Al salir de ver “Terapia de Riesgo” (Side Effects), sin lugar a dudas la mejor película en cartelera en este momento, me sentí terrible al tener que aceptar que será la última película del director Steven Soderbergh que veremos en el cine. Al menos en el tiempo que le tome darse cuenta del terrible error que ha cometido al retirarse. Felizmente aún queda “Behind the Candelabra” en repeticiones en HBO, su verdadera última película, aunque hecha para la televisión, un biopic sobre Liberace y su controvertido romance con el mucho menor Scott Thorson, presentado en el último Festival de Cannes en medio de ovaciones.

“Terapia de Riesgo” no será la película por la que recordaremos su filmografía, tal vez, pero eso no quita que sea una joyita modesta y rebosante de cine. El filme sigue la línea observadora y ensayística de sus última películas, “Contagio” y “Magic Mike”, comenzando como una crítica a las corporaciones de ansiolíticos en Norteamérica, develando los complots y fraudes que se tejen en torno a sus productos, la verdad de los efectos secundarios de ciertas drogas que se mantiene a espaldas de la opinión pública. Para ello nos muestra el diagnóstico clínico de Emily Taylor (interpretada de manera soberbia por Rooney Mara), mujer que se ve involucrada en un crimen que cometió inconscientemente al estar sometida a una pastilla recientemente lanzada al mercado.

El mismo Soderbergh se encarga de la dirección de fotografía, como siempre, bajo su usual pseudónimo de Peter Andrews, y es curioso cómo a pesar de que podemos identificar paletas de colores similares o cadencias repetidas en los movimientos de cámara, la atmósfera se lee con un sentido completamente diferente a sus anteriores trabajos. Estamos ante una película enferma, pálida, a punto de desmayarse. El foco apenas si roza a los personajes, va y viene, se desvanece; los colores han perdido toda posibilidad de vida, la cámara prefiere ser “objetiva” al mostrar lo que sucede, sin demasiados adornos.

El espectador asiste a una terapia continua de los protagonistas. Los vemos sentados en sus respectivas prisiones, en un consultorio psiquiatra, en un departamento que les resulta ajeno, en la corte o en la cárcel real.  En cada uno de estos espacios los escuchamos escupir monólogos en los que nos hablan de ellos mismos, de sus ambiciones y sueños frustrados, de sus miedos y verdaderas intenciones (al menos en primera instancia). Cada uno se desnuda a su manera, se confiesa, suplica por ayuda.

Cuando creemos entender de qué va la película, cuando pensamos que estamos ante un “Contagio” de menor escala, en el que se reemplaza el sistema de control de enfermedades del gobierno por las corporaciones de medicamentos, la película cambia radicalmente. Lo que parecía ser una sucesión de argumentos económicos, políticos y sociales, se convierte en una serie de indicios y pistas de un terrible crimen. La película vuelca su rumbo al policial, a la pesquisa para resolver un asesinato. El complot de transnacionales se reduce a ser un contexto, uno que nos cuestiona y aturde en el camino, pero que solo sirve de distracción para los verdaderos motivos detrás del delito central.

Solo alguien como Soderbergh puede hacer que un ejercicio de género que en papel repite una fórmula archi-conocida (esa que nos señala sospechosos para al final regresar al primero) logre cuestionarnos sobre temas mayores de manera tan elegante, inteligente y tensa. Soderbergh nos presenta un crimen repleto de giros, mientras a la vez observa y ensaya sobre una sociedad norteamericana paranoica, estresada, que vive a mil por hora, insatisfecha por siempre; una sociedad que quiere que una pastilla le solucione todos sus problemas. Soderbergh logra con esta película darle su chiquita a aquellas corporaciones que se aprovechan de esta situación de eterna displicencia, a la vez de entregarnos tremenda lección de cine. El espectador sometido a una terapia intensa de cine.

Ricardo Bedoya: “Rápidos y Furiosos 6 es una de las mejores cintas de acción de los últimos tiempos”.

Después de eso, ¿qué puedo decir? Si bien el nombre de Kathryn Bigelow es el primero que se me viene a la mente a la hora de hablar de acción contemporánea, no se puede negar que la saga de “Rápidos y Furiosos” ha escrito sus propias reglas y revolucionado en el género. Lejos ha quedado la premisa básica que inició Rob Cohen en el 2001, la de carreras ilegales con autos coloridos y pimpeados: con el ingreso de Justin Lin a la saga en la cuarta parte se reinicia la franquicia, se refuerza la idea de “familia” al recuperar al reparto original y se incorporan los atracos, las persecuciones como huidas, los duelos sobre ruedas y el desafío cada vez más osado de la gravedad. Y si la quinta parte utilizó a su favor el calor de Río de Janeiro para convertirse en la mejor de la saga, esta sexta parte sin escenario definido consigue secuencias de acción de tan intensa envergadura que mientras más lo pienso creo que consigue ser la nueva mejor de toda la saga.

Hay tres cosas que hacen que esta sexta parte conmocione tanto. En primer lugar, tenemos que hablar de la acción. Una acción que no quiere ser realista ni mucho menos, sino que plantea sus propias reglas. Es complicado conseguir esto, ya que el quebrar las leyes de la física tan a menudo puede hacer que el espectador se pierda en lo que sucede o suspenda la credulidad. Y si bien en esta última parte hay un momento en particular en el que todos nos negamos a aceptar cierto “salto” como verosímil, en general Justin Lin y compañía han logrado coreografiar milimétricamente cada una de las aventuras sobre ruedas, siempre in crescendo, tentando de a pocos con la fantasía y la “mentira” física, al punto de que cuando se llega al nivel de lo imposible, todos seguimos enganchados y sin cuestionarnos. Esta saga logra que el espectador apague el cerebro y simplemente se deje llevar.

