Director: Nicolas Winding Refn (Valhalla Rising)
Reparto:  Ryan Gosling, Christina Hendricks, Carey Mulligan, Oscar Isaac, Bryan Cranston y Albert Brooks
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 15 millones de dólares
Recaudación: 35 millones de dólares en EE.UU/ 41.1 millones de dólares a nivel mundial
Duración: 100 minutos / 1 hora y 40 minutos
Principales premios:
- Nominada a cuatro premios BAFTA, a Mejor Actriz de Reparto (Carey Mulligan), Mejor Edición, Mejor Director (Nicolas Winding Refn) y Mejor Película.
- Presentada en la Selección Oficial en competencia del Festival deCannes del 2011. Ganadora del trofeo al Mejor Director, para Nicolas Winding Refn.
- Nombrada una de las 10 mejores películas del 2011 por el National Board of Review.
- Ganadora del cuatro premios Satellite a Mejor Sonido (Edición y Mezcla), Mejor Director (Nicolas Winding Refn), Mejor Actor de Reparto (Albert Brooks) y Mejor Actor (Ryan Gosling)
- Albert Brooks ovacionado unánimemente como Actor de Reparto por diversos Círculos y Asociaciones de Críticos.
- Nominada a un premio de la Academia, Oscar, a Mejor Edición de Sonido.
- En total ha recibido 40 premios y otras 66 nominaciones.
Calificaciones importantes: 79/100 Metacritic – 92% Rotten Tomatoes – 8.0/10 IMDB

Sinopsis:
Esta es la historia de un especialista que ejerce como doble de acción en las películas de Hollywood. Es un hombre huraño y solitario por naturaleza que, además, esconde un oscuro secreto: acepta conducir los vehiculos de los principales mafiosos de Los Ángeles para ayudarles a escapar de la policía. Su último encargo consistía en proteger al marido de su hermosa vecina, Irene, y al hijo de ambos. Pero algo sale mal y ahora es él quien está en el punto de mira. La única vía de escape será poner las manos en el volante, pisar a fondo el acelerador y conducir.

http://www.youtube.com/watch?v=JnLkzXP7hzw

La Bella y La Bestia 3D (Beauty and the beast) 1991/2012

Director: Kirk Wise, Gary Trousdale
Con las voces de:  Paige O’Hara, Robby Benson, Richard White, jerry Orbach, David Ogden Stiers, Angela Lansbury, Bradley Pierce, Rex Everhart, Hal Smith
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 25 millones de dólares
Recaudación: 218.9 millones de dólares en EE.UU/ 206 millones de dólares a nivel mundial (desde 1991)
Duración: 84 minutos / 1 hora y 24 minutos
Principales premios:
- Ganadora de dos premios Oscar de la Academia, a Mejor Banda Sonora y Canción Original. En 1991 además se convirtió en la primera película animada en ser nominada al Oscar a Mejor Película.
- Ganadora del premio Annie a la Mejor Película Animada.
- Nominada a dos premios BAFTA, a Mejor Banda Sonora y Mejores Efectos Especiales.
- Ganadora de tres Globos de Oro, a Mejor Banda Sonora, Canción Original y Mejor Película Comedia/Musical.
- En total ganó 19 premios y acumuló 19 nominaciones adicionales.
Calificaciones importantes: 92% Rotten Tomatoes – 8.0/10 IMDB

Sinopsis:
Bella es una brillante y guapa joven que utiliza la lectura como válvula de escape de su rutinaria vida. Cuando su padre es apresado en un misterioso castillo, Bella acude en su búsqueda y se presta a ocupar su lugar. El castillo es propiedad de una atormentada Bestia que, como Bella comprobará con el tiempo, resulta ser un joven príncipe bajo los efectos de un hechizo. Sólo cuando conozca el amor, el príncipe podrá volver a su verdadero cuerpo. Poco a poco, y gracias a la ayuda de los sirvientes de la Bestia, que han sido convertidos en objetos domésticos, Bella irá descubriendo que la belleza se esconde en el interior.

http://www.youtube.com/watch?v=wGVuTqlNfLU

[REC] 3: El Origen ([REC] 3: Génesis) 2012

Director: Paco Plaza (REC, REC 2)
Reparto:  Leticia Dolera, Diego Martín, Ismael Martínez, Adrián Àlex Monner,Claire Baschet, Jana Soler y Emilio Mencheta
País de origen: España
Duración: 80 minutos / 1 hora y 20 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 6.4/10 IMDB

Sinopsis:
La película será una especie de precuela que explorará los orígenes del virus que convierte a los humanos en infectados, y que en parte se explica en ‘REC 2′. Leticia Dolera y Diego Martín serán los protagonistas dando vida a una joven pareja a los que una horda de zombies les fastidiarán el día de su boda.

http://www.youtube.com/watch?v=REmQ3gHFPro

Contrabando (Contraband) 2012

Director: Baltasar Kormákur (Inhale)
Reparto:  Mark Wahlberg, Kate Beckinsale, Robert Wahlberg, Caleb Landry Jones, Jason Mitchell, Paul LeBlanc, Ben Foster y Lukas Haas
País de origen: EE.UU/ Reino Unido/ Francia
Presupuesto: 25 millones de dólares
Recaudación: 66.5 millones de dólares en EE.UU/ 28.6 millones de dólares a nivel mundial
Duración: 109 minutos / 1 horas y 39 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 51/100 Metacritic – 51% Rotten Tomatoes – 6.5/10 IMDB

Sinopsis:
Chris Faraday dejó hace ya un tiempo su actividad delictiva, pero un error cometido por su cuñado en un asunto de drogas le obliga a volver a meterse en el contrabandismo para pagar su deuda y librarme de mayores problemas.Una última operación en Panamá podría poner en peligro toda su vida.

http://www.youtube.com/watch?v=UAJMZozzvVs

Cuando te Encuentre (The Lucky One) 2012

Director: Scott Hicks (The Boys Are Back, No Reservations)
Reparto:  Zac Efron, Taylor Schilling, Blythe Danner, Jay R. Ferguson, Riley Thomas Stewart y Joe Chrest
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 25 millones de dólares
Recaudación: 54.8 millones de dólares en EE.UU / 22.8 millones de dólares a nivel mundial
Duración: 101 minutos / 1 horas y 41 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 39/100 Metacritic – 20% Rotten Tomatoes – 5.8/10 IMDB

