En una edición del Festival de Cannes que muchos críticos catalogaron de aburrida y con pocos standouts, la Palma de Oro fue para el director más insospechado del certámen, Apichatpong Weerasethakul (responsable de la brillante Tropical Malady). No sólo por su impronunciable nombre, sino que Mike Leigh y Chang-dong Lee con sus respectivos últimos filmes fueron favoritos por largos días y despojados del preciado laurel al final, y con “insospechado” no hablamos de una baja calidad cinematográfica, no me malinterpreten. Loong Boonmee raleuk chat fue el título de la cinta ganadora, con un título igual de bizarro en español, algo así como El Tío Boonmee que puede Recordar sus Vidas Pasadas. Pero si el título de por sí es estrambótico, no esperen entender si quiera la sinopsis: en su lecho de muerte, el tío Boonmee puede recordar sus vidas pasadas. La película es igual de confusa, una mezcla de imágenes, situaciones y acciones aparentemente sin sentido que hasta al espectador más avispado lo tendrá al nivel máximo de concentración. Para empeorar la situación, Apichatpong no ayuda con sus declaraciones: “No estoy seguro de lo que la audiencia obtendrá porque normalmente prefiero no tener mensajes en mis películas. Creo que un filme es mucho más que eso. Debería estar más abierto a un sinfín de interpretaciones por acercamos a ella desde tan diferentes coyunturas”. Hace un par de días salió el primer trailer de la cinta, en el que podemos apreciar todo el nonsense que emana de la historia, pero también una delicada y hermosa fotografía, una que junto a su visionaria propuesta, hizo a Apichatpong Weerasethakul acreedor del máximo galardón de cine del mundo. Por cierto, no se hagan bolas con su nombre: Joe W para los amigos.

Y finalmente terminó la 63º edición del Festival de Cannes, que en esta oportunidad estuvo marcada por algunas polémicas, el regreso de autores importantes del mundo del cine y la consolidación de un director tailandés que ya venía generando buenos comentarios con su trabajo. Nadie puede pasar por alto, por ejemplo, lo ocurrido con el director iraní Jafar Panahi, que no pudo acudir al certamen como jurado de este, debido a su encarcelamiento en su propio país. “Enemigo del pueblo”, dicen las autoridades de Irán, para justificar su accionar. Por otro lado, es peculiar el caso del francés Jean-Luc Godard, que no asistió a la Croisette  a presentar su Film Socialisme, por problemas que calificó de índole “Griego”. Al parecer la crisis de la Unión Europea, también golpea a los maestros del cine.

Pero dejemos las anécdotas, para pasar a los premios que fueron entregados durante el cierre de la Croisette. Empecemos por la sección en la cual estaba incluida la peruana Octubre, de los hermanos Vega, Un Certain Regard. Si bien la dupla ya nos había sorprendido gratamente con el premio del jurado de dicha sección, aún quedaba por definir el ganador de la preciada Cámara de Oro, premio otorgado a la mejor ópera prima del apartado. Sin embargo, fue la mexicana Año Bisiesto, de Michael Rowe, la que ganó el premio entregado por el actor Gael García Bernal, encargado de decidir el ganador en esta edición. En lo que se refiere a la Sección Oficial, el premio a mejor dirección fue para el francés y también actor, Mathieu Almaric, por su filme On tour. Otro francés premiado por el jurado, presidido por Tim Burton, fue Xavier Beauvois, que recibió el Gran Premio por Of Men and God. En cuanto al Premio del Jurado, este fue a dar al director originario de Chad, Mahamet Saleh Haroun con su cinta Un homme qui crie.

Lee Chandong, el director coreano que fuera favorito para la Palma de Oro por su filme Poetry, solo obtuvo el premio al mejor guión. Con los premios a los mejores actores, en cambio, no habrían muchas sorpresas y triunfarían los favoritos de la gran parte de los medios internacionales. Es así que Javier Bardem se haría con la Palma de Oro al mejor actor, por su elogiado trabajo en Biutiful, de Alejandro González Iñárritu. Juliette Binoche, por su parte, triunfaría en su correspondiente apartado, por su performance en Copie Conforme, del iraní Abbas Kiarostami. Esto último, a pesar de que también se voceaba a la protagonista de Poetry, Yun Junghee.

Y finalmente, la Palma de Oro del Festival de Cannes, el máximo galardón del certamen, iría a dar al tailandés Apichatpong Weerasethakul. Este autor de nombre difícilmente pronunciable (a ver, haga usted la prueba delante de su computadora) ya venía obteniendo atención por su filmografía y se había convetido en el favorito de muchos críticos, luego de la presentación en competencia de su filme Lung Boonme Raluek Chat. Algo así como “El tío Boonme recuerda sus vidas pasadas”. Sin embargo, no todo es encanto y algunos medios le han dado a la cinta de Weerasethakul el  feo rótulo de “cine de festival”. “Difícil de descifrar”, dicen por allí. Habrá, pues, que esperar a tenerla a la mano para poder despejar las dudas. Por mientras, vean las imágenes del cierre del Festival.

El Jurado de esta edición del Festival de Cannes, presidido por Tim Burton.

El premio al mejor director, Mathieu Almaric.

Javier Bardem y su Palma de Oro a mejor actor.

Juliette Binoche aprovechó para dedicar el premio tanto a los hombre que la han amado y soportado, como al director iraní Jafar Panahi.

El autor de Poetry, Lee Changdong, agradeciendo su premio por el mejor guión.

Michael Rowe recibe la Cámara de Oro de manos de Gael García Bernal.

La fiolmagrafía de Chad recibe un reconocimiento con el premio del Jurado a Mahamet Saleh Haroun.

Xavier Beauvois se hace con el Gran Premio del Jurado por Of men and God.

Apichatpong Weerasethakul agradece la Palma de Oro.

