá renunciar a la cómoda vida que ha conseguido con Fiona y sus hijos, por regresar a ser el ogro temido que era antes. Todo esto con terribles consecuencias, claro.

Summer Wars
Desde Japón, Mamoru Hosoda, creador de Digimon, nos trae la historia de Kenji Koiso, un adolescente que aceptará una propuesta de trabajo de la chica que le gusta, uno en el que tendrá que pretender ser su futuro esposo. Plasmada en pantalla utilizando técnicas de animación tradicional, la película ha sido bastante aplaudida en diversos festivales, ganando premio en Sitges y el Mainichi Film Concours.

Tangled
La 50va película animada que realiza Disney, y una que regresa a la tradición de cuentos de hadas y princesas que ha caracterizado al estudio en su historia 8aunque muchos digan que este tipo de filmes desaparecerá con el tiempo). Esta vez es la historia de Rapunzel la que llega al cine, pero por exigencias de tiempos cambiantes, se ha modernizado la historia y alterado algunas aristas narrativas principales. La película, según comentan críticos, cumple.

Tinker Bell and the Great Fairy Rescue
No sabía que películas lanzadas directamente a DVD podían participar en categorías del Oscar, pero esta película demuestra que sí. Un spin-off de la clásica historia de Peter Pan, Disney quizo contarnos la historia del hada más querida de la historia: Campanita. Ha gustado, tanto en crítica como en ventas, pero no tiene casi ninguna chance de entrar a la categoría.

Toy Story 3
Finalmente, la más voceada de las quince mencionadas, no sólo en esta categoría, sino en la principal de la noche de febrero, la de Mejor Películam incluso algunos poniéndola como favorita, al lado de The Social Network y The King’s Speech. Los críticos la aclamaron en su estreno, el público asistió como loco al cine convirtiéndola rápidamente en la película animada más taquillera de la historia. Algunos la llaman la mejor película de Pixar en su historia, mientras otros aplauden el continuo progreso del estudio que no deja de sorprender con el cine que derrocha en cada película. Una lección de amistad, de valores, de la trascendencia, de la vida misma. Está casi seguro que ganará en esta categoría. Ahora falta decidir si triunfará en la de Mejor Película.

En primer lugar, los Annie. En medio de toda una controversia luego de que la Disney/Pixar se retirara del equipo organizador, luego de declaraciones de portavoces de estos estudios de que había un favoritismo por la casa Dreamworks (Kung Fu Panda arrasó con los premios hace un par de años, frente a la joyita Wall-E, para poner un ejemplo), este año justamente una película de aquel estudio, How to Train Your Dragon, lidera la premiación con 10 nominaciones, por encima de la que muchos consideran no sólo la mejor película de animación del año, sino posiblemente en general, sin el sub-género, Toy Story 3. No vamos a poner todas las categorías técnicas en este post, pero sí nombraremos las principales.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
Despicable Me – Illumination Entertainment
How to Train Your Dragon – DreamWorks Animation
Tangled – Disney
The Illusionist – Django Films
Toy Story 3 – Disney/Pixar

MEJOR DIRECTOR
Sylvain Chomet “The Illusionist”
Pierre Coffin “Despicable Me”
Mamoru Hosoda “Summer Wars”
Chris Sanders, Dean DeBlois “How To Train Your Dragon”
Lee Unkrich “Toy Story 3”

BANDA SONORA
Sylvain Chomet “The Illusionist”
David Hirschfelder “Legend Of The Guardians: The Owls of Ga’Hoole”
John Powell “How To Train Your Dragon”
Harry Gregson Williams “Shrek Forever After”
Pharrell Williams, Heitor Pereira “Despicable Me”

MEJOR ACTUACIÓN (VOZ)
Jay Baruchel como Hiccup “How To Train Your Dragon”
Gerard Butler como Stoick “How To Train Your Dragon”
Steve Carrell como Gru “Despicable Me”
Cameron Diaz como Fiona “Shrek Forever After”
Geoffrey Rush como Ezylryb “Legend Of The Guardians: The Owls of Ga’Hoole”