Sinopsis:
El Sargento de Marina estadounidense Logan Thibault regresa de su tercera misión en Irak, con el único objetivo que él cree lo ha mantenido con vida—la foto de una mujer que ni siquiera conoce. Al enterarse de que su nombre es Beth y de dónde vive, Logan aparece en su casa y termina trabajando en la residencia canina de su familia. Pese a su desconfianza del principio y a las complicaciones en su vida, el romance surge entre ellos dándole a Logan la esperanza de que Beth pueda ser mucho más que su amuleto de la buena suerte.

http://www.youtube.com/watch?v=H4eUGuZRc0I

Han pasado cerca de quince años desde la aparición en el cine de Blade, lo cual significó que Marvel Comics empezara a tomarse en serio el hecho de producir anualmente adaptaciones a la pantalla grande de sus historietas. De esta forma, una seguidilla de superhéroes empezó a desfilar por las salas para deleite de los fans, trayendo consigo éxitos, fracasos, reboots, spin-offs y demás, cumpliendo ante todo con su condición de blockbusters. Este 2012 podría decirse que, finalmente, la compañía fundada por Martin Goodman en 1939 ha consolidado el hallazgo de una fórmula que, durante estos últimos años, empezó a llamar la atención de la audiencia con éxito. Su nombre: The Avengers.

Dirigida por Joss Whedon, conocido por su labor como guionista (Toy Story, Titan A.E., X-Men, etc.) y creador de la popular serie Buffy, la Cazavampiros, el filme cumple principalmente con reunir a un equipo de superhéroes con distintas habilidades bajo la tutela de Nick Fury (Samuel L. Jackson) para evitar que la Tierra sea dominada por el villano Loki (Tom Hiddleston) y un ejército alienígena. De esta forma, Iron Man (Robert Downey Jr.), el Capitán América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Hulk (Mark Ruffalo), Hawkeye (Jeremy Renner) y Black Widow (Scarlett Johansson) unen fuerzas, formando una alianza que tiene como principal objetivo, como es usual, salvar al mundo antes del fin del día.

Intentando empezar a revisar la película, quizás sea interesante trazar algunas anotaciones sobre el reparto. Era sabido con cada escena post-créditos que plantaba Marvel en sus películas que esto llegaría y es bueno que varios de los actores repitan sus roles, con el añadido esta vez de Mark Ruffalo, quien interpreta al reservado Dr. Bruce Banner y su álter ego Hulk luego de que Eric Bana y Edward Norton lo hicieran anteriormente, siendo inclusive más aplaudido que estos por la crítica.

Es interesante la línea que se traza para cada hombre detrás del traje, de la máscara y la definición de “súper hombres” que Fury hace además de llamarlos “soldados”. Y es que ante una amenaza que no pertenece a este mundo, cada perspectiva que representan los perfiles, los egos y confrontaciones, reubicaciones e interpretación del espacio juegan un papel determinado en el desenvolvimiento de las acciones. Cada quien tiene un afán propio al cual aferrarse y el cual deberá mirar en retrospectiva en algún momento para cuestionarse: Tony Stark a su propia leyenda, Steve Rogers a la defensa de la patria y el territorio, Thor a un juramento, Banner al deber científico que le es encomendado y los agentes Romanoff y Barton a una suerte de deuda interpersonal que trasciende el deber. Los Vengadores, en su mayoría, son personas de carne y hueso también, que sufren, viven y tienen una historia, una fábula que forma ese punto de partida que se muestra en la pantalla, sea donde sea que el espectador recordara haberse quedado situado.

A partir de entonces, Whedon sabe manejar bien el trabajo que otros directores hicieron con cada personaje, logra hacerlos convivir e interactuar para ubicarlos dentro del espacio que puede corresponderles de acuerdo a sus posibilidades. Con un inicio que plantea el conflicto sin rodeos, las secuencias están cargadas de acción y un gran trabajo de efectos especiales que no dan cabida a admirar únicamente a uno de tantos héroes. Ello, balanceado con situaciones cómicas bien ubicadas dentro de la línea narrativa, construye una cinta balanceada, nutrida de cámaras al hombro, ángulos picados y contrapicados que invocan vértigo o la contemplación del espacio aéreo en que se puede notar que la batalla no es algo únicamente terrenal. La construcción de espacios o la implementación de herramientas tecnológicas aluden también a la admiración o la cuota aspiracional que cada espectador podría encontrar.

Asimismo, es llamativa la temática post 9/11 a la que se le podría asociar a The Avengers. Manhattan se vuelve una vez más escenario de conflicto y zona de desastre con la invasión de estos seres extraños, foráneos, liderados por una personalidad que quiere tan sólo confundir, sembrar caos y subyugar a los hombres a una condición que, a su parecer, les es inherente: obedecer  y permanecer de rodillas. La puesta en escena de los grandes poderes mundiales así como la implementación de una amenaza nuclear reviven hasta cierto punto viejos fantasmas que se mantienen vigentes en el cine americano, inclusive quizás a merced de un discurso nuevamente nacionalista, pero que se mantiene a raya con los cómics. De esta forma, el filme sirve como una demostración más del speech patriótico adornado de rayas y estrellas, pero sin perder de vista la propuesta de uniformizar las presencias que debe manejar, sobre todo en secuencias de gran trabajo y que prescinden de lo que otros han podido necesitar como historias de amor accesorias o lineamientos cursis.

The Avengers está destinada a ser un nuevo punto de partida para las películas de superhéroes, sin imitar necesariamente otros trabajos en la misma línea. No se expande hacia un mayor drama, ni cae en el burdo entretenimiento. Por ello, traza una narrativa de desafío, de soldados que deben pelear las batallas de otros a costa de reconocer sus propias limitaciones o poderes.

Era fácil prever tamaño éxito de una película como Los Vengadores, sobretodo por tan distendida campaña publicitaria desde el 2008, con cada película y ‘easter egg’ desde Iron Man hasta Capitán América (estrenada el año pasado) sirviendo como recordatorio de la gran reunión de superhéroes de Marvel que llegaría este año. Cada película apuntaba a un demográfico particular, más allá de los hardcore fans los comics, y el marketing ya exclusivo de la película de los últimos meses hacía énfasis en eso, en que todos estaban aquí (el famoso ‘head count’ de Tony Stark), más que especificar detalles de la trama o mayores complicaciones.