Los Hermanos Vega acaban de marcar historia en el cine peruano: no serán los primeros en asistir al Festival de Cannes en competencia, pero sí los primeros en regresar a casa con un premio de la Croisette. Hoy en la mañana se anunciaron los ganadores de la sección paralela a la competencia oficial, Un Certain Regard, y Octubre se alzó con el Premio del Jurado de la sección (algo así como el segundo lugar), superando a películas de grandes como Oliveira y Godard, y a otra latinoamericana, Los Labios, la que fuera favorita. “Con este premio, se cumplen al máximo nuestras expectativas”, declaró Diego Vega. “Nos ha ido todo muy bien en Cannes, salas llenas, respuesta buena por parte de la crítica y las posibilidades de exhibición han aumentado”. Agrega que la cinta ya ha conseguido distribución en Alemania, Canadá, Suiza y Austria. Esperemos que cuando regresen con el laurel a la capital nos anuncien finalmente su fecha de estreno en nuestro país.

Un Certain Regard, presidido este año por Claire Denis, es una sección que acoge películas de todo el mundo, de realizadores jóvenes (primeros y segundos largometrajes), además de algunas cintas que quedaron fuera de la Selección Oficial. La película coreana de Hong Sang-soo, Ha Ha Ha, fue la que se alzó con el premio principal de la sección, mientras que las actrices argentinas Victoria Raposo, Eva Bianco y Adela Sánchez ganaron trofeos a Mejor Actriz por la cinta Los Labios. El día de mañana Gael García Bernal entregará el premio Cámara de Oro a la mejor ópera prima y Octubre también compite por ella. Esperemos que las sorpresas continúen. No se olviden que mañana también se entrega el resto de lauros a lo mejorcito del festival, y la preciada Palma de Oro de manos de Tim Burton. ¿Favoritas? La crítica dice Poetry o Another Year. Veremos.

“Octubre ovacionada en su estreno mundial en Cannes”. Con esas palabras en el Facebook Oficial de la película es que nos enteramos de la recepción que ha tenido la única película peruana presente en la Croisette y la primera en 15  años, desde que Sin compasión, de Francisco Lombardi, participara en 1994.

Diferentes medios hablan de las virtudes de Octubre, con recalco en una economía expresiva bien llevada por los autores y una sólida interpretación de Bruno Odar, en el papel protagónico. De esta manera, la agencia AFP comenta así: “Con gran concisión y pertinencia, los hermanos Vega componen una crónica colorista muy lograda, con toques de humor inexpresivo, en particular con un billete falso que el protagonista no consigue sacarse de encima, y una suculenta galería de personajes populares. La puesta en escena es muy sobria, de cámara fija y buen parte del tiempo plantada delante del usurero impertérrito, interpretado por el excelente Bruno Odar, un actor con mucha presencia.” Continúa, elogiando el trabajo de Odar: “El reparto de Octubre es impecable, con mención especial para Bruno Odar, sólido cuadragenario, el gran descubrimiento de la película.” Otros medios, como la agencia DPA, también reciben bien el trabajo de los Vega y encuentran similitudes con lo hecho por Aki Kaurismaki, sobre todo en el tratamiento del humor.

Octubre partió de una idea inicial relacionada a la cinta El Dinero, del francés Robert Bresson, en la que se seguiría el trayecto de un billete falso. Pronto, la historia creció y terminó centrándose en un adusto prestamista, interpretado por Bruno Odar, que termina haciendose cargo de una niña, con la ayuda de una devota del Señor de los Milagros. Estas nuevas situaciones harán que la vida del personaje tome un radical cambio.  Esperemos, pues, que este filme de los hermanos Vega siga su buen camino en Cannes.

Continuemos avanzando con la celebración, que la juerga en la Croisette no se detiene. En este post dos jornadas más, lástima que ninguna nueva favorita. Aunque la cintas presentadas en competencia fueron bastante apreciadas en general. Algunos dicen que la Palma de Oro podría quedarse en Francia este año. Otros apuestan más bien por Corea.  ¿Qué más tenemos en este resumen? Stephen Frears presenta su última película  fuera de competencia, Tim Burton con su muestra artística y más.

El extraordinario iraní Abbas Kiarostami, luego de 13 presentaciones en la Sección Oficial del Festival de Cannes, y una Palma de Oro por Ta’m e guilass en el 97, este año regresa con fuerza con el film Copie Conforme. Lanzándose a rodar su primera película fuera de su tierra natal, Kiarostami huye hasta Italia, donde filma con la actriz francesa Juliette Binoche y el inglés William Shimmel. “No creo que rodar en Italia haya cambiado nada acerca de mi estilo artístico. Estoy seguro que no lo hizo: incluso cuando el lugar y el lenguaje eran ajenos a mi, la película y sus personajes me eran familiares”. La historia: un escritor inglés y la dueña de una galería de arte se conocen. “Cuando escribí este guión, quería que estuviese libre de cualquier detalle del este. Quería que estos personajes y sus diálogos fuesen universales”.

Pero la presentación del último trabajo del autor iraní también obtuvo la atención de los medios, debido a las declaraciones del mismo en contra del gobierno de su país. Hay que saber que dicho gobierno mantiene en prisión al colega de Kiarostami, el director Jafar Panahi, por considerarlo “enemigo del pueblo”. Así, el autor presente en la Coisette dijo lo siguiente a la prensa: “El mundo del cine está siendo agredido, que cineastas estén en la cárcel por hacer películas es algo intolerable, el mundo no puede quedarse indiferente ante este atropello, porque con esto, es el arte en su conjunto el que está preso”. Luego, continuó: “El Gobierno iraní no tolera a los cineastas independientes de mi país, y sólo pone palos en las ruedas del cine independiente… pero ahora ha traspasado unos límites inaceptables. No sé lo que va a ocurrir, porque nada de lo que pasa en Irán es previsible”.

La rueda de prensa tomó un tono más grave aún, cuando una periodista le informó al propio Kiarostami que Panahi había decidido empezar una huelga de hambre, debido a prorroga de dos meses de su estadía en la cárcel. Ante la triste noticia, Juliette Binoche echó a llorar. Como se sabe, estaba planeado que Panahi asistiera al Certamen, como jurado del mismo, pero esto fue imposible debido a su encarcelamiento por las autoridades de su país.