MEJOR GUIÓN
Michael Arndt “Toy Story 3”
Sylvain Chomet “The Illusionist”
William Davies, Dean DeBlois, Chris Sanders “How to Train Your Dragon”
Dan Fogelman “Tangled”
Alan J. Schoolcraft, Brent Simons “Megamind”

El día de ayer, por otro lado, la Academia de Cine Europeo entregó los 23vos European Film Awards, del 2010, con una ceremonia sostenida en la ciudad de Tallin, Estonia. Diecinueve premios fueron entregados en la noche, con la gran triunfadora de la noche siendo The Ghost Writer, último largometraje de Roman Polanski, autor que sigue en arresto domiciliario en Suiza. Fueron 6 los premios que recibió la película, incluyendo la de Mejor Director, trofeo que fue aceptado por Polanski a través de un enlace vía Skype. A pesar de su estreno en EEUU hace ya varios meses, luego de esta avalancha de premios el filme ha vuelto a sonar para los Oscar. A continuación, la lista de ganadores.

MEJOR PELÍCULA: The Ghost Writer, de Roman Polanski – Francia, Alemania, Inglaterra
PREMIO HONORARIO: Bruno Ganz
MEJOR ACTOR: Ewan McGregor por The Ghost Writer
DESCUBRIMIENTO EUROPEO – Prix FIPRESCI: Lebanon, de Samuel Maoz – Israel, Francia.
MEJOR ACTRIZ: Sylvie Testud por Lourdes
MEJOR CORTOMETRAJE: Hanoi – Warsaw, de Katarzyna Klimkiewicz
MEJOR DOCUMENTAL – PRIX ARTE: Nostalgia de la luz, de Patricio Guzmán – Francia, Alemania, Chile
PREMIO AL LOGRO EN CINE MUNDIAL: Gabriel Yared, compositor.
MEJOR PELÍCULA – ELEGIDA POR EL PÚBLICO: Mr. Nobody, de Jaco van Dormael – Alemania, Francia, Bélgica
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Albrecht Konrad por The Ghost Writer
MEJOR EDICIÓN: Luc Barnier & Marion Monnier por Carlos
MEJOR DIRECTOR: Roman Polanski por The Ghost Writer
MEJOR GUIÓN: Robert Harris & Roman Polanski por The Ghost Writer
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: The Illusionist, de Sylvain Chomet – Francia
PREMIO CARLO DI PALMA – MEJOR FOTOGRAFÍA: Giora Bejach por Lebanon
MEJOR BANDA SONORA: Alexandre Desplat por The Ghost Writer
Prix EURIMAGES: Zeynep Özbatur Atakan

El domingo 5 de diciembre, se entregaron los premios de la 13va edición de los Moët British Independent Film Awards. Esta celebración al cine británico tuvo lugar en una gala en el Old Billingsgate, y tuvo como anfitrión a James Nesbitt. Las grandes ganadoras de la noche fueron The King’s Speech con 5 premios, desde hace varias semanas una de las grandes voceadas para los Oscar entregados en febrero, y Monsters, filme realizado con apenas 200 mil dólares y que ha cautivado a la crítica en diversos festivales de sci-fi, que en esta ocasión se llevó tres premios. Los ganadores, a continuación.