Es justamente esta manera de acercarse al público la que ha resultado en tamaño éxito. Marvel apostó todas sus fichas en un mega-proyecto, sabiendo que más allá de que estas por separado resultaran o no (The Incredible Hulk hizo perder dinero al estudio, Capitán América no tuvo la resonancia que se buscaba afuera de los EEUU), tanto comercialmente como en crítica, eran simples preámbulos de un escenario mayor. Es por eso que Marvel se tomaría con cuidado las decisiones para la reunión Vengadora, eligiendo cuidadosamente a su director y guionista, además de su reparto (gran parte de la buena recepción del filme viene de un acertado casting del nuevo Hulk, Mark Ruffalo).

Si Los Vengadores resultaba siendo una mala película, algo temido gracias al simplón esfuerzo publicitario de los últimos meses, de trailers anodinos que generaban escepticismo en un público harto del ‘mecha + mecha’, hubiera tenido un efecto efímero en su recaudación. La última pieza de esta receta de éxito: el aplauso unánime. La crítica le dio el visto bueno, y Marvel se hizo cargo que el mundo se enterara de aquello. Las dudas se disiparon, el boca a boca se esparció sin miramientos, primero a nivel internacional, luego domésticamente (jugada estratégica la de primero estrenarla mundialmente también, siendo este el principal mercado en el que la piratería afecta la taquilla, para luego lanzarla en EEUU con la adición de un easter egg exclusivo y trailers nuevos de Dark Knight Rises y Amazing Spiderman).

Es así que una publicidad masiva más básica que apuntaba al entretenimiento per se y el espectáculo consumado en la unión de universos Marvel, sumado a la aprobación de la crítica y la opinión pública, consiguió tanto el empujón inicial del primer fin de semana (de esperarse, por la expectativa), además de una estabilidad en recaudación en semanas consecuentes (por buen boca a boca, algo que una película mala no hubiera podido conseguir). The Hunger Games es un ejemplo parecido por su boom inicial y sostenimiento posterior; The Devil Inside es un ejemplo contrario, con su debut exitoso, y posterior desinfle. Yo dudaba del éxito de la película antes de que se estrenara, justamente porque no me resultaba atractiva por sus trailer; luego de verla he ido al cine dos veces por ella, en 3D ambas, lo cual ejemplifica la taquilla sostenida que mencionaba.

Es así que en sus casi 20 días en cartelera a nivel internacional, apenas nueve en EEUU, ha roto dos decenas de records de taquilla, se ha convertido en el mejor estreno (en recaudación de fin de semana) de la historia de EEUU, internacionalmente es la película de superhéroes más taquillera desde ya (la #16 del listado general), y en Latinoamérica lleva 147.7 millones de dólares recaudados, consagrándose como la película más taquillera de la historia en la zona, título que ostentaba Toy Story 3 con sus 140 millones de dólares.

En apenas 17 días ha superado la marca de los mil millones de dólares a nivel mundial, cifra apenas alcanzada por 12 películas en la historia. Solo dos han cruzado el umbral de los dos mil millones (Avatar y Titanic), y algunos especialistas auguran el cruce de esta película también. Aunque es muy prematuro saberlo, ya que Avatar tenía la ventaja de estrenarse a fines de año, sin mayor competencia durante diciembre, enero y febrero; mientras que Titanic llegó en 1997 en la misma época, beneficiándose del inicio del año, tanto como la casi inexistencia de la piratería en aquellos años (al menos una que no golpeaba tanto a los estrenos comerciales), además de un éxito que siguió hasta la entrega del Oscar en marzo. Los Vengadores sólo tiene tiempo para inflarse hasta julio, cuando The Dark Knight arrase con todo a su paso; aunque Hombres de Negro III, Snow White and the Huntsman, Prometheus, Madagascar 3 y Brave mellarán un poco su éxito en las próximas semanas.

¿Qué ha propiciado tamaño éxito, más allá de una publicidad de cuatro años (cada película sirvió de spot o adelanto) y la acertada elección de poner a Joss Whedon a la cabeza del proyecto? Primero: la temporada en la que ha sido estrenada. La inexistencia de estrenos fuertes antes (ya había pasado bastante tiempo del estreno de The Hunger Games) y después (Battleship huyó a tierras internacionales, y Dark Shadows se hundió en su excentricidad; los estrenos pesados están en julio -Dark Knight Rises-, noviembre -Breaking Dawn Part 2- y diciembre -The Hobbit-) hizo que sea el estreno con mayor cantidad de salas de proyección de la historia, sumando además salas 3D e IMAX que inflaron el precio de los boletos, justamente representando estas tecnologías el 52% de la recaudación total. El 60% de los asistentes eran hombres, y estos estaban divididos equitativamente entre mayores y menores de 25 años de edad, lo que demuestra que la película ha llevado a toda la familia al cine.

En nuestro país el fenómeno fue más grande de lo que se esperaba incluso. Apoyado en un fin de semana largo, con puente al Día del Trabajo, la sola visita al cine en esos días hacía evidente el record: sala tras sala llena, función tras función agotada, estrenos retrasados para no meterse en la racha (Bella y la Bestia se pasó para esta semana justamente para no quitarle funciones a Los Vengadores). Es así que en apenas dos semanas en cartelera, la película ha superado los 5.1 millones de dólares, con solo otras dos películas en la historia peruana consiguiendo el hito (Los Pitufos con 5.3 millones y Avatar con 5.2 millones), aunque ambas en toda su permanencia en cartelera, que fueron meses. Es fácil prever, sin competencia grande en cartelera hasta fin de mes, que al final de su carrera se coronará como la película más taquillera de la historia del Perú, superando los 6 o 7 millones de dólares, se presume.

¿Qué significa esto para Marvel y Disney? Disney, en primer lugar, puede respirar tranquilo, luego del bochornoso caso John Carter, que le hizo perder 200 millones de dólares a inicios de año (hoy Disney anunció incluso que está ofreciendo un precio reducido por ver ambas películas juntas en presentaciones especiales). Marvel, por otro lado, demuestra que a pesar de traspiés en el camino, no se dejará doblegar. Confirma los estrenos de Iron Man 3, Thor 2, Capitán América 2 y The Avengers 2. Pero antes de este último, planea lanzar dos nuevas franquicias de héroes de comic que aún no han tocado la pantalla grande, y las apuestas inmediatamente han empezado: las apuestas se inclinan por AntMan. Los ejecutivos de Marvel también están discutiendo la posibilidad de Hulk de volver al cine con película propia, luego de la unánime aceptación que ha recibido este tercer Bruce Banner a nivel mundial.