Lo cual nos lleva al segundo punto alto de la secuela: el asumirse como un producto sin pretensiones. Estamos ante una película que no se toma en serio, una que si bien posee aventuras, enredos y giros que bien podría haber salido de las sagas de James Bond o Jason Bourne, prefiere burlarse de las convenciones con personajes que a cada golpe dado o recibido lanzan un gag o un one-liner, un filme que se burla de sus personajes luego de cada choque o frenada en seco, que logra que la tensión se combine con la suficiente dosis de relajo. Se prefiere rehuir de situaciones evidentemente melodramáticas, como la de la esposa negándose a que el marido se vaya en una misión evidentemente peligrosa, o la mujer que debe dejar al hombre luego de que la ex-novia regresa a casa.

Tan poco serio es todo que, si bien no hablamos de buenos y malos, sino de antihéroes y villanos, estamos ante un grupo humano que está detrás de este cartón que les diga que son “buenos”, del poder regresar al hogar que alguna vez abandonaron; la dicotomía que se enfrenta es simple y básica, los conflictos también lo son. Todo gira en torno al concepto de “familia” que los une.

Con esto llegamos al punto final que define esta secuela: la idea de familia. Luego de seis películas, es fácil que un grupo de actores esté curtido en sus respectivos personajes, funcionando todos en perfecta química. Lo difícil es que un director pueda controlar tamaño grupo humano, lo cual podría hacer que en el camino tengamos dos protagonistas, un villano que los enfrente, y muchos secundarios que aparecen solo de vez en cuando en pantalla. Ese no es el caso de “Rápidos y Furiosos 6″. Si bien sabemos que esta es la saga de Vin Diesel, podemos contar los minutos en pantalla de Paul Walker, Tyrese Gibson, Dwayne Johnson, Michelle Rodriguez, Gal Gadot o Ludacris y veremos que las dos horas y 10 minutos que dura esta secuela han sido divididas equitativamente entre todos. De esta manera cada uno logra hacer derroche de su respectiva personalidad, de su propio modus operandis, de su personal sentido del humor.

No importa si se trata de alguien de las primeras películas o recién unido al reparto (como es el caso de Gina Carano o el villano Luke Evans), si es hombre o mujer (interesante leer el artículo de /Film en el que hablan de los personajes femeninos como relleno en “Star Trek Into Darkness”, frente a las femmes fatale aguerrida y llenas de personalidad en “Rápidos y Furiosos 6″), cada personaje es una pieza importante. Justin Lin logra de manera brillante que durante los momentos de acción sucedan múltiples cosas en paralelo, avanzando desde distintas perspectivas, sin perdernos o confundirnos. Al punto de que, en paralelo, nos involucramos con cada personaje, sufrimos cuando ciertas piezas caen en el camino, respiramos aliviados cuando vemos que el caos ha sido resuelto.

“Rápidos y Furiosos 6″ demuestra que, a pesar de tantas secuelas, la saga recién está encontrándose a sí misma y está más viva que nunca. Pero esta vitalidad no nace únicamente de la acción y los autos, sino sobretodo de un grupo humano al que hemos llegado a querer, uno que nos importa. Una familia sobre ruedas que con cada nueva película avanza más fuerte, más rápido y más furioso. Que vengan más.

Todo en “El Gran Gatsby” quiere ser excesivo. Desde la fotografía, el arte, los efectos visuales que plantean un mundo artificioso, mágico, absurdo, los diálogos hiper solemnes, la música anacrónica y hasta contradictoria, las performances histriónicas, con un tufillo clásico y algo de teatro. Estamos hablando de los gloriosos años 20s en los EEUU, vamos, el mundo se veía así, en un panorama post-guerra tan ostentoso, vibrante y alborotado que solo pretendía ocultar una realidad inestable y hasta depresiva. Es de este contexto que nace un personaje tan ambiguo, complejo y misterioso como Jay Gatsby, de la pluma de un Fitzgerald que en plenos 20s (la novela fue publicada por primera vez en 1925) ya olía las contradicciones del “sueño americano”, el abismo inminente y encaletado, en uno de los más importantes clásicos de la literatura norteamericana.

Claro que no esperen ver al Gatsby que imaginaban leyendo la novela, ya que se trata de una adaptación libre, un Fitzgerald para dummies como la llaman sus más férreos detractores y más bien amantes del estilo reflexivo del escritor. Este es Gatsby desde los ojos del australiano Baz Luhrmann y de allí el exceso mencionado en el primer párrafo. “Romeo + Julieta” y “Moulin Rouge!” ya le habían creado un sello autoral barroco y trágico, películas en las que el amor estaba imposibilitado en circunstancias en las que todo se caía a pedazos dramáticamente y de forma casi literal, en las que la exuberancia se malgastaba mientras los amantes luchaban solo por estar juntos.