En cuanto a lo que se refiere al cine, a sus personajes y a su última película, Kiarostami dijo: “A lo largo de las experiencias que he vivido en el cine, siempre he tenido dentro de mí una parte de mis personajes. El cine que yo hago no se deriva de ninguna forma de arte, sino de la realidad. El fundamento de mis personajes siempre tiene su origen en una experiencia vivida.” Luego, añadió acerca de las implicancias políticas de sus filmes: “¿Se puede vivir en una sociedad sin poseer necesariamente una dimensión política? Mis películas nunca pasan por la mediación de un relato o del arte de la literatura, sino por la realidad. Y en la existencia verdadera, real, la dimensión social y política está en todas partes.” Por su parte, Juliette Binoche afirmó a la prensa: “Abbas Kiarostami me dedicó mucho tiempo frente a la cámara. Esta libertad es poco común para una actriz. Su manera de filmar me ha permitido hacer volteretas emocionales, vivir una inmensidad interior desconocida y sumergirme en una creatividad que pocas veces había explorado en el pasado.”

Los medios han visto con agrado este último filme de Kiarostami, Copie Conforme. Por ejemplo, el crítico Carlos Boyero, de El País y que no ha sido siempre muy entusiasta con lo hecho por el iraní, dice: “Copie conforme, que a ratos me intriga, en otros me resulta tediosa y finalmente me sorprende, dispone de un imán permanente y es la presencia de esa actriz luminosa y guapísima mujer llamada Juliette Binoche. Su interpretación de esa mujer que pretende reconstruir el esplendor en la hierba cuando ya solo quedan cenizas es conmovedora, digna de todos los premios. Esta vez sí he logrado comprender lo que quiere contar Kiarostami y su estilo para hacerlo es sólido. O sea, que no tengo razones para lanzar cohetes, pero, al menos, me conformo.” El Mundo sí lanza los cohetes y no teme afirmar que Copie Conforme es paso adelante en la filmografía del autor y que “se trata simple y sencillamente de una obra maestra”. Además se han establecido comparaciones con Rossellini.

En esa misma jornada, Xavier Beauvois presentó en competencia y en rueda de prensa su Of men and God. Este filme narra la historia de ocho monjes franceces que viven en la Argelia de los años noventas, que deciden no regresar a su país natal cuando reciban las amenazas de grupos fundamentalistas. Beavois aprovechó la atención para hacer público su apoyo al director Roman Polanski, que aún sigue detenido. Por otro lado, se refirió a la lentitud de algunas escenas de su película: “Estamos en una sociedad en la que hay que moverse deprisa, en especial a través de la publicidad y los videoclips. Creo que el espectador es inteligente, que entenderá el ritmo de la película. No tengo ningún motivo para hacer ajustes rápidos en mi película, sobre todo cuando refleja la vida de monjes.” Por su lado, en El País, Carlos Boyero apunta acerca del nivel del filme: “Está correctamente narrada, con demasiada pausa en la parte central, redimida por un arranque y un desenlace notables.”

En la jornada de ayer, el director ucraniano Sergei Loznitsa hizo lo propio con la presentación en competencia de su ópera prima fuera del mundo documental, My Joy. Se trata de una brutal historia, según informan algunos medios, donde se aborda la incapacidad de los ucranianos y rusos de superar sus traumas sociales. La historia gira en torno de un camionero ucraniano que, una vez perdido en la Rusia más rural, se encontrará con diferentes personajes que muestran los síntomas de los problemas de esta sociedad.  Una cinta de estilo eclético según afirma el propio Loznitsa: “Al principio, opté por hacer una road-movie pero no se puede definir realmente el género de la película. Además, ¡ni siquiera yo comprendo realmente el estilo! Es muy realista pero, de vez en cuando, hay escenas grotescas o románticas. Se trata de una película muy ecléctica.” Sin embargo, este trabajo del director ucraniano parece tener un estilo realista, donde la cámara en mano abunda, como informa la web Las Horas Perdidas.

My Joy parece haber gustado a los medios enviados a la Croisette, a pesar de su violencia. Es así que, por ejemplo, en El Mundo afirma que el filme superó las espectativas y es “una de esas cintas que obliga a los críticos vagos a utilizar eso de ‘sin concesiones’”.

Lee Changdong, también se hiso presente en Cannes, para la pesentación en competencia de su nuevo filme, Poetry. El Ex-Ministro de Cultura de Corea del Sur y miembro del jurado del certamen del año pasado, estrena una cinta que se centra en una anciana que entrará en un dilema cuando a la vez que descubra su pasión por la poesía, su nieto se vea involucrado en un caso de violación en la escuela donde estudia. En esta ocasión, Changdong cuenta con la colaboración de la experimentada Yun Junghee, quien regresa a la actuación luego de 16 años, para el papel de la anciana protagonista. Acerca de su regreso, la actriz dijo en la rueda de prensa del filme: “Estoy muy contenta de regresar con esta película, aunque nunca he dejado el cine. El cine es mi vida. Es cierto que recibía muchos guiones, pero ninguno me gustaba. Y un día, Lee Changdong vino a verme y me dijo que estaba escribiendo para mí. Un año y medio después me envió el guión. ¡Cuando lo leí, me pareció formidable, increíble! Pero no he dejado el cine. Fui miembro del Jurado del Festival de Montreal. Voy a continuar hasta los 90 años (…) El personaje se parece a mí: soñadora, inocente, idealista y un tanto alocada.” Al parecer el trabajo de Yun Junghee ha tenido muy buena recepción, por encima de la performance de la Binoche en Copie Conforme, e inclusive se dice entre los medios que podría ser una gran candidata para el premio a mejor actriz.

Pero los buenos comentarios no solo son para el trabajo protagónico, sino que el filme mismo también ha obtenido un buen resultado en su presentación ante la prensa. El Mundo no se reserva elogios y comenta: “En el dilema, grande y moral, se va una cinta con el desgarro de un poema de Vallejo. Brillante y doloroso.”

Llega el momento de hablar del estreno fuera competencia del veterano Stephen Frears. Se trata de Tamara Drewe, una adaptación de la novela gráfica del mismo nombre de Posy Simmonds que se centra en la diferentes reacciones que generará la llegada del personaje del título a una modesta aldea inglesa. Se trata, pues, de una comedia de la cual su realizador no lamenta que no haya sido incluída en la competencia de la Croisette. A propósito Frears comentó a la prensa: “¡La película no está en competición porque no quería perder y enfrentar semejante decepción!” Al menos muestra buen sentido del humor. En El País, Carlos Boyero se refiere a este trabajo en términos favorables y apunta que se trata de un filme divertido.