MEJOR PELÍCULA: The King’s Speech
MEJOR DIRECTOR: Gareth Edwards, por Monsters
PREMIO DOUGLAS HICKOX (DIRECTOR ÓPERA PRIMA): Clio Barnard, por The Arbor
MEJOR GUIÓN: David Seidler, por The King’s Speech
MEJOR ACTRIZ: Carey Mulligan, Never Let me Go
MEJOR ACTOR: Colin Firth, The King’s Speech
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Helena Bonham Carter, The King’s Speech
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Geoffrey Rush, The King’s Speech
PROMESA DEL AÑO: Joanne Froggatt, In Our Name
LOGRO EN PRODUCCIÓN: Monsters
PREMIO RAINDANCE: Son of Babylon
LOGRO TÉCNICO: Gareth Edwards – Efectos Visuales (Monsters)
MEJOR DOCUMENTAL: Enemies of the People
MEJOR CORTOMETRAJE: Baby
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: A Prophet
PREMIO RICHARD HARRIS AWARD (por su contribución al cine inglés, rubro actuación): Helena Bonham Carter
PREMIO VARIETY: Liam Neeson
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: Jenne Casarotto

Finalmente, repitiendo el plato de los NBR, The Social Network arrasó con los premios entregados por la asociación de críticos de Washington DC, con tres galardones en su haber. Sin embargo, digo que arrasó porque se llevó los principales trofeos de la noche, los de película, guión y director, pero fue Inception la que se llevó más premios en la velada, con 4 trofeos, pero dos en categorías técnicas. Por su parte, The Fighter se llevó dos premios, ambos en la categoría de actores secundarios. Tim Gordon, el presidente de la asociación, declaró que ha sido la competencia más reñida en años. Siempre dicen lo mismo, y creo que este año está claro que The Social Network está bien posicionada como favorita. Veremos cómo continúan las entregas de laureles en lo que queda de la temporada de premios. A continuación, la lista de ganadores del WDFA.

MEJOR PELÍCULA: The Social Network
MEJOR DIRECTOR: David Fincher, The Social Network
MEJOR ACTOR: Colin Firth, The King’s Speech
MEJOR ACTRIZ: Jennifer Lawrence, Winter’s Bone
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Christian Bale, The Fighter
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Melissa Leo, The Fighter
MEJOR REPARTO: The Town
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Aaron Sorkin, The Social Network
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Christopher Nolan, Inception
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Toy Story 3
MEJOR DOCUMENTAL: Exit Through the Gift Shop
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA:Biutiful
MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Luke Freeborn, Brad Ricker y Dean Wolcott, Inception
MEJOR FOTOGRAFÍA: Wally Pfister, Inception
MEJOR BANDA SONORA: Hans Zimmer, Inception

Shrek Forever After ha sido el fracaso más estrepitoso de la temporada de verano americana. El blockbuster animado de Dreamworks, con el añadido de estar en 3D, prometía una descomunal cifra de recaudación en su primer fin de semana de exhibición, pero no pudo vencerle a sus dos antecesoras. En algunas predicciones realizadas por especialistas, se anuncia que esta sería la cinta menos taquillera de la saga, añadiendo además la mala recepción que ha tenido por parte de los críticos. Un primer puesto efímero que se acaba este viernes con la llegada del Príncipe de Persia, más que seguro.

Pero si pensaron que a Shrek le había ido mal, piensen de nuevo. Cuando la Universal anunció que estaba preparando una película titulada MacGruber, basada en el conocido sketch cómico de SNL, los fanáticos saltaron conmocionados. Lástima que con el resultado de la taquilla hayan saltado en desencanto. Apenas 4 millones en un miserable sexto lugar. Y finalmente, en el puesto 10, aunque a simple vista pueda parecer un descalabro, la película hindú Kites logra un buen promedio de recaudación en poco más de 200 salas de cine (sólo para esclarecer el asunto y que se hagan una idea, Shrek fue exhibida en 4 mil salas). Esta semana no sólo llega el Príncipe Dastan a los cines, sino también Sex and the City 2.

Iron Man 2 lidera el box office de nuevo este fin de semana. ¿Alguien dudaba de ello? Luego de las aplastantes críticas salidas desde la Croisette, encima de las 2 horas y media de duración que tiene la película, el público ha preferido no ver la última película de Ridley Scott, al menos no mucho, relevándola al segundo puesto, muy lejos de su presupuesto de 200 millones. ¿Recuperará Robin Hood lo gastado, al menos en terreno internacional?