Hay algo bueno y malo en la decisión de Luhrmann de convertir esta historia clásica en un pastiche videoclipero que intenta demasiado repetir “Moulin Rouge!”, una película que personalmente adoro. Lo bueno es que el exceso es algo que sólo Luhrmann puede manejar: la edición frenética, sin chance de continuidad, con quiebres en el tiempo y el espacio. Se trata de un estilo tan hipnótico como enervante que le funciona muy bien y sorprende por lo coherente que puede ser a pesar de la transgresión. En manos de cualquier otro director, esto hubiera sido un mamarracho sin sentido alguno, sin estilo y sin gusto. En sus manos nos cautiva, nos cuestiona acerca de las apariencias, de las mismas imágenes y qué es lo que realmente se esconde detrás de ellas. En el fondo, toda la película es sobre eso, sobre la forma por encima del contenido, sobre cómo el ‘pretender’ oculta carencias, las disfraza.

El problema de la película es que esta forma le pesa demasiado. Y si bien en papel y gracias a las citas al pie de la letra de la misma novela, el contenido debería ser rico y tan ambiguo como el misterioso Gatsby, en realidad parece que el director está más concentrado en cómo quiere que se vea y suene todo, que en encontrarle un corazón palpitante. Mientras es necesario que inicialmente cada personaje se presente como un maniquí en vitrina, al avanzar en la historia se debería desnudar un alma desprotegida. En “Moulin Rouge!” y “Romeo + Julieta” se logra esta evolución en los personajes principales, pero en “El Gran Gatsby” este avance se siente interrumpido e inestable. Hasta incoherente en algunos casos.

Lo mejor de la película por ello recae en dos nombres: Leonardo Di Caprio y Carey Mulligan. El primero se muestra más maduro que nunca, generando subtextos e hilvanando una historia personal que no necesariamente se muestra en pantalla, pero que el espectador intuye en cada uno de sus gestos, miradas y reacciones, sin necesidad de palabras. El trabajo de Mulligan es más difícil aún, puesto que ella toma las decisiones más ambiguas hacia el final de la historia: sólo una actriz curtida como ella pudo crear un objeto del deseo tan ambivalente, frágil y descarado. Mención aparte para Elizabeth Debicki y Tobey Maguire. La primera, una australiana que está dando sus primeros pasos en la pantalla grande y promete hartas sorpresas actorales a futuro. El segundo, un actor que se queda en el papel y el texto, al que el peso de ser el eje sobre el cual se mueven todas las fichas de la historia le resulta demasiado.

“El Gran Gatsby“ termina siendo una experiencia tanto atractiva como decepcionante. Una experiencia que nos hipnotiza, para luego devolvernos bruscamente a la realidad, sin entender exactamente qué debíamos sacar en el proceso. Es como uno de los mejores tonos de nuestras vidas, con su devaneo de medianoche, con sombras sonriéndonos por todos lados, extasiados en medio del meneo, aquellos en los que terminamos embriagados hasta caer inconscientes al piso. Una fiesta que nos deja una resaca tremenda al terminarse, una que nos hace arrepentirnos y decir que no lo volveríamos a hacer. Que no la volveríamos a ver.

De película de terror de culto presentada en el Festival de Cannes de 1982, al mainstream de masiva campaña de marketing y estreno a puertas del “verano americano”. Del gore serie B de bajísimo presupuesto, a la producción de 17 millones de dólares (sin contar gastos publicitarios, que deben haber sido muchos más). Ese es el resultado de volver a llevar “Evil Dead” a la pantalla gigante, de nuevo con Sam Raimi conduciendo el proyecto, pero ahora desde la silla del productor, con el uruguayo Fede Alvarez dirigiendo.

Los amantes de la película original se darán cuenta que la premisa básica del grupo de adolescentes que debe encarar los peores horrores luego de invocar a un demonio, ya no es del todo básica, ahora se nos dan explicaciones y se profundiza en la relación de los personajes, sus motivos y conflictos personales. Hemos pasado del horror barato y descuidado, de las vísceras expuestas y la sangre a borbotones sin un pelo de seriedad en su discurso, al filme de nivel de producción de estudio, en el que la risa y el asco es reemplazado por el suspenso, la incertidumbre y una pizca (enana, tranquilos) de reflexión. Estamos ante una película de género ahora, mucho más convencional que la original, a la que entonces no le importaba trasgredir.

Claro que si bien estamos ante una propuesta más formal, si se le quiere llamar así, esto no es malo precisamente, y tampoco es que desaparezca del todo el espíritu bufonesco original. Alvarez hace que se materialice la risa incómoda como respuesta impotente de un espectador no aguanta la violencia extrema mostrada en la pantalla. Esta “risa” se nos presenta como la única posibilidad para liberar tensión ante una película que se nos lanza agresivamente contra la cara, sin parar jamás.

Justamente el gran logro de esta película es sostener siempre la sensación de clímax, empezando bien con un “mundo ordinario” en el que conocemos a estos adolescentes en pleno intervention, pero luego no deteniéndose en ningún momento con el derroche de perversidad, sorprendiendo a cada esquina con giros insospechados, posesiones alternativas, gags bien posicionados e incluso algunos quiebres que sorprenderán hasta a los fanáticos de la película original.

La fotografía y el trabajo de sonido están manejados a la perfección con el fin de incomodarnos. Una cámara que flota cual poseída entre los elementos del encuadre y avanza como desquiciada olfateando el horror a la distancia. Un sonido que matiza sus registros, que nos obliga a acercarnos con cada susurro, crujido y paso apenas perceptible, para luego hundirnos en nuestros asientos con cada grito que rompe el silencio.