Y para finalizar este informe de la séptima y octava jornada del Festival de Cannes, los dejamos con algunas imágenes de la presentación artística de Tim Burton, presidente del jurado de la presente edición, en la cual onservamos el arte de algunos de los personajes de sus películas.

Isabelle Huppert se pasea por la Croisette. Ni pensar que el año pasado se paseaba por Lima.

Por cuestiones de tiempo, lamentamos no haber podido hacer un resumen de jornadas antes. Es por eso que hemos decidido juntar las jornadas del domingo y ayer en un sólo post resumen, considerando además que el domingo fue un día demasiado tranquilo y sin suficientes eventualidades como para llenar un post único. Por otro lado, este lunes se ha mostrado mucho más movido con la presentación de las esperadas últimas películas de Kitano y González Iñárritu. Veamos lo que sucedió en la Croisette.

El director Mahamet Saleh Haroun se presentó en Cannes por primera vez en competencia el día domingo con su cuarto largometraje, Un Homme Qui Crie. Tomando la guerra civil en Chad como contexto, la cinta nos cuenta la historia de un hombre en sus 60s que, luego de perder su trabajo como guardia de un hotel de lujo que acaba de quebrar, tendrá que aceptar que su hijo tome las riendas del hogar. “Esta no es una película sobre la guerra”, comenta Mahamet. “Es acerca de las personas que se ven afectadas por ella, las que creen que han perdido el control de sus propios destinos”. Lo habla la voz de la experiencia, al haber sufrido dos guerras civiles en su vida. “La semana pasada, todavía había enfrentamientos. La violencia sigue allí. Pero cuando haces una película debes superarla o capturarla e incluirla en tu filme. En esta situación, no buscas entretener”. Sumido en las relaciones padre-hijo, comenta que “el tema de las relaciones paternales es muy importante para mi. ¿Cómo se puede asegurar que los valores son pasados de una generación a otra sino?” Lástima que a la crítica no le haya gustado. Poca competencia entonces.

Luego de 20 años sin pisar Cannes, Bertrand Tavernier presenta La Princesse de Montpensier en competencia, convirtiéndose en uno de los directores que más expectativa creara antes de iniciado el festival (junto con Loach, Leigh e Iñárritu). Sin embargo, el director francés que ganara en el 84 el premio a Mejor Director por Un dimanche à la campagne esta vez ha decepcionado a la crítica. Basada en una historia corta de Madame de La Fayette, esta vez Tavernier regresa a un cine de época en una historia de disputa entre dos candidatos a la gran herencia del reino. “Quería sumergirme en el siglo XIX de la Princesa, y llenarme de él completamente, entrar en era así como lo hice para el Louisiana de James Lee Burke”. Pero tamaña ha sido la decepción que algunos comentan que sólo la han incluido en competencia por respeto al director. OUCH. El País es duro: “Diálogos, situaciones y personajes están forzados o resultan previsibles. La retina puede distraerse con los hermosos paisajes y el esforzado realismo de las batallas, pero la intriga sentimental y política resulta bastante fatigosa. Es cine impersonal, con aroma a teatro rancio, algo lamentable al venir firmada por un hombre que ha demostrado suficientemente su autoría en una obra memorable”.

Felizmente el día de ayer ha estado mucho más nutrido en lo que se refiere a cine. Alejandro González Iñárritu y su Biutiful fueron ovacionados durante la presentación ante la prensa, aunque muchos anuncian que es más que nada por una notable performance de Javier Bardém. “Escribí el film con Bardém en mente, así que no puedo estar más orgulloso del resultado que hemos conseguido juntos”. El director mexicano que se alzó en el 2006 con el premio a Mejor Director por Babel, esta vez regresa sin la colaboración de su recurrente guionista, Guillermo Arriaga, tomando una nueva dirección en su manera de hacer cine, lejos de la narrativa coral que mostró también en Amores Perros y 21 Gramos. Esta vez, la historia gira alrededor de un traficante terminal de cáncer, uno que tendrá que ir a los límites de la enfermedad para salvar a su familia, su trabajo y su propia vida. Las Horas Perdidas alaba el trabajo de Bardém: “El actor realiza una interpretación que roza la perfección, probablemente la mejor de su carrera, y ya es decir, aún es temprano, porque queda mucho festival por delante, pero a nadie le pillaría de sorpresa si el premio al mejor actor fuera para Javier Bardem”. Entonces, ya tenemos primer favorito para la categoría actoral masculina. El País lo aclama de igual manera: “Biutiful tiene en Javier Bardem su principio y su final, la chispa que abre el círculo y el colapso que lo cierra, el todo y la nada y su absoluta razón de ser. Todo en Biutiful gira alrededor de Bardem, de tal manera, con tanta obsesión, que uno se pregunta qué sería de esta historia de pobreza, corrupción, enfermedad y amores imposibles (filiales o conyugales, igual da) sin el marchamo de Bardem. Y muy probablemente no sería nada”. Telegraph no está contento y comenta con sarcasmo: “Recomendada – para aquellos que anhelan ver a Bardém usando un pañal o constantemente orinando sangre en un water cochino”. Que asco.

Finalmente otro esperado nombre del certamen de este año hizo su aparición ayer: Takeshi Kitano con Outrage. Luego de tres largometrajes casi autobiográficos, Kitano regresa a su primer amor: el mundo de los yakuzas, los films policiales violentos basados en las guerras entre estas pandillas que son virulentas en Japón. Un género que fue el responsable de la consolidación de la carrera de este director japonés. “Filmo la violencia en una manera que hace que el público sienta el dolor”, explica Kitano. Pero tranquilos: hay algo de humor también: “Debo ser un péndulo. Para ser extremadamente violento debo, por otro lado, mostrar algo de humor. Es así como describiría mi trabajo. Puedo mostrar escenas de tanto odio como amor. Uno de mis grandes temores sería que mi péndulo se atascara y empezara a ir en círculos, como las manecillas de un reloj”. A la crítica le ha gustado, sobretodo por su falta de pretensiones, aunque no la ven como una fuerte candidata a los pálmares. The Guardian comenta sobre lo dura de la violencia: “La escena que inicia la película, la que muestra a los yakuzas en sus rituales de compromiso, las elaboradas ceremonias respectivas, una que engloba paranoia y delealtad psicopática y furia, son tremendas. Pero luego lo asqueroso inicia y vi el resto por entre mis dedos”.