La comedia romántica Letter to Juliet, protagonizada por Amanda Seyfried, tiene menos suerte y se queda atascada en un misio tercer puesto. Aunque sufre más Just Wright, lo nuevo de Queen Latifah, que no llega ni a los 10 millones. Esta semana el ogro verde atiborrará las pantallas grandes de los EEUU, en su prometida última aventura Shrek Forever After, con el añadido de estar en 3D. Fijo que se baja al héroe de hierro de la cima, ¿o no?.

No sólo se ha convertido en la película con el mejor primer fin de semana del año, sino que se ha convertido en el segundo mejor estreno de mayo de la historia, superando a la primera parte, sólo por debajo de SpiderMan 3. Iron Man 2 ha demostrado ser todo un suceso monetario, tanto en EEUU como a nivel internacional, acumulando en apenas una semana 327 millones de dólares en el mundo. Lo más increíble es notar cómo ya recuperó todo el dinero gastado en su realización, 200 millones de dólares, siendo cada boleto que se consiga de ahora en adelante utilidad pura.

Recién en el puesto 10 se estrena el documental francés Babies, el cual apenas supera el millón de dólares en su primer fin de semana. No debería sorprendernos tanto, considerando que los documentales generalmente tienen esta tibia recepción. Esta semana se estrena Robin Hood de Ridley Scott, luego de su paso por la Croisette. Veremos si es que logra destronar al superhéroe de hierro.

Nightmare on Elm Street, remake del clásico de los 80s, ha marcado un hito en la historia de la franquicia de Freddy Kruger. Con 32 millones recaudados en su primer fin de semana no sólo ha logrado recuperar todo su presupuesto de producción de 30 millones, sino que se ha convertido en el mejor estreno de la saga, la película de terror con mejor recaudación en los meses abril-mayo y un buen inicio para la nueva ‘trilogía’ que ya planea la Warner. Se viene la segunda en 3D.

Recién en quinto lugar se estrena Furry Vengeance, la nueva comedia familiar de Brendan Fraser, lejos de su presupuesto de 35 millones de dólares. How to Train your Dragon se rehúsa a bajar del top del ranking, manteniéndose en el puesto 2, mientras que Date Night, a pesar de una caída porcentual en recaudación, se mantiene en la misma posición de la semana pasada. Esta semana se estrena Iron Man 2 en los EEUU, luego de ya haber recaudado más de 100 millones internacionalmente.

Con los colosales 380 millones de dólares que ha recaudado la nueva aventura animada de Dreamworks, How to Train your Dragon, además de las buenas críticas que ha recibido, era cuestión de tiempo hasta que se anunciara una secuela. Jeffrey Katzenberg, CEO de Dreamworks, ha anunciado que esta será su nueva franquicia preciada, cuya secuela podemos esperar para el 2013. Esta noticia me alboroza y preocupa a la vez: nueva franquicia de Dreamworks nunca significa nada bueno. Recordemos lo que le pasó a Madagascar y a Shrek con tanta secuela innecesaria. Kung Fu Panda queda así como la única película buena que se para por sí sola. ¿Es necesario una secuela? Esperemos que diseñen una buena historia para ella.

Luego del terrible fracaso comercial, tanto como de crítica, de Clash of the Titans, la Warner ha decidido echarle toda la culpa a Louis Leterrier, anunciando rápidamente una secuela sin él. Como leen, una secuela. Y no crean que tendremos que esperar demasiado para verla, ya que han anunciado que se quiere empezar a grabar a finales de este año, para estrenarla el próximo, en un esfuerzo con conseguir a Sam Worhtington antes de que se sumerja en la producción de Avatar 2. Lo que no entiendo es, después del Kraken, ¿qué más queda por combatir?