Hay un problema serio hacia el tercer acto: al intentar justamente reacomodar las piezas de la película original para ser coherentes con el nuevo planteamiento de la historia (algo que, recordarán, casi ni existe en la versión de Raimi), se desacelera en el frenetismo del horror. No es algo muy trágico tampoco, pero sí se siente que el final está más “pensado” que todo lo que se vio antes.

“Posesión Infernal” es uno de los más impactantes pases de vuelta que haya visto en el cine en algún tiempo, aunque no necesariamente la mejor película de terror (creo que de los últimos años, ese título lo posee “Siniestro”) ya que el miedo es más superficial que psicológico. Estamos ante una montaña rusa de imágenes tanto terroríficas como desopilantes. Es el mismo experimento de culto que llevó a la fama a Raimi, al menos en circuitos alternativos, pero poseído por el mainstream más perspicaz.

No es que J.J. Abrams tenga que probarle algo a alguien a estas alturas de su carrera, pero con cada filme suyo sigue reivindicándose como el maestro de la aventura y la ciencia ficción comercial. A muchos les sorprende que un no-fan de la saga de “Star Trek” pueda hacer maravillas sin dañar la mitología original, pero creo que justamente su status de no-fan lo hace perfecto para la labor de adaptar una saga anclada a un formato ya no vigente y llevarla al terreno de lo que el mainstream contemporáneo requiere.

Recuerdo de niño alguna vez haber visto con mi padre la serie televisiva y aburrirme con los extensos y reflexivos diálogos, la mitología intrincada, las escenografías de cartón y los trajes multi-colores. Abrams nos entiende, a mi y a todos los que alguna vez bostezamos con Kirk o Spock, y sin ningún temor hace suya (y nuestra) la saga, sus personajes y su universo. Ya en la primera parte le dijo a los fanáticos que todo lo que ellos amaron de la saga original estaba allí, a salvo, en una dimensión paralela que Leonard Nimoy resguardaba; con esta secuela podemos avanzar más en esta ‘nueva’ mitología, releyendo pasajes y personajes (villanos) clásicos de la historia original.

Si hay algo que Abrams ama más que la ciencia ficción, los efectos visuales y los enredos (y aceptémoslo, huecos) en la trama, es a sus personajes. Es un director que desde su consolidación en la televisión en series como “Alias”, “Lost” o “Fringe” se preocupa por cada uno de los seres que pueblan los universos de sus historias, y si bien la espectacularidad y el show son algo que maneja con soltura y extrema prolijidad, será que tal vez este flanco más fantasioso y épico es sólo una excusa para hablarnos de grupos humanos, de sus relaciones y cómo estas evolucionan.

Y cada personaje está en un proceso evolutivo particular, que avanza como pieza de rompecabeza que engrana uno perfectamente con  el otro para armar el panorama completo. Kirk (Chris Pine) sigue en busca de la madurez emocional, enredado en dilemas morales y éticos de lo que significa liderazgo, lo que significa proteger a una tripulación. Spock (Zachary Quinto) sigue en su lucha interna por humanizarse, entendiendo el valor de la amistad y el amor, debatiendo en la ambigüedad de trasgredir las reglas establecidas para defender un bien superior, además de saborear por primera vez la venganza. Carol (Alice Eve), nuevo personaje de la secuela, se debate entre obedecer a su padre y superior en comando o indagar en algo que sabe huele mal en su campaña bélica. El misterioso John Harrison (Benedict Cumberbatch), villano de cabecera en esta oportunidad, muestra susceptibilidad por su tripulación bajo amenaza, una que pretende defender a cualquier precio.

El gran tema de esta secuela es justamente el del liderazgo y el manejo de una tripulación, el de la toma decisiones justificando medios y fines, el cuestionamiento del orden establecido debido a la imperfección política de los sistemas. Kirk y John Harrison se parecen más de lo que el primero quisiera, en esa irreverencia a la hora de defender a los suyos, ambos capaces de dar su propia vida por ellos, aunque en dimensiones morales opuestas. Son justamente estos dilemas humanos, más que los temas bélicos o las convenciones de la ciencia ficción, los que densifican el conflicto de la historia de esta secuela, los que elevan lo que está en juego, los que intensifican y dramatizan aquel choque final que no sucede en el espacio, sino en el lugar más humano para nosotros: la misma Tierra.

Algo que apuntar en la calidad de dirección actoral de J.J. Abrams es esa capacidad de hacer hablar sin hacerlo, de jugar con la puesta en escena, con la sutileza de los gestos de sus actores, con simples miradas y el juego de términos para plantearnos lo que cada uno piensa o siente en determinados momentos. Por otro lado, me rehúso a aceptar el 3D a pesar de ser una película que fue filmada para ser proyectada de esta manera: siento que Abrams, a pesar de algunos disfuerzos con el tema de los flares que invaden cada momento, tiene extremo cuidado a la hora de estilizar sus encuadres, pone atención a cada brillo, a cada flare colorido que nos quema la retina. Siento que este juego de luces pierde algo de sentido cuando el 3D intenta dimensionarlo.