Finalmente, se sostuvo la presentación de Carancho en el marco de la sección Un Certain Regard, la última película del realizador argentino Pablo Trapero, uno que hace un par de años compitiera por la Palma de Oro con su película Leonera, y que consiguiera poco después en Lima el Spondyllus a la Mejor Película por la misma cinta en nuestro festival. Esta vez trabaja de nuevo con su esposa Martina Gusman como protagonista, pero Ricardo Darín se encarga del protagónico masculino. Un “carancho” es un abogado que se especializa en accidentes de tráfico. Esta es la profesión de nuestro protagonista hasta que su encuentro con una doctora le cambie la vida. Trapero anuncia que lo que quiere conseguir con la cinta es mostrar una realidad paralizante que se vive en Argentina: más de 20 personas mueren a diario en accidentes de tránsito, pero a la vez hay toda una mafia detrás de las indemnizaciones que se pagan por estos. A la crítica parece haberle gustado. Twitch comenta: “Un film que mezcla personajes estelares y un drama íntimo con enormes momentos de thriller y atracos con un par de elementos de violencia chocante metidos por allí en buena medida. Carancho es una pieza maestra del escritor-director-productor-editor Pablo Trapero, demostrando que es uno de los mejores realizadores del mundo hoy en día. ¿Perfecta? Carancho está muy cerca de serlo”. Algo me dice que estará en competencia en el Festival de Lima de este año y esperemos que Trapero esté presente en la capital.

Cuarta jornada y por fin tenemos una favorita unánime, lo último del gran Mike Leigh, Another Year. Pero no sólo hubo buen cine en la Croisette, sino que ha sido posiblemente la jornada más movidita hasta el momento, con derechazos en conferencia de prensa, pugilatos,  abucheos, decepciones y una gran lección (aunque no tanto de cine) de Woody Allen con su nueva película. Veamos lo que sucedió ayer.

La única película en competencia que se presentó ayer fue Another Year, el último trabajo de Mike Leigh, el realizador inglés detrás de obras maestras como Vera Drake y Secretos y Mentiras. Pero lo resaltante de la presentación de la cinta frente a la prensa internacional y la crítica especializada no ha sido sólo la lujosa maestría con la que toca el tema de la maduración y vejez en el hombre, sino una gran muestra de arrogancia durante la rueda de preguntas, algunos medios llamándolo “maldito cascarrabias”. Según parece, un periodista de cierto medio estaba a punto de formularle una pregunta, cuando el director lo calló antes de que pudiera gesticular palabra alguna. “Me rehúso a contestar una pregunta tuya y sabes porqué” anunció el director. Cuando  este replicó que no tenía idea de a qué se refería, Leigh contestó: “Lo sabes. Y no quiero contestar tus preguntas”. Sin embargo, ese no fue el único altercado que aconteció en la rueda de prensa. El desdén con el que el director respondía muchas preguntas era notorio y algunos reporteros empezaron a retirarse antes de acabada la presentación. Una corresponsal le preguntó si no consideraba que el retrato de solterones solitarios y desesperados que presentaba era un poco rudo. “Este es el tipo de cine que te muestra la vida tal cual es”. A lo que ella continuó, apuntando que las únicas personas felices en su cinta eran una pareja de esposos y preguntando si es que consideraba que las personas solteras, o de relaciones homosexuales, podían encontrar felicidad también. Leigh respondió: “Me parece que tienes un problema mirando algo positivo y saludable. ¿Estás sugiriendo que hemos hecho que pierdas tu valioso tiempo?”. A muchos reporteros les contestaba con un tajante: “Te sugiero que vuelvas a ver la película”.

Todo esto igual no evitó que los encomios llegaran por montones. “Como Sally Hawkins en la anterior película del director, Happy-Go-Lucky, este es un gran avance, apoyado por maravillosos momentos cómicos, ojeadas celosas, destellos neuróticos y, finalmente, reflexión sosegada”. Screen Daily describe la cinta como una “hecha de manera delicada y a veces chismosa, ofreciéndonos una mirada a vidas ordinarias durante todo un año. Leigh es un maestro haciendo que lo ordinario se torne extraordinario”. Dave Clhoun la llama “más meditativa, más calmada que mucho de su trabajo previo”. “Another Year es un film pesimista sobre el paso del tiempo y la derrota de ideas, que está plagado de diálogos brillantes, en donde los actores realmente se lucen”. El Mundo se muestra entusiasta: “Si se asume el libro de estilo del realizador británico no queda otra que reconocer que estamos delante de una obra perfecta. Cada brizna de vida es mezclada con el disolvente de las ilusiones truncadas con una maestría que sólo él conoce”. Telegraph anuncia: “Catorce años luego de ganar la Palma de Oro por Secretos y Mentiras, y seis años luego de haber sido rechazado de competencia inexplicablemente con Vera Drake, Mike Leigh ha regresado a Cannes con un film en la cumbre de sus habilidades creativa”. ¿Ganará otra Palma de Oro?

Ahora pasemos a las presentaciones especiales fuera de competencia. Luego del estreno brioso (de estrellas) pero decepcionante (cinematográficamente) de Wall Street: Money Never Sleeps, el día de ayer la Croisette tuvo el honor de tener en estreno mundial la última cinta de Woody Allen, You Will Meet a Dark Tall Stranger. La crítica ha salido feliz y triste a la vez, el genio de Allen derrochado en la conferencia de prensa, pero totalmente ausente en su cinta. “Mi relación con la muerte no ha cambiado. Sigo fuertemente en contra de ella”, grande Allen. “Creo que la vida es nefasta, una experiencia de pesadilla y la única forma de ser feliz es sí te dices mentiras continuamente y te engañas. Lo dijo Nietzche, Feud y Eugene O’Neill… Si ves la vida muy honesta y claramente, la vida se vuelve insoportable porque es una faena adusta, debemos admitirlo”. Otra más, de yapa: “No hay ventajas en volverse mayor. Tengo 74 ahora. No te vuelves más inteligente, más sabio, no te hace más apacible ni amable. Nada bueno pasa. Tu espalda te duele más, te da mucha más indigestión, no puedes ver bien, necesitas cositas en tu oído – es un mal negocio envejecer y recomiendo fuertemente no hacerlo”. Por cierto, maestro Allen, ¿por qué ya no protagoniza sus propias comedias como en décadas pasadas? “Por años interpreté al protagonista romántico y luego dejé de hacerlo porque me puse muy viejo. Y no es divertido no poder ser el chico que consigue a la chica. Se deben imaginar qué frustante es ver que las chicas son Scarlett Johansson y Naomi Watts, y que los otros chicos las consigan mientras soy el director”.