Este 2012 está presentándose lleno de sorpresas, con The Hunger Games convirtiéndose en un insospechado fenómeno mundial, y The Avengers rompiendo más records de lo que sus mismos productores esperaban. Ahora queda esperar y ver si los dos siguiente platos fuertes del año no decepcionan, con The Dark Knight Rises y The Hobbit: An Unexpected Journey esperando arrebatarle el trono a la Marvel.

Director: Peter Berg (Hancock)
Reparto:  Liam Neeson, Rihanna, Taylor Kitsch, Brooklyn Decker, Jesse Plemons, Alexander Skarsgård, John Bell
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 200 millones de dólares
Recaudación: Estreno Mundial
Duración: 131 minutos / 2 horas y 11 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 43/100 Metacritic – 48% Rotten Tomatoes – 6.4/10 IMDB

Sinopsis:
Battleship es una una épica aventura de acción que transcurre en el mar, el cielo y la tierra, y en la que nuestro planeta lucha por sobrevivir frente a una fuerza muy superior. Desarrollada en la actualidad, la película se concentra en contarno la historia del comandante de un destructor que forma parte de la flota de cinco barcos que tendrá que hacer frente a una raza alienígena, The Regents, similares a nosotros, aunque con tecnología bélica muy avanzada, que llega a la Tierra en busca de recursos, en pos del desarrollo de una fuente de energía auspiciada en los mares terráqueos. Los visitantes no dudarán en pelear con quien se interponga frente a sus intereses.

http://www.youtube.com/watch?v=F_7VNo5EUzw

Deseos Culpables (Shame) 2011

Director: Steve McQueen (Hunger)
Reparto: Michael Fassbender, Carey Mulligan, Hannah Ware, Nicole Beharie, Amy Hargreaves
País de origen: Reino Unido
Presupuesto: 6.5 millones de dólares
Recaudación: 3.9 millones de dólares en EE.UU/ 13.8 millones de dólares a nivel mundial
Duración: 101 minutos / 1 hora con 41 minutos
Principales premios:
- Nominada a dos premios BAFTA, a Mejor Película Inglesa y Mejor Actor Principal (Michael Fassbender)
- Nominada al Globo de Oro a Mejor Actor Principal – Drama (Michael Fassbender)
- Selección Oficial del Festival de Venecia 2011. Ganadora de la Copa Volpi al Mejor Actor (Michael Fassbender) y el premio FRIPESCI.
- Michael Fassbender fue nombrado el Mejor Actor Principal por el Instituto Australiano de Cine, la Sociedad de Críticos de Boston y Los Angeles, los Premios de Cine Inglés Independiente, el Círculo de Cine de Florida, Vancouver, Nueva York y Londres.
Calificaciones importantes: 72/100 Metacritic – 80% Rotten Tomatoes – 7.6/10 IMDB

Sinopsis:
Brandon, es un neoyorquino de treinta y pico de años con dificultades para la intimidad con las mujeres, pero al mismo tiempo adicto al sexo. En general, siempre sostiene citas ocasionales o romances condenados al fracaso de antemano. Cuando Sissy, la caprichosa hermana menor de Brandon y una prometedora cantante, aparece en su casa sin previo aviso y se instala allí, su estilo de vida tan particular y aislado colapsa y al mismo tiempo afloran recuerdos del doloroso pasado familiar en común. Tratará de escapar de los reclamos de su hermana y de las memorias que le trae, hundiéndose en lo más oscuro de Nueva York

http://www.youtube.com/watch?v=NAKFYzI98sI

Regresa (-) 2010

Director: Alejandro González Padilla (I love Miami)
Reparto: Bernhard Seifert, Jaime Camil, Blanca Soto, Mariana Peñalva, Daniela Schmidt, Mónica Huarte
País de origen: México/España
Duración: 140 minutos / 1 hora con 40 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 5.6/10 IMDB

Sinopsis:
Ernesto es un exitoso empresario mexicano casado con María, una hermosa ama de casa que emigró de España. Luego de 7 años de matrimonio ella piensa que él tiene una amante. Las amigas de María le sugieren tener una regresión a sus vidas pasadas para entender mejor su relación sentimental. Cuando la terapista termina la sesión, María no regresa como ella misma sino convencida que es una princesa vasca del siglo XV.

http://www.youtube.com/watch?v=JT1pbuIo7nk

Es difícil creer en El árbol de la vida como un película de hoy no por su forma, si no por su fondo. Malick funda su obra en teología pura, nos regala las más preciosas imágenes del universo como símbolos de un poder creador divino, nos muestra el origen de la vida como un soplo todopoderoso, nos relata un drama familiar como una constante plegaria a Dios. “¿Dónde estabas tú mientras yo ponía los cimientos de la tierra, cuando las estrellas del alba cantaban a coro y exultaban de gozo todos los hijos de Dios?” reza el epígrafe al comienzo. No es gratuito que la sentencia de la película sea un versículo bíblico, verso en que Dios cuestiona a Job, quien es la representación de la pérdida de lo más amado, del sufrimiento en apariencia inexplicable, del dolor que siempre pensamos injusto, pero es también la devoción, la fidelidad, la perseverancia ante las adversidades, el seguir viviendo. La familia en pleno, tanto la madre, como el padre y el hermano, encarnan a Job y sus tribulaciones. ¿Por qué —se pregunta la madre— tuvo que perder a su hijo? Para terminar entregándoselo a Dios, esta vez por completo y de verdad ya que, como ella misma dice, “siempre estuvo en las manos de Dios”. ¿No es acaso osado plantear un discurso de solución espiritual en la actualidad?

En una sociedad donde el relativismo, la duda, la incertidumbre son valores cada vez más legitimados, es bizarro que un cineasta plantee lo contrario. Porque a pesar de que El árbol de la vida es una hazaña poética y por tanto una invitación a la libre interpretación, nos expone un claro planteamiento, un universo donde existe Dios, el bien y el mal, las causas y los efectos, la naturaleza y la gracia. Terrence Malick ha hecho que se rasguen las vestiduras las ideas y propuestas más postmodernas, cada vez más propagadas en el cine —y el mundo— de hoy. Pero lo hace no a través de una sentencia inquisidora, o una condena que se jacta de ser dueña de la verdad, si no a través de una bella reflexión que también duda y se cuestiona pero que encuentran una luz y una solución, en este caso, espiritual. Pero respecto a la forma no podemos decir lo mismo.