“En la Oscuridad Star Trek“ no es mejor que la primera parte, pero sí es igual de buena. J.J. Abrams le habla principalmente a los no-fanáticos de la saga y les dice que hará hasta lo imposible para hacerlos amar a estos personajes que antes no entendían. Tanto, que se mete en sus cerebros y juega con sus emociones desde adentro, en sus dilemas, en sus arrepentimientos y regocijos. El genio de J.J. Abrams está justo en eso, en la manipulación de sus grupos humanos. Él es el gran titiritero de la aventura y la ciencia ficción.

http://www.youtube.com/watch?v=eruwOiHoTTo

Paul Greengrass no es el director que inició la saga de películas de Bourne, pero es sin lugar a dudas quien definió el estilo de la franquicia. Y con “Supremacía” y “Ultimatum” de paso aprovechó para definir su firma personal, su sello de autor. Greengrass en un director que se regocija en la tensión, hace que cada decisión mínima colabore a que esta se materialice, cada vez más espesa y enervante. Con “United 93″ nos asfixió con el inminente choque de un avión tomado por terroristas, mientras que con “The Green Zone” se metió a un terreno más político, aunque igual de visceral. Con “Captain Phillips” regresa a la tensión pura, basada en hechos reales, con la historia de un barco de carga que es tomado por unos piratas somalíes. Tom Hanks apunta al Óscar con esta.

“August: Osage County”, de John Wells

http://www.youtube.com/watch?v=9Hd_uO72h1s

¿Recuerdan aquella obra del 2010 en el Teatro La Plaza, protagonizada por Claudia Dammert, Norma Martínez y Javier Valdez? Les hablo de “Agosto: Condado Osage”, de Tracy Letts, una oscura y acidísima mirada a la familia y al relevo filial. Esta multi-premiada obra de teatro norteamericana, una que le valió el premio Pulitzer a su autor, será llevada al cine este año. El director es un casi desconocido, pero lo que aquí nos emociona es el reparto: una Meryl Streep que apunta a su décimo octava nominación al Óscar, una Julia Roberts que quiere su segunda estatuilla, Juliette Lewis, Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Abigail Breslin, Chris Cooper y Sam Shepard. Lástima que este trailer la pinte como una happy indie film muy al estilo “Little Miss Sunshine”, cuando es en realidad un texto áspero, agresivo y sin pizca de reconciliación. Esperemos que la película sea así.

Gravity, de Alfonso Cuarón

http://www.youtube.com/watch?v=xgGPTa7-vlE

Este es un adelanto que venimos esperando por casi cuatro años, ya que es un proyecto que la ha tenido difícil. A pesar de que Alfonso Cuarón ya había demostrado su valía en la industria con “Harry Potter and the Prisoner of Azkaban” y “Children of Men”, a los estudios les asustaba este guión que co-escribió con su hijo Jonas porque todo sucede en el espacio y solo cuenta con una pareja de actores en el reparto. Incluso luego de que Warner Bros aprobara el proyecto, el tema de elegir a los actores fue todo un dilema. Angelina Jolie, Marion Cotillard, Scarlett Johansson, Blake Lively y Natalie Portman fueron barajadas para el papel femenino antes de que Sandra Bullock fuera elegida. Robert Downey Jr. iba a interpretar la contraparte masculina, para que luego George Clooney tuviera que reemplazarlo por problemas en su agenda. Por fin podemos ver las primeras imágenes de esta historia de dos austronautas que se quedan varados en el espacio luego de que su nave espacial se destruyera con ellos afuera. Grande Cuarón, todo se ve espectacular.

Colombia es uno de los países latinoamericanos que ha vivido uno de los mayores crecimientos en realización cinematográfica de la región, tanto en cantidad de películas como en nuevas voces, estilos y temáticas. Desde que se promulgara la Ley de Cine del 2003, el país estrena ahora un aproximado de 15 películas al año (cifra que sin significar una “industria”, desde aquí envidiamos), con cintas que triunfan en festivales importantes del mundo, pero también otras que cautivan al público y logran destacable taquilla en el país. Es en este marco de crecimiento que celebramos que UVK Multicines aproveche su Sala Cine Arte para entregarnos una semana llena de cine colombiano, con propuestas en ficción y documental, en género y cine de autor, una selección de siete películas de los últimos tres años que ningún cinéfilo puede perderse. Aquí se las presentamos.

Mamá Tómate la Sopa

Director: Mario Ribero Ferreira
Género: Comedia Negra
Duración: 96 minutos

Horarios:
Domingo 12 de mayo, 6:00 pm.

Sinopsis:

Vicente Vaca es un cuarentón a punto de quedarse calvo que aún vive con Berta, su madre. Además de soñar con negocios irrealizables, trabaja para ella haciendo los mandados de la casa. Durante toda su vida él no se ha preocupado por salir de la comodidad ni del sometimiento: hasta que conoce a Cristina, la nueva peluquera del barrio, quien le ofrece uno de sus tratamientos contra la calvicie.

http://www.youtube.com/watch?v=JYvh8X0uwV8

180 Segundos

Director: Alexander Giraldo
Género: Acción
Duración: 90 minutos

Horario:
Sábado 11 de mayo, 6:00 pm.
Lunes 13 de mayo, 8:40 pm.
Miércoles 15 de mayo, 6:00 pm.