Pero no es la única secuela que anuncia la Warner esta semana. Al parecer quieren realizar una secuela de Viaje al Centro de la Tierra, aquella película que en el 2008 consiguiera recaudar más de 200 millones de dólares a nivel internacional, la película que algunos consideran el inicio de la era 3D de los últimos años (al menos la que inauguró las salas de este tipo en nuestro país). Pero Eric Brevig, director de esta, no estaría de regreso, ya que está sumido en la realización del Oso Yogi y la Warner quiere la secuela para el 2011. Esto trae dos consecuencias: que Brad Peyton (quien estrenará la secuela de Cats & Dogs este año) sea el elegido por el estudio para continuar con la franquicia, y que Brendan Fraser, fiel al primer director, esté a punto de cancelar su participación en la secuela. Lo gracioso: a la Warner no le importa. Sólo quiere la película para el 2011.

Pero pasemos al terror, posiblemente el género que más secuelas nos trae cada año. La Paramount hizo un anuncio de lo más bizarro hace una semana, anunciando el regreso de la franquicia que puso de moda los remakes de terror japonés en los EEUU: El Aro. Luego de la terrible segunda parte, que apenas recaudó 80 millones domésticamente, muchos pensaron que sería el fin de la serie, a pesar de los casi 300 millones que consiguió la primera parte. Pero el estudio tiene un az bajo la manga: el 3D. David Loucka ha sido llamado para escribir, aunque aún nada del director. Pero no esperen ver a Naomi Watts de regreso, ya que se anuncia se intentaría darle nuevos bríos a la franquicia, centrándola en adolescentes. Genérico, genérico.

Pero si hablamos del rey de las secuelas, ese debe ser Saw. Ya tiene 6 films en su haber, y esta semana ya se anunció la séptima parte. Y aún no se escucha nada sobre el final definitivo.  Aunque es algo lógico, considerando que sólo en EEUU las seis películas ya van sumando 370 millones de dólares, duplicando la cifra a nivel mundial. Otra “sorpresa”: vendrá en 3D. Kevin Greutert será el responsable de esta nueva secuela, mientras que ya se está rumoreando el regreso de Cary Elwes, protagonista de la primera y única brillante película, además de Tobin Bell, Costas Mandylor y Betsy Russell. Y la lista continúa. ¿Por qué tanto regreso? Porque se planea reunir a todos los sobrevivientes de la saga en una última cruzada en contra del legado de horror de Jigsaw. Que divertido (en verdad no).

Termino el post con dos noticias de secuelas esperadas (estas que me hacen cambiar el escepticismo común frente a las secuelas). La primera es District 9, cuya secuela por el momento tiulada District 10, sí sucederá. Lástima que tengamos que esperar un par de años para ello, como confirma el actor Sharlto Copley, quien regresaría como protagonista. Por otro lado, la Warner Bros por fin nos confirma la fecha de estreno de Batman 3 (aún sin título completo), en la que regresaría Christopher Nolan en la dirección. Tendremos que esperar hasta el 20 de julio del 2012.

El regreso de Jennifer López a la pantalla grande no fue tan bien recibido por el público como se esperaba. Apenas ingresando en segunda posición, The Back-Up Plan recoge unos tibios 12 millones, al lado de su presupuesto de 35. Tan baja recepción tuvo la cinta, que hasta How to Train Your Dragon en su quinta semana sube una posición y lidera nuevamente el ranking.

A pesar del appeal en su reparto y en género (acción), la cinta The Losers recién ingresa en el 4to puesto y muy lejos de su presupuesto de 25 millones. Por otro lado, el documental Oceans ingresa en el 8vo puesto, lejos de sus 80 millones de dólares de presupuesto. Aunque felizmente le ha ido mejor en tierras internacionales. Esta semana se viene Nightmare on Elm Street, la película que da inicio a la temporada de verano americano.