La manera en que está contada El árbol de la vida es lo más alejado de lo clásico, canónico o normativo. Se trata de una narrativa totalmente personal, como la de un poeta que escoge por impulso sus imágenes en el papel. Malick hace poesía y nos regala cada fotograma embellecido, por una fotografía limpia y esteticista, salpicando la pantalla de imágenes de una manera “aleatoria”, más no gratuita. Recurre a una edición que salta en el tiempo y vuelve, una y otra vez, y alterna así los momentos dramáticos de la familia en los 50’s, la vida presente del hermano (Sean Penn) dentro de esos imponentes edificios empresariales, y los orígenes de la vida y el universo. Todas estas líneas llegan a entrelazarse además, cuando escuchamos a Jessica Chastain reflexionar en off, mientras descubrimos el inicio de la vida o del mundo. Se forma así un coro de imágenes, acompañadas por las mejores composiciones de Alexander Desplat. Malick crea un estilo atemporal, que parece ser confuso cuando es en verdad un acabado orgánico y, por qué no, muy coherente.

Es por esto que El árbol de la vida es en una película que sabe muy bien lo que dice y es arriesgada tanto en su discurso como en su expresión. Pero lo que también sorprende es su éxito de taquilla, sobre todo en Europa (en Estados Unidos sólo recaudó 13 millones de dólares). Sin duda, tener a Brad Pitt y Sean Penn ha sido una de las razones fundamentales para poder convocar a tanto espectador. Un casting acertado e inteligente —tanto en el sentido dramático como comercial— siempre abre más posibilidades para el éxito de un filme, y Malick supo elegir con precisión a todo su elenco. Y supo dirigir de manera magistral, además, a una extraordinaria Jessica Chastain, quien se entrega a su personaje en cuerpo y alma, performance que sin lugar a dudas sirvió para que la nominen por su papel en The Help, donde también nos regala una gran interpretación. La típica excusa de la Academia: “actuaste mejor en esta película, pero te nomino en esta otra porque es más comercial”. Es Chastain la que está por encima de todos, su sólo semblante nos hace creer en el amor de una madre bondadosa, que enseña, que instruye y que también padece. Un primer plano de ella llorando por la muerte de su hijo nos conmueve tanto como sus plegarias y sus preguntas más existenciales, preguntas que desde que el hombre es hombre y cree en un Dios se ha hecho.

Vale mencionar también a un Brad Pitt correcto, cada vez mejor intérprete de sus gestos, de sus posturas faciales, esta vez para hacer de un padre que ama a sus hijos, pero que es estricto y autoritario porque quiere formarlos fuertes ante un mundo que él siente hostil. Mientras él piensa mal del mundo y les enseña que “no puedes ser demasiado bueno si quieres tener éxito”, la madre concibe un mundo más noble, y les enseña a amarlo todo, hasta la hoja de un árbol, hasta la lluvia, y a perdonar a todos, siempre. De esta manera crece Jack, un niño que le teme al padre y le duele su agresiva educación, pero que en verdad lo quiere y sólo desea un poco más de su afecto. Ya cuando crece es un hombre de negocios, atrapado en un mundo de gente con terno y sin alma, de fantasmas que deambulan por oficinas, entre gigantes edificios que expresan el más tenaz materialismo pero que, paradójicamente, no son sino solo espejismos de los que huye.

Lamentablemente Sean Penn está un poco por debajo de los demás, apareciendo apenas minutos y nunca llegando a brillar. Malick es consciente que un plano de Sean Penn angustiado, adolorido o confundido, es muchas veces suficiente, y quizá por eso se confió en no explorar más a ese Jack adulto. Lo que Malick sí supo aprovechar fueron los nombres de sus protagonistas para que de alguna manera generen taquilla. Pero me atrevería a decir que no son solo los actores la garantía de su éxito, quizá es también —aunque peque de romántico— su mensaje universal, que llega a todos y nos habla a todos.

Por esto último, precisamente, puede que El árbol de la vida haga llegado a ser nominada a Mejor Película. Es sabido que la Academia premia a la industria y suele darle el Oscar a las películas más queridas, vistas y complacientes. La cinta de Terrence Malick no cumple con esos requisitos, es más bien, lo que se suele llamar (aunque un poco peyorativamente) “película de festival”, sin embargo compitió en la categoría a Mejor Película, junto a películas como The Help, Hugo, War Horse y Extremely Loud and Incredibly Close. Es seguro que gusta más a críticos que al público en general, pero esto a veces también sirve como un premio de consciencia por parte de la Academia. De esa manera la nominan para dejar en claro que ahora también se nomina a películas de todo tipo, aunque sabemos, por supuesto, que nunca ganarán.

El árbol de la vida es una película monumental, única y excepcional, de la que se podría decir mucho más. Es también polémica, por su discurso y forma, va a seguir dividiendo a quienes la amarán y a quienes la odiarán. Así, con todas y sus pequeñas imperfecciones, se trata de lo mejor que se ha hecho en los últimos años y es una de esas proezas que quedarán grabada en la historia del cine.

Director: Tarsem Singh (Inmortals, The Cell)
Reparto: Julia Roberts, Nathan Lane, Lily Collins, Armie Hammer, Sean Bean, Mark Povinelli, Joe Gnoffo, Danny Woodburn
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 85 millones de dólares
Recaudación: 59.3 millones de dólares en EE.UU/ 76.5 millones de dólares a nivel mundial
Duración: 106 minutos / 1 hora con 46 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 46/100 Metacritic – 50% Rotten Tomatoes – 5.8/10 IMDB

Sinopsis:
Blancanieves es una princesa en el exilio cuyo trono ha sido usurpado por su malvada madrastra, pero ella no esta dispuesta a renunciar a todo aquello que le pertenece por nacimiento. Con la ayuda de siete rebeldes enanitos, que se ganan la vida como asaltadores de caminos, lucharán por su trono y por el amor del príncipe Alcott, a quien su madrastra también le quiere arrebatar.