Sinopsis:

Zico es el jefe de la banda de ladrones más respetada de la ciudad: sus robos son perfectos, sin heridos, ni balas, no dejan rastro alguno. Con el último trabajo, él y su hermana Angélica esperan irse del país e iniciar una nueva vida. Para ello Zico planifica un robo que debe suceder en tres minutos exactos. Sin embargo Zico no cuenta con que una unidad especial de la policía los ha ubicado. La vida de Zico, su hermana y nueve personas más se cruzarán en 180 segundos que mostrarán seres humanos corrientes, que ríen y hacen reír, que aman y quieren amar, que roban y no quieren morir.

http://www.youtube.com/watch?v=EKRBpG1501A

Totó

Director: Hector Francisco Córdoba
Género: Documental
Duración: 80 minutos

Horarios:
Sábado 11 de mayo, 4:00 pm.
Lunes 13 de mayo, 4:00 pm.
Miércoles 15 de mayo, 4:00 pm.

Sinopsis:

Este es el registro de un viaje por el Caribe colombiano, por su gente, sus paisajes, sus tradiciones y su música; un recorrido que nos permite comprender los cantos de sus mujeres y el retumbar de las tamboras al ritmo de Totó, La Momposina, icono de la cultura y de la música colombiana. Con ella y su lenguaje casi poético conoceremos la cultura del país y sus tradiciones, un descubrimiento que culminará con un concierto realizado en la ciudad de Bogotá, donde se reunirán los más importantes exponentes de la música tradicional del Caribe.

http://www.youtube.com/watch?v=_NZifZLDZLA

La Lectora

Director: Riccardo Gabrielli
Género: Suspenso y acción
Duración: 96 minutos

Horarios:
Sábado 11 de mayo, 8:10 pm.
Martes 15 de mayo, 8:40 pm.

Sinopsis:

Un misterioso maletín está desaparecido y más de uno haría cualquier cosa por encontrarlo. Las pistas para llegar a él están descritas en un texto en alemán, cuyos dueños son incapaces de descifrar. Este par de hermanos obligará a una universitaria a traducirlo. “La Lectora” revelará la historia de Karen y Cachorro, la pareja que todo el mundo busca. Ellos son los únicos que conocen su secreto. Pero nada es como parece.

http://www.youtube.com/watch?v=PL2-XwDKW3Q

Chocó

Director: Jhonny Hendrix
Género: Drama
Duración: 80 minutos

Horarios:
Domingo 12 de mayo, 4:00 pm.

Sinopsis:

Chocó es una mujer negra de 27 años, que lleva a cuestas una familia de dos hijos menores y a Everlides, su esposo músico que sólo sabe tocar marimba, beber viche y jugar dominó. En la mañana trabaja buscando oro en el río San Juan y en las tardes lava ropa de otras familias para alimentar y educar a sus hijos. Es el cumpleaños de la pequeña Candelaria, y por primera vez, Chocó le promete una torta. Sin embargo, las cosas se complican al tratar de cumplir esta promesa, desencadenando consecuencias inesperadas para Chocó y toda su familia.

http://www.youtube.com/watch?v=5XywlW0elec

San Andresito

Director: Alessandro Angulo Brandestini
Género: Comedia / Acción
Duración: 90 minutos

Horarios:
Martes 14 de mayo, 6:30 pm.
Miércoles 15: 8:10 pm.

Sinopsis:

En San Andresito es un renombrado sector de comercio en Bogotá, donde se encuentra cualquier cosa. Todo lo que busque está disponible. De esto podrá dar fe Wilson Tenorio, un espontáneo agente de policía que anhela un ascenso en su institución, pero no está dispuesto a mover un dedo para lograrlo. Cuando se ve falsamente enredado en el asesinato de Tatiana, una muchacha de San Andresito cuyo cadáver aparece en la camioneta oficial que conduce, el vanidoso e inútil agente deberá por primera vez en su vida poner en práctica lo supuestamente aprendido en su instrucción policial.

http://www.youtube.com/watch?v=dhFgTBaYOtg

Lo Azul del Cielo

Director: Juan Uribe
Género: Drama
Duración: 112 minutos

Horarios:
Domingo 12 de mayo, 8:20 pm.
Lunes 13 de mayo, 6:00 pm.
Martes 14 de mayo, 4:00 pm.

Sinopsis:

Camilo es un joven de 23 años de clase media de Medellín. Después de regresar del servicio militar y sin un claro porvenir en la vida, se ve presionado por su familia para que estudie o trabaje. Dedica la mayoría de su tiempo a jugar fútbol, y es allí donde conoce a Berri, el director técnico del equipo, quien le ofrece a Camilo la oportunidad de un trabajo que representa para él un reto moral y que lo obliga a vivir al margen de la ley.

http://www.youtube.com/watch?v=I36W4pcyzDk

http://www.youtube.com/watch?v=WOqCN2XHCTI

Este jueves se estrena en Lima “Código Olimpo” (Olympus Has Fallen), película de Antoine Fuqua que nos cuenta la historia de un agente de seguridad que debe proteger a toda costa al Presidente de los EEUU de un ataque terrorista en la Casa Blanca. En septiembre se estrenará en nuestro país “White House Down”, de Roland Emmerich, película que nos cuenta… exactamente lo mismo. La diferencia: la primera parece ser un thriller de historia más compleja y política; la segunda promete ser una sobredosis de adrenalina en la que a cada lado que miremos habrá una explosión. Eso nos demuestra este nuevo adelanto. Channing Tatum y Jamie Foxx parecen estar pasándola de locos.