You Will Meet a Tall Dark Stranger es protagonizada por Antonio Banderas, Josh Brolin, Anthony Hopkins, Gemma Jones, Freida Pinto, Lucy Punch y Naomi Watts. Continuando con sus filmes situados en Europa, esta vez nos encontramos en Londres y seguimos a un grupo de personajes fogosos de pasión, ambición y ansiedad, lo cual los llevará a problemas insospechados, consecuencias peligrosas. Penosamente, a pesar de lo atrevida de la sinopsis, la película ha dividido las expectativas de la crítica. El Mundo es algo duro: “La cinta presentada en Cannes devuelve a Allen a las andadas y se ofrece como una comedia triste. En todos los sentidos de la palabra. Sin alma, sin una historia que contar, sin aliento. Exhausta. “Un poco de amor, algo de sexo, alguna traición y, de regalo, algunas risas”. Así describe la película las líneas que acompañan a su presentación en papel. Y no se equivoca: todo sabe a poco o a algo, pero no queda claro a qué”. Al País le gusta: “You will meet a tall dark stranger es Allen en estado puro, con sus miserias desoladoras, sus prejuicios y sus frustraciones, pero todo pasado por el tamiz de la más inteligente de las carcajadas”. The Guardian por su parte es algo más neutral: “Los gags no llegan tan diestramente como lo hicieron en las que Allen mismo llama sus “primeras, graciosas películas”, pero el guión está lleno de un ingenio elegante, uno que lo ha hecho acreedor ya de 14 nominaciones al Oscar a Mejor Guión Original en su carrera”.

Con apenas 21 años de edad, el director canadiense Xavier Dolan regresa (sí, como leyeron, regresa) a la Croisette a presentar su último largometraje: Les Amour Imaginaires, o en inglés, Heartbeats. A su corta edad, el año pasado presentó I Killed My Mother en la sección Un Certain Regard, ópera prima que le valió el premio central de la Quincena de Realizadores. Este año regresa a la sección con una historia que nos habla del amor, de la relación en un triángulo amoroso. Al igual que con su primera película, esta fue recibida con tremenda ovación del público. “La multitud se volvió loca con lo nuevo de Xavier Dolan, un super-estilizado knock off de Jules & Jim que es tan hip como pretende serlo”. Muero por verla porque se ve fuera de este mundo; si no me creen miren el trailer.

Finalmente, en la jornada de ayer se dio lugar a un homenaje al cine español, a través de la figura del gran Luis Buñuel, el único español en ganar la Palma de Oro en el 61, con la película Viridiana. Dentro de los invitados al evento, la Ministra de Cultura española, Ángeles González Sinde, el presidente de la Academia de Cine, Álex de la Iglesia, Pedro Almodóvar, Fernando Trueba, Isabel Coixet, Marisa Paredes, Imanol Arias, Óscar Jaenada, Bárbara Goenaga, Rossy de Palma, Elsa Pataky y Pilar López de Ayala. Se presentó la película Tristana, del 70,

Tercera jornada en la Croisette y por fin una película que ha completado las expectativas de la crítica internacional, la coreana The Housemaid. Lástima que ninguno se atreva a nombrarla favorita todavía, faltan muchos días de competencia. Aunque también influye la gran presencia mediática que ha tenido el estreno de Wall Street: Money Never Sleeps fuera de competencia, una cinta que habrá acaparado cámaras y deslumbrado con estrellas relampagueantes, pero que a los críticos ha dejado con una decepción imperiosa. La llaman secuela innecesaria. Pero empecemos en orden.

Sólo un filme en competencia se presentó el día de ayer, la película sur-coreana The Housemaid (Hanyo) del director Sang-soo Im, una revisión del clásico sur-coreano del mismo título de Kim Ki-Young, del 60. Hay algo interesante en los últimos años en Cannes: la presencia de Corea no será la más avasallante, pero sí la que más ansias despierta en la crítica internacional. Este año hay dos películas sur-coreanas en competencia, la segunda bajo el título de Poetry, del director Lee Changdong, que será presentada en la cuarta jornada. Pero continuemos con la cinta de Sang-So, una que nos muestras las oscuras consecuencias que tendrá el amorío que sostenga el dueño de un hogar y la empleada doméstica que lo atiende. Jeon Do-yeon, fue ovacionada por su actuación, y recordemos que ella ganó el premio a mejor actriz en el 2007 por Milyang. Do-Yeon, Lee Jung Jae y Youn Yuh-Jung estuvieron presentes durante la presentación de la cinta, al lado de un director entusiasmado. “Esta es una película que tiene 50 años. Las sociedades han cambiado bastante, ahora estamos en el 2010 y quería que el film reflejara a Corea y a una sociedad internacional.La sociedad coreana se ha venido desarrollando bastante rápidamente. Pero lo que debemos recordar es: ¿acaso han cambiado las reacciones en 50 años?”. Las Horas Perdidas comenta: “Se ha destacado todo, desde el guión que describe a unos personajes poderosos, a una impecables interpretaciones y puesta en escena, todo exquisitamente orquestado por Im Sangsoo. Es temprano para hablar de una primera candidata al palmarés pero habrá que tenerla en cuenta”. Variety por su parte apunta: “No sólo es un remake, sino una entera revisión del clásico en blanco y negro de Ki-Young, este thriller softcore es jugosamente disfrutable de inicio al exagerado final, pero su alegre ensartamiento de las clases altas a veces nos llega curiosamente pasado de moda, un ejercicio lujoso de una sola nota”. El País es mucho más favorable: “El director Im Sangsoo resulta tan complejo como veraz describiendo la eterna lucha de clases, el machaque que ejerce el fuerte contra el débil si la protesta de este se atreve a amenazar su mundo”. Veremos si consigue algún palmar al final del festival.