http://www.youtube.com/watch?v=Xh6h5rOaZKk

El Vengador Anónimo (Seeking Justice) 2011

Director: Roger Donaldson (The Bank Job, The Recruit)
Reparto: Nicolas Cage, Guy Pearce, January Jones, Xander Berkeley, Harold Perrineau, Jennifer Carpenter
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 17 millones de dólares
Recaudación: Medio millón de dólares en EE.UU/ 11.3 millones de dólares a nivel mundial
Duración: 105 minutos / 1 hora con 45 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 38 /100 Metacritic – 35% Rotten Tomatoes – 6.1/10 IMDB

Sinopsis:
Will Gerard es un profesor de inglés de secundaria de los suburbios de Nueva Orleans, casado con una brillante intérprete de música. Luego de un violento ataque sexual, que sufre su esposa, y mientras se encuentra todavía en el hospital, esperando que se recupere, Will acepta la propuesta de un hombre desconocido que le ofrece hacer justicia al instante – servida y al paso- y evitarles pasar por el mal momento que supone un proceso legal. Todavía conmocionado por lo ocurrido, entra en contacto con una organización clandestina de vigilancia. Una decisión que le acarreará terribles consecuencias.

http://www.youtube.com/watch?v=uQXq0b0vaJ8

Delirios Siniestros (Hierro) 2009

Director: Gabe Ibáñez (El cortometraje ‘Máquina’)
Reparto: Elena Anaya, Hugo Arbues, Jon Ariño, Miriam Correa, Tomás Del Estal, Andrés Herrera, Bea Segura
País de origen: España
Duración: 91 minutos / 1 hora con 31 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 30% Rotten Tomatoes – 5.6/10 IMDB

Sinopsis:
En plenas vacaciones en El Hierro, Diego, un niño de cinco años, desaparece. Seis meses después, su madre, María, recibe una llamada: han encontrado el cuerpo de su hijo y debe regresar a la isla. En el paisaje rocoso canario, María comenzará a sospechar que el pequeño Diego sigue vivo.

http://www.youtube.com/watch?v=M9Ng8qUrrvg

Lance Preston no le teme a nada

Recalco lo de limitados recursos puesto que considero que ese es el principal problema de esta cinta. Cuando un film, particularmente uno de terror, cuenta con pocos recursos, aquello que ha de asustar al espectador es el juego psicológico, la historia correctamente narrada, la incomodidad de los ambientes, la preocupación legítima por los personajes, la desesperación contagiada, en resumen la capacidad de la inmersión del público en la cinta; y esta película es incapaz de contagiar dichos elementos.

Decir que la cinta no tiene aciertos sería mezquino. Los tiene, aunque contados, y estos funcionan bien. El setup es delicioso y logra atrapar, con lo que se consigue hacer una introducción entretenida y medianamente creíble; la locación es de lo mejor que se ha visto en recientes películas de terror, ya que es legítimamente pavorosa y, a mi juicio, el punto más alto del film. Cada uno de sus ambientes, desde el edificio decadente, los interiores derruidos, las ventanas con barrotes, los túneles oscurísimos, los largos corredores o el cuarto de baño antiguo, resultan impecables, y aún más, la película tiene el gran acierto de hacer del edificio un personaje más a partir de la mitad del film.

Resulta que hoy en día, todos son Spiderman

Los actores son cosa aparte, vale destacar sus performances como correctas, y aún más, considerablemente naturales. Hacen lo que pueden ante un limitado rango creativo sellado en un guión que los dirige torpemente y les resta sentido poco a poco, conformando personajes que, si bien planos y meros peones puestos en el film para morir, resultan divertidos, particularmente T.C. (cuyo mayor mérito es quejarse durante toda la cinta). Notable es, en este caso, la lenta evolución del protagonista, Lance Preston, hacia la locura dejando para el recuerdo una escena sumamente oscura que involucra una enorme rata.

Pero aquí es dónde paramos de contar los aciertos y nos damos cuenta de las carencias del film, siendo el más grave la pérdida del propósito lógico de los personajes, ya que pronto olvidamos que se trata de una lucha por la supervivencia para encontrarnos con gente dando vueltas por la locación sin motivo aparente (lo peor es que pareciera que este evento fue intencional, convirtiéndose en el mayor de los experimentos fallidos que nos ofrece la cinta); tenemos escenas de terror puro que terminan provocando risa, nuevamente por malas decisiones de dirección, y ni siquiera hablemos del intento de uso de CGI durante cierta escena del metraje, porque resulta casi insultante. Más aún, el susto se reduce al simplismo del efecto sorpresa y descubrimos que los espectros que nos asustaron en el build up son meros monigotes mal maquillados incapaces de asustar por su naturaleza sobrenatural, no conforme con eso se siente repetido el uso de las caras deformadas muy al estilo de lo visto, aunque en este caso efectivo, en El exorcismo de Emily Rose.

¿Y ella es la asustada?

Los espectadores benevolentes podrían alegar que esto puede disculparse si las “muertes” valen la pena, sin embargo, tampoco es así: el encuentro de cada personaje con su destino final es torpe, mal planteado, incapaz de generar emociones distintas a la decepción. Tal vez algunos dejen pasar los desaciertos considerando que el final es adecuado, y en efecto lo es, pero no es el remate óptimo para subsanar los puntos bajos del film. Otros quizás podrían alegar que con el poco presupuesto de la cinta no se podían lograr cosas mejores pero yo recordaría que Paranormal Activity (de $15,000 de presupuesto) usando el mismo formato logró armar una historia superior en todos los aspectos a esta.

En conclusión, se trata de una cinta blanda que no aporta nada nuevo al género, un intento quizás bienintencionado que falla por probar mucho y mal, que desaprovecha monumentalmente la locación, que fuera su mayor baza, y que incluso como entretenimiento resulta insuficiente. Quizás el único logro de esta película es hacernos sentir lo que sus personajes: deseos inmensos de huir de un lugar al que acudimos esperando lograr algo más y frustración plena por la incapacidad de hacerlo convirtiéndonos en víctimas de un verdadero y experimental fenómeno siniestro.