“Twenty Feet from Stardom”, de Morgan Neville

http://www.youtube.com/watch?v=tWyUJcA8Zfo

Cuando escuchan a sus bandas y artistas favoritos, ¿se han percatado de aquellas voces que integran el coro y que sirven de apoyo al artista de cabecera? ¿Se han preguntado quiénes son estos artistas? ¿Por qué permanecen sin rostro, nombre o reconocimiento a pesar de su vital participación en el proceso musical? En el último Festival de Sundance se presentó este documental que se hace estas preguntas y nos presenta a algunos de los principales back-up singers de la historia de la industria musical, las relaciones que mantuvieron con los artistas a los que apoyaron, sus anhelos y frustraciones al estar, literalmente, a “20 metros del estrellato”.

“Red 2″, de Dean Parisot

http://www.youtube.com/watch?v=ZfB8QwYBPxY

¿Es necesaria esta secuela? Es una pregunta de respuesta discutible, pero lo indiscutible es la emoción de volver a ver juntos en pantalla gigante a monstruos de la actuación como Bruce Willis, Anthony Hopkins, John Malkovich, Catherine Zeta-Jones y Mary-Louise Parker. Si esta secuela logra ser tan entretenida como la primera parte, habrá valido el costo de la entrada. Y a partir de lo que vemos en este nuevo adelanto, parece que el exceso en las performances, la sátira del género de espías, así como la mirada excéntrica de la vejez, están de regreso.

“Prince Avalanche”, de David Gordon Green

http://www.youtube.com/watch?v=KPwXvHjoRp4

David Gordon Green se hizo conocido a nivel internacional gracias a la desbocada comedia del 2008 de título “Pineapple Express”. Sin embargo, su carrera había comenzado bastante antes, pero se había movido por el circuito independiente, con filmes aplaudidos en Sundance y Toronto. Este año regresó a esa vena más independiente con “Prince Avalanche”, película protagonizada por Paul Rudd y Emile Hirsch, que le valió el Oso de Plata al Mejor Director en el último Festival de Berlín. Esta es la historia de dos hombres que reflexionarán sobre la vida y las mujeres que dejaron detrás, mientras pasan todo el verano de 1988 en labores de mantenimiento en la carretera.

“Violet & Daisy”, de Geoffrey Fletcher

http://www.youtube.com/watch?v=0zdQ_UL5vwg

Desde que se presentó en el Festival de Toronro en septiembre del 2011, esta película dio que hablar. Un filme violento, agresivo, controversial: la historia de dos adolescentes asesinas a sueldo que se cruzan con un objetivo que será particularmente difícil de matar. Saoirse Ronan y Alexis Bledel interpretan a las mencionadas femme fatales, en una película que marca el debut como director de Geoffrey Fletcher, quien ya había dado que hablar con el guión que escribió para “Precious”. Si el trailer no los emociona lo suficiente, miren este precioso poster. Tanto miedo le tenían al proyecto, que han tenido que pasar dos años para que consiga estreno comercial en los EEUU. Esperemos que esto signifique también que llegará al resto del mundo, incluyendo nuestro país.

“We all create our own demons” – Tony Stark, citado de alguien famoso de quien no recuerda el nombre.

¿Es “Iron Man 3″ la mejor de la trilogía? Lo es, y de lejos. Hablando como alguien que disfruta de ir al cine, alguien medio ignorante en la mitología de los comics (muchos hardcore fans han salido decepcionados del filme por ciertas licencias que se han tomado con algunos de sus personajes favoritos), creo incluso que es una mejor película que aquella hiper-taquillera “Los Vengadores”. “Iron Man” se desinflaba en su tercer acto, con una batalla final apresurada y estática. “Iron Man 2″ se excedía en el encuentro final, y en remontarnos al pasado de Tony Stark, repitiendo al villano de cabecera y aburriéndonos con giros narrativos predecibles. “Iron Man 3″ cumple al sorprendernos con una situación de conflicto compleja y diversa, además de ofrecer acción bien pensada a lo largo de sus dos horas y 10 minutos de duración, que por cierto ni se sienten.

Nos encontramos con un Tony Stark con secuelas de lo sucedido en Nueva York en “Los Vengadores”, refugiándose obsesivamente en la creación armaduras, volviéndose un ser hermético hasta con su núcleo más íntimo. Es este encierro el que lo llevará a re-pensar su razón de ser, lo minúsculo que es al costado de la inmensidad del universo que vislumbró en el agujero que casi le quita la vida. Esta insignificancia le genera ansiedad, molesta el gigantesco ego que estaba acostumbrado a cargar. Estamos ante una reflexión existencial; pero como se trata de Tony Stark, lo reflexivo se disfraza en trajes de hierro coloridos, sarcasmo filudo, trajes, autos, peluches gigantes y explosiones. Estas últimas cortesía del villano principal de esta entrega, El Mandarín, un terrorista que alecciona a la sociedad norteamericana por su engañosa  prepotencia, por su manera de siempre influir en el imaginario mundial, de apropiarse de lo ajeno. Un Tony Stark enajenado debe recuperar la cordura para hacer frente a esta amenaza.

Lo mejor de “Iron Man 3″ está en su guión, elaborado cuidadosamente por Drew Pearce y Shane Black. Y no es que estemos ante una lección de estructura, o ante recovecos y giros complejos en la historia, ya que se trata de la fórmula simple del terrorista amedrentando a los EEUU con atentados sucesivos, in crescendo, hasta llegar a la amenaza más grande de todas: la de meterse con el Presidente de los Estados Unidos, claro está. La brillantez del texto no está en su estructura, sino en el parlamento. Leí en un review que “Shane Black es el Aaron Sorkin de las películas de superhéroes” y creo que es la manera más adecuada de describirlo. Los personajes lanzan dardos de texto, uno tras otro, sin tiempo para respirar, cada línea más agresiva que la anterior. Y esto incluye a un menor de edad que las recita. La complejidad del texto hace que un personaje pueda decir algo dramático y solemne, para luego desinflar la tensión con algo más irónico y absurdo. Y funciona perfectamente.