Pasemos a hablar del plato de fondo de la jornada de ayer, la aparición en la Croisette de los actores A-List como Michael Douglas, Carey Mulligan, Josh Brolin, Frank Langella, Shia LaBeouf y el director Oliver Stone en la presentación fuera de competencia, y en estreno mundial, de Wall Street: Money Never Sleeps. Secuela del clásico del 87, esta cinta intenta, como en su época lo hizo el primogénito de la saga, dar una visión crítica del mundo de las finanzas, del sistema económico imperante en la sociedad, de la crisis económica que nos embarga. “No sé si el capitalismo funcione o no, pero me gustarían reformas mucho más serias. En 1987, cuando estrené la primera Wall Street, creí que las cosas mejorarían, pero los últimos 20 años han demostrado lo contrario. Las únicas personas que siguen haciéndose ricas son los CEOs de las grandes compañías” comentó Stone en la conferencia de prensa. Lástima que Gekko no sea el de antes, salido de prisión, y que el nuevo aprendiz, interpretado por LaBeouf, deje un sabor insípido en boca de todos. Las Horas Perdidas apunta: “Le falta garra y le sobra sentimentalismo. Lo único que han salvado realmente es la interpretación de Michael Douglas, cuya sola presencia en pantalla ya impresiona, aunque se quede bastante corto con respecto a lo que hizo en la primera parte del film”. ElMundo es algo más duro: “Gran expectación, pero (avancemos la cuenta de resultados)… ‘Crash’, desplome bursatil. La idea del director no es otra que seguir el ritmo de los ciclos económicos. Lo que en los 80 fueron bonos basura, ahora son ‘subprime’, ‘ninja’ o algo peor. De por medio, claro está, el desastre. Lo que no termina de encajar es la absoluta falta de ideas que preside la película de cabo a rabo”. Oportunismo y demagogia es lo que huele El País: “También huele ligeramente a oportunismo, a que a Stone le viene muy bien retratar una temática como la de la infame crisis económica que crearon unos cuantos y que estamos padeciendo casi todos. Afortunadamente el personaje de Gekko mantiene durante bastante tiempo su lado tenebroso y su perversa capacidad para la manipulación, aunque Stone, temeroso de que el diablo perjudique a la taquilla, intenta hacerlo bueno con un desenlace imposible de creer, tontorrón y sensiblero”. Chess.

Pasemos a las secciones paralelas del festival. Una que capturó la atención de los medios fue la presentación de Abel, ópera prima del conocido actor mexicano Diego Luna, su primera vez en Cannes. La historia sigue a un niño de 9 años que no ha hablado desde que su padre abandonó el hogar. Pero de la nada, un día pronunciará sus primeras palabras y tomará el rol de cabeza de hogar de su familia disfuncional. “Empecé a actuar cuando tenía 6″ comenta Luna. “Tuve que convertirme en adulto cuando era muy joven aún. Era maduro en algunos aspectos, pero en otros, como todavía hoy, soy un niño. Las diferentes aristas de nuestra personalidad no se desarrollan a la misma velocidad”. Para apoyarlo en la presentación de la cinta, su amigo de toda la vida (o gran parte de ella) Gael García Bernal. Ya había sido presentada en Sundance, y al igual que en aquel otro escenario fue aplaudida por la crítica.

¿Hay alguien que no conozca a Hideo Nakata? Directa o indirectamente, el director se ha ganado fama internacional al popularizar las películas de terror japonés en el mundo, con aquella joyita titulada El Aro. Nakata ha estado presente anoche en Cannes para presentar su última película en la sección Un Certain Regard, bajo el título de Chatroom. Esta vez tirado un poco más hacia el drama que hacia el terror, la cinta fue grabada en Inglaterra con los protagónicos de Aaron Johnson, Imogen Poots y Matthew Beard, y una historia que gira en torno a cuánto afecta el internet el comportamiento agresivo de los adolescentes. Lo que pocos sabíamos es que la película es una adaptación de la primera obra de teatro que escribió en su carrera, en esencia influencia de la irlandesa Enda Walsh. “Con su comunicación virtual, el Internet amplifica las emociones negativas de una manera espectacular: ansiedad, miedo, deseo, odio, furia. Algunas personas son incluso guiadas a suicidarse o matar a gente inocente”. Lástima que no haya terminado de convencer a la crítica.

Finalmente hablemos de algunas presencias memorables en la Croisette ayer, como la de Liam Gallagher, ex-vocalista de Oasis. ¿Qué hacía en Cannes? Promocionando la nueva película que producirá. “Se trata del asceso y caída de Apple Corps, la disquera detrás de los Beatles, en los 60s, y estará basada en la novela de Richard DiLello, The Longest Cocktail Party”.

Por otro lado, Martin Scorsese y George Lucas se dejaron ver en la gala de presentación de Wall Street: Money Never Sleeps, buenos amigos de Stone. Classy.

Hay un documental italiano del cual no estaba previsto, en un principio, que tuviese una gran cobertura por la prensa cinematográfica en su estreno en el Festival de Cannes. Se trata de Draquila, Italia tiembla, de Sabina Guzzanti.  Sin embargo, el gobierno italiano se encargó, involuntariamente desde luego, de hacerle la propaganda suficiente como para captar la atención de los medios. Sucede que el ministro de cultura de dicho país, Sandro Bondi, rechazó la invitación que le hiciera la Croisette para asistir al certamen y declaró que el documental es “propaganda que ofende la verdad y a todo el pueblo italiano”.

Sabina Guzzanti, directora del documental, realizó anteriormente el documental Viva Zapatero!

En abril de 2009, un terremoto devastó la ciudad de L’Aquila, que provocó 308 muertes y dejó a miles de damanificados. El documental de Guzzanti aborda esta situación y la manera en que Silvio Berlusconi aprovechó el desafortunado suceso para sacar beneficios económicos de la reconstrucción de dicha ciudad. Al menos, esta es una de las tesis de la directora, que inclusive se anima a afirmar que el gobernante usó el desastre para experimentar con la suspención de los derechos civiles en grandes grupos de población, con el fin de incrementar su poder financiero y político. De hecho, el título de la cinta es un juego de palabras que combina Drácula con el nombre de la ciudad de L’Aquila. Berlusconi visto como un tipo que vampirisa la desgracia del pueblo que gobierna. En una frase del documental se dice, con sorna, que el terremoto fue para Berlusconi “como si Dios le hubiera tendido de nuevo la mano”.