Si se habla de stop-motion y plastilina, es imposible pensar en otro estudio que no sea Aardman Animations. Desde que decidieran dar el gran salto al cine en 1997 (aunque tuviera que esperar hasta el 2000 para estrenar su primer largometraje, Pollitos en Fuga), luego de una larga carrera en la televisión y colaboraciones en tareas específicas de animación, el estudio inglés no ha parado de sorprendernos no sólo con una refinada técnica de captura de movimiento, una que toma largos años en concretarse, sino que también construye guiones complejos, de personajes con múltiples dimensiones, además de características memorables, giros narrativos atractivos, y una afianzada capacidad de sorprender tanto en un nivel superficial, de entretenimiento familiar, como en uno más elaborado, de detalles en la puesta en escena, comedia de referencias, así como unos mensajes que pueden resonar en discursos políticos y sociales, si se pretende hacer una lectura mucho más profunda de sus filmes. Y si bien es cierto que la plastilina de a pocos empieza a desaparecer, la magistralidad para contar historias sigue presente (con Arthur Christmas, estrenada el año pasado, la plastilina desapareció por completo, e igual se trató de una de las mejores películas animadas del último año).

Es por eso que de Aardman, tal vez como en los casos Pixar y Ghibli, se espera excelencia y nada menos. Es quizás ese el motivo por el cual la nueva película que han presentado a nivel mundial, incluido nuestro país, Piratas! Una Loca Aventura, ha sido tan tibiamente recibida por la crítica especializada, gran parte de ella incluso despreciándola. Se trata, es cierto, de una pieza menor en una carrera impecable del estudio, aunque no hay que ser mezquinos y pretender que se trata de una mala película. Está lejos de serlo. Piratas! Una Loca Aventura está por encima del promedio de películas de animación que llegan a nuestro país, y gana aún más puntos por  la técnica misma que utiliza. El gran problema de la película: le falta vida.

Si recordamos Pollitos en Fuga, Wallace & Gromit, Arthur Christmas y hasta Flushed Away, es porque tenían la habilidad de hacernos recordar personajes y situaciones específicas, a partir de esta noción del ‘héroe perdedor’ superado. Si bien el protagonista es un Pirata Capitán incapaz de cometer mayor delito que asaltar barcos de fantasmas, clases infantiles, o infectados de plaga, no se trata tanto de un conflicto interno que lo defina, sino que por gran parte del metraje se enfrenta a una serie de obstáculos básicos, materializados en sus propios compañeros inexpertos, que debe atravesar uno tras otro sin más complejo horizonte a la vista; ni se busca ahondar demasiado en sus respectivas personalidades, ni se llega a empatizar con un ‘héroe’ excesivamente fracasado. Todo para llenar la película, demasiado conscientemente, de referencias a piratas conocidos o en sí al género de piratas en el cine, sus artificios, sus jugarretas narrativas, tanto que la película se estanca en un exceso de intelectualidad y referencia. Es recién en la segunda mitad, cuando se deja de ‘intentar’ a sobremanera, que la película finalmente respira y consigue un brío de identidad.

Es en esta segunda mitad que la película consigue algo de forma: el enfrentamiento al mundo victoriano, a una Londres sumida en inestabilidad, a una Reina Victoria desquiciada, violenta y obsesiva con el tema de los piratas y la aniquilación de lo ‘único’. Y es que los mejores personajes aparecen aquí, tal vez los dos únicos personajes que recordaremos de esta cinta: por un lado, un chimpancé criado por el mismísimo Charles Darwin que sólo logra comunicarse a través de cartillas, cual película muda; y una exquisita villana regordeta y chiflada como la Reina Victoria, imparable, responsable de los más emocionantes giros hacia el final de la película, un climax que se prolonga y prolonga y nos hace recordar cómo es que Aardman sabía maniobrar su narrativa para no dejar de sorprender al espectador, privándolo de aire en cada esquina. Todo lo anterior sobraba; es en esta última parte que Aardman retoma las astas de su película y complica las cosas de verdad, al centrarse en su protagonista y su enfrentamiento al mundo victoriano. (Por cierto, mencionar que la Reina Victoria recibe la voz de una extraordinaria Imelda Staunton, lamentablemente ausente en las versiones dobladas que han llegado a nuestro país).

Es cierto que la Londres victoriana que nos presenta Piratas! esta lejos de ser la deliciosa era gótica, decadente y excéntrica que nos propone Tim Burton (lamentablemente, si pienso en victoriano, lo primero que aparece frente a mí es Corpse Bride), pero funciona en tanto esta Revolución Industrial incipiente aplasta la noción más básica y anticuada de ser ‘pirata’: el conocimiento que busca aniquilar el romanticismo de una vida nómada. La idea de premiar al ‘científico del año’ se equipara a la de premiar al ‘pirata del año’ en tanto se racionaliza una vocación, una pasión. Y mientras por el lado científico, esto puede llegar a resultar coherente, el premiar al ‘pirata del año’ implica cuestiones que están en contra de la noción de serlo. El Pirata Capitán se da cuenta de esto tarde, una vez que ha perdido todo aquello que amaba de ser pirata, esta sumisión a un ‘sistema’ que tanto tiempo había combatido, aunque no estuviera regido por las mismas autoridades. Y es en este dilema existencial en el que se sumerge el protagonista que encontramos  lo mejor de la película.

Piratas! debería aprender un poco más de su propio discurso. Al pretender demasiado conscientemente hacer un homenaje explícito a un género que ha desaparecido (vamos, sólo Piratas del Caribe ha podido revivirla, momentáneamente, para asesinarla de nuevo con sus secuelas), al racionalizar en exceso todo, pierde el romanticismo inherente en un estudio cuya pluma creaba magia sin esfuerzo. Al intentar intelectualizarse y llenarse de referencias históricas y cinematográficas pierde la espontaneidad del resto de su filmografía, y justamente en su segunda parte, cuando se suelta y deja que sus personajes divaguen solos en el contexto histórico-geográfico que ha creado para ellos, finalmente los deja vivir y ser libres. Y felizmente, al menos para mi, esto no sucede demasiado tarde.