“Iron Man 3″ de esta manera se presenta como una meta-burla. Se burla de sí misma, de Tony Stark, de las películas de super-héroes contemporáneas. Pero se burla también de Norteamérica, del terrorismo, de los medios de comunicación. De la paranoia colectiva alimentada por los noticieros. De los prejuicios acerca del enemigo, de la idea errada que tenemos de paz. Tal vez se burla hasta del cine y los villanos que nos ha acostumbrado a temer.

Claro que la complejidad de lo que propone el guión, curiosamente de manera sencilla de digerir para cualquier espectador, sólo puede apoyarse en performances de lujo. Por fin vemos a Robert Downey Jr. sin armadura por mucho más tiempo, dándole la libertad de jugar con la excéntrica personalidad de su protagonista, tan precisa y bipolar a la vez. Gwyneth Paltrow deslumbra al conseguir más protagonismo del que se le había dado hasta ahora, luchando con el hombre que le ha tocado “criar”. Jon Favreau por fin manifiesta un Happy de mayor profundidad, un amigo leal, pero al que el peso de vivir bajo la sombra de su jefe le ha molestado un poco. Ben Kingsley configura un villano de antología, una interpretación que dividirá a los espectadores, pero que no dejará que dar que hablar. No habíamos visto a Guy Pearce tan bien en mucho tiempo, un villano que pareciera inspirado en Síndrome de “Los Increíbles”, pero cuya necesidad de reconocimiento sobrepasa niveles saludables. Aunque la revelación de la película debe ser Ty Simpkins, de apenas 11 años, un chibolo que ya había sorprendido en “Insidious”, pero que aquí coge un papel secundario y le saca todo el jugo posible, incluso opacando por momentos la personalidad altisonante de Stark.

En resumen, “Iron Man 3″ es un filme que reivindica aquella concepción de entretenimiento palomitero clásico, de acción vistosa y one-liners que quedan en el recuerdo, sin obviar los conflictos más internos y sombríos que son necesarios para la concepción de los “antihéroes” de hoy en día: la película sabe matizar ambos flancos. En un momento de la película, Tony Stark asegura que su biografía se titularía “una bolsa de trucos baratos y un one-liner cursi”. La saga del héroe de hierro es justamente eso y no se jacta de serlo. Lo disfruta tanto que hace que nosotros disfrutemos con ella.

Si nos preguntásemos cuál es la mejor película de Martin Scorsese, nombraríamos de manera casi automática “Taxi Driver”, “Buenos muchachos”, “Casino”, y por supuesto, sin duda alguna “Toro salvaje”. Y es que esta película afianza a Scorsese como un maestro indiscutible. Podríamos decir que “Malas calles” lo hace aparecer en escena como un brillante y prometedor director, “Taxi Driver” lo lanza a la fama como un cineasta extraordinario, y “Toro salvaje” lo consolida como un artista consagrado.

Detrás de esta película, hay un Scorsese que ya había hecho suficientes películas y documentales como para pasar a la historia como uno de sus más importantes e interesantes directores. Pero detrás de esta película hay también un Scorsese adicto a la cocaína que estaba convencido de que esta sería su última obra. Y desde que “Toro salvaje” empieza, podemos percibir ese aire nostálgico, autobiográfico, triste y bello, que respira cada fotograma en blanco y negro de la película. Me atrevo a decir, por eso, que Jake LaMotta es una suerte de alter-ego del Scorsese de aquella etapa, quien se ve dando todas sus energías por pelear su última película como su última pelea.

Pero LaMotta no sería LaMotta si no fuese por Robert DeNiro, quien literalmente se da en cuerpo y alma (subió 27 kilos para la película) para interpretar a ese boxeador soberbio, paranoico y violento que en algún momento de su vida se vio en la cumbre de su carrera para luego caer en picada por sus propios vicios. La vida de LaMotta es la del hombre exitoso cuyos impulsos autodestructivos superan su talento, para terminar sepultándose así mismo. LaMotta es de los que pudo vencer a muchos rivales dentro del cuadrilátero, pero fuera de él nunca pudo vencer a nadie, ni siquiera a sí mismo. Mas quien sí venció fue Robert DeNiro cuando se llevó el Oscar en 1981, por acaso la mejor actuación de su carrera.

Ahora que la tenemos de nuevo en el cine en la Sala Cine Arte de UVK Larcomar, no podemos dejar de ver esta biografía triste como la ópera de Pietro Mascagni, cuyas notas acompañan grandes momentos de la película.  No podemos dejar de ver esta obra maestra con mayúsculas, de guión impecable, actuaciones notables (vale destacar a Joe Pesci, quien luego pasaría a colaborar frecuentemente con Scorsese), pero sobretodo de una puesta en escena apasionada. Como luego confesaría el propio Scorsese, una película donde puso todo lo que sabía, todo lo que sentía, como el fin de su carrera. Sí, una película pensada, escrita, rodada y editada como un mismo toro salvaje.