Las comparaciones con el estilo de Michael Moore no se han hecho esperar, si bien se dice que la Guzzanti tiene más discresión para aparecer en pantalla, como afirma el diario El País. Sin embargo, también se ha apuntado que, como suele pasar con el documentalista estadounidense, el trabajo directora peca de demagógico. “Un pelín demagógica, un pelín excesiva en su diatriba contra el exceso”; afirma El País. Así mismo el polémico crítico Carlos Boyero afirma que: “está bien que existan los Michael Moore que le den el coñaso al poder, aunque sus métodos puedan ser discutibles”. Aunque, por su lado, El Mundo menciona que la película “no cede a las tentaciones de cierta demagogia”. De una manera u otra, lo cierto es que el mandatario italiano se encuentra ante una grave acusación.

Al parecer la prensa y los críticos aún esperan “la gran película” que abra el Festival de Cannes.  Esto se debe, desde luego, a  la tibia recepción que obtuvo la última cinta de Ridley Scott, Robin Hood, que inauguró la Croisette anoche. Sin embargo, las dos películas en competencia por la Palma de Oro que se msotraron el día de hoy, hablamos de Chongqing Blues y On tour, tampoco han sorprendido a la prensa especializada. Sucede que la atención la captó la presentación del último trabajo del centenario director Manoel de Oliveira, El Extraño Caso de Angélica, fuera de competencia.

Pero vayamos por partes. Chongqing Blues, de Wang Xiaoshuai, narra la historia de un padre que, luego de no ver a su hijo durante 15 años, se entera del asesinato de este y se ve inmerso en la tarea de reconstruir su imagen, por medio de testimonios e imágenes incompletas de cámaras de seguridad. El director nos comenta: “Una parte muy importante que permanece escondida en el filme, es el sentimiento de valor. Porque en un contexto de gran crecimiento económico, hemos perdido nuestros valores. Esto es mostrado a través del personaje del padre: está buscando conocer a su hijo, redescubrir sus valores, pero lo ha perdido para siempre”. En El Mundo se refieren a la película como “Buena sobre el papel”. Luego, continúan: “lo que prometía ser el mejor arranque posible de un festival se convierte en esa cosa tan pastosa de los sentimientos paterno-filiales; lo que prometía ser una radiografía de la mirada quebrada que nos asiste (con perdón), se queda en eso, en promesa. Triste.” The Guardian la llama “algo emotiva”, pero intrascendente. La mayoría mira con desdén la actuación de Wang Xueqi, y un ritmo azaroso en la narración.

Por otro lado, la otra película en competencia mostrada el día de hoy fue, como ya mencionamos, On tour. Este filme, dirigido por el también actor Mathieu Amalric, se centra en el viaje realizado por un grupo de actores de un cabaret. “La historia del filme empezó cuando estaba leyendo un libro de Colette llamado L’envers du Music-Hall (Tras bastidores en el Music Hall). A donde fuera, Collete creaba escándalo. Así que con On Tour decidí que debía crear algo que correspondiera al mundo de esta mujer. Quería crear desorden, desobediencia y política sin querer en ningún momento entregar mensajes específicos. Aunque creo que el Burlesque puede ser útil para educar a las mujeres. Ayuda a destruir estereotipos. Por ello esta es una película, por sobre todo, para mujeres”. Resulta que tampoco ha convencido y en El Mundo dicen: “Por momentos, el genio de Amalric arrebata; a ratos, desconcierta; y, finalmente, simplemente despita.” Por su parte The Guardian comenta: “Si bien el film de Almalric es al final muy transitorio -muy ligero en equipaje- para ser completamente exitoso, igual es observado agudamente e interpretado de buena manera por el reparto”.

Y llega el turno de hablar del último trabajo del buen Manoel de Oliveira, que es parte de la muestra A Certain Regard. Pero primero, justamente hablemos de la inauguración de esta sección del festival. Según los reporteros presentes en la Croisette, se trató de una ceremonia muy conmovedora, celebrada en la Salle Debussy del Festival Palais. Thierry Frémaux mostró tres minutos de una entrevista hecha al director Jafar Panahi, el cual no ha podido asistir a la celebración para ser parte del jurado oficial, luego de haber sido apresado en su país de origen. “¿Porqué no haces cine fuera del país?” le preguntó alguna vez un guardia que tuvo que arrestarlo. “Amé El Círculo”, le comentó también por lo bajo, aquel documental crítico acerca de la opresión que sufren las mujeres en la República Islámica. Claire Dennis, presidenta del Jurado de Un Certain Regard, se mostró claramente conmovida: “Tratamos de evitar el pensamiento de la realidad de la prisión, de la frontera… permanece abstracto. Aún cuando ayer se presentó aquella silla vacía. Y de pronto, vemos la cara de un hombre y todo cambia”. Gael García Bernál también estuvo presente durante la gala, asediado siempre por los paparazzis.

Recordemos que esta es posiblemente la segunda sección más importante tras la de la Selección Oficial, y más importante para nosotros aún este año, cuando una cinta nacional se encuentra entre las 18 seleccionadas: Octubre de los Hermanos Vega.

El Extraño Caso de Angélica es entonces la película inaugural de esta ‘Cierta Mirada’ que nos propone Cannes, y parte de una idea que tuvo el centenario director en los años 50 y aborda a un joven fotógrafo al que se le da en el encargo de fotografiar al cadáver de una joven. El papel de la difunta recae sobre la actriz española Pilar López de Ayala, quien le comentó al diario El País lo siguiente sobre trabajar con el director portugués: “ante Oliveira, una simplemente se calla y escucha”. Oliveira, con los 101 años echados encima como si nada, se muestra entusiasta: “¡He esperado para hacer este film por 60 años!”. Y a pesar del tema duro que toca la película, el de la muerte, algo paradójico y cercano para el veterano director, él comenta: “La muerte es una condición. Desde que nacemos sólo hay una cosa de la que podemos estar seguros: la muerte. No le tengo miedo. Sólo le temo al dolor, pero tengo suerte de no adolecer aún de ese aspecto de la vida”. En El Mundo comentan acerca de la cinta: “Oliveria compone un poema sutil, naíf en la superficie y profundamente conmovedor en sus modales, a vueltas con el amor y la muerte.”