Director: Joss Whedon (Serenity 2005)
Reparto: Robert Downey Jr., Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson, Paul Bettany, Chris Hemsworth, Chris Evans, Mark Ruffalo, Jeremy Renner y Stellan Skarsgård
País de origen: EE.UU
Recaudación: Estreno Mundial
Duración: 142 minutos / 2 horas con 22 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 71 /100 Metacritic – 96% Rotten Tomatoes – 8.8/10 IMDB

Sinopsis:
Continuando con las épicas aventuras de superhéroes en la gran pantalla como Iron Man, Hulk, Thor y el Capitán América, llega otra adaptación del cómic de Marvel: “Los Vengadores”, el legendario grupo de superhéroes. Cuando un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial, Nick Fury, director de la Agencia conocida como SHIELD, se encuentra en la necesidad de reunir a un equipo para salvar al mundo de un desastre casi seguro.

http://www.youtube.com/watch?v=filU2r-yswA

El árbol de la vida (The Tree of Life) 2011

Director: Terrence Malick (El Nuevo Mundo, La Delgada Línea Roja)
Reparto: Sean Penn, Brad Pitt, Fiona Shaw, Jessica Chastain, Tye Sheridan, Will Wallace, Cole Cockburn
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 32 millones de dólares
Recaudación: 13.3 millones de dólares en EE.UU/ 41 millones de dólares a nivel Mundial
Duración: 139 minutos / 2 horas con 19 minutos
Principales premios:
- Palma de Oro en el Festival de Cannes 2011
- Nombrada una de las mejores película del año pasado, por la AFI y el National Board of Review.
- Nominada a tres premios Oscar, de la Academia: Mejor Fotografía, Mejor Director (Terrence Mallick) y Mejor Película.
- Presentada en los festivales de Karlovy Vary, Yerevan, Toronto, Amsterdam y Hollywood.
Calificaciones importantes: 85/100 Metacritic – 85% Rotten Tomatoes – 7.0/10 IMDB

Sinopsis:
Estados Unidos, años 50. Jack es un niño que vive con sus hermanos y sus padres. Mientras que su madre encarna el amor y la ternura, su padre representa la severidad, pues la cree necesaria para enseñarle al niño a enfrentarse a un mundo hostil. Ese proceso de formación se extiende desde la niñez hasta la edad adulta. Es entonces cuando Jack evoca los momentos trascendentes de su infancia y trata de comprender qué influencia tuvieron sobre él y hasta qué punto determinaron su vida.

http://www.youtube.com/watch?v=3AA4yzqaGJY

Sólo por Dinero (One for the Money) 2012

Director: Julie Anne Robinson (The Last Song)
Reparto: Katherine Heigl, John Leguizamo, Debbie Reynolds, Sherri Shepherd, Debra Monk, Daniel Sunjata y Jason O’mara
País de origen: EE.UU
Presupuesto: 40 millones de dólares
Recaudación: 26.4 millones de dólares en EE.UU/ 7.9 millones de dólares a nivel Mundial
Duración: 100 minutos / 1 hora con 40 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 22/100 Metacritic – 2% Rotten Tomatoes – 5.0/10 IMDB

Sinopsis:
Stephanie Plum no está precisamente en racha. A sus 30 años, acaba de salir de un divorcio, la han despedido y vive con su hámster en Trenton, Nueva Jersey. Sin blanca y desesperada, empieza a trabajar para su rastrero primo, un agente de fianzas. Llevada por la necesidad de dinero rápido, se lanza al caso más difícil: un policía local buscado por asesinato que resulta ser el chico que le rompió el corazón en el instituto. Stephanie va desarrollando recursos y se va haciendo fuerte a medida que se deja arrastrar hacia un mundo de asesinatos y engaños, aunque no exento de romanticismo.

http://www.youtube.com/watch?v=-S79I78arQQ

Los dementores lo siguieron hasta aquí.

Considero que es complejísimo generar un ambiente de tensión constante y de susto creíble girando en torno a un actor que evoca memorias completamente opuestas en el público, y sin embargo, La Dama de Negro logra su objetivo. Es plenamente cierto que durante los primeros minutos del film uno acude sabiendo que la película será mediocre y que es sólamente un vehículo para colgarse de la fama del joven actor, pero en breve este sentimiento será reemplazado por unas ansias profundas de que avance el metraje y se vayan develando los misterios, provocado por la adecuada confluencia de los tres elementos principales que componen la cinta.

Why so serious?

El primer elemento a considerar es el factor de ambientación el cual es, sin dudarlo, el punto más alto de toda la cinta: las locaciones, vestuarios, efectos de sonido, maquillaje y artefactos visibles en el film aportan el nivel de decadencia adecuado, para hacer sentir agobiado al espectador, proporcionando una funda extraordinaria para los eventos que se desarrollan. La casa en la que se desarrolla la acción es un personaje aparte, cubierta de predominantes colores fríos, cada ambiente construido al detalle y organizado de la manera más decrépita con amplios espacios derruidos que transmiten desesperanza, un pasadizo lleno de puertas que se presta para jugar con la imaginación del público y muñecos legítimamente perturbadores que traen de vuelta al espectador sus miedos más primarios; todo ello compone un enorme cajón de terrores excelentemente armado que, aunque cae en ciertos cliches, logra mantener una forma original que funciona bastante bien.

En segundo lugar tenemos la historia, una historia simple de fórmula que se siente repetida pero que es llevada con buen ritmo y mantiene atento al espectador, con sustos más relacionados al abatimiento y al juego con la mente del público que al simplón ruido salido de la nada (elemento que también está presente, sólo que en mucha menor medida que en otros filmes actuales del género). Los secundarios existen únicamente como vehículos para el avance de la cinta; los niños particularmente cumplen su función aterradora a cabalidad y su aporte al total de la película es bien recibido. Es cierto que presenta inconsistencias fácilmente detectables (las cuales no pueden especificarse sin darse detalles de la trama), además de depender de dosis generosas de plot induced stupidity, pero la obra es buena y logra que olvidemos estos detalles mientras nos entretiene con su misterio.

Expelliarmus

El factor Potter sería el último elemento a considerar; aunque en el film Daniel Radcliffe maneja el protagónico de forma adecuada, sus sustos son creíbles, sus motivaciones lógicas (aunque no por ello comprensibles), sus diálogos tienen la convicción necesaria para tener verosimilitud y por varios momentos nos olvidamos de Potter (el maquillaje ayuda, dejándolo notablemente distinto de la memoria residual que teníamos de él a partir de las películas del niño mago). Su verdadero aporte se encuentra fuera del film, siendo tanto la cara conocida que provoca curiosidad en el público por ver cómo se desempeña (¿y por qué no?, en algunos segmentos, interés por verlo fracasar) que, por ende, atrae una mayor cantidad de espectadores; como el wildcard que pretende que el público baje la guardia pensando que será una cinta más (si no es que peor), sin saber que al bajar la guardia saborearán la película con aún mayor intensidad.

Es entonces que al unir estos tres elementos disímiles, obtenemos una película sólida, interesante, creíble y sorprendentemente inmersiva, que sumada a un final correcto, funcional y en cierta medida predecible, y a un antagónico (‘la dama de negro’) tenebroso que cumple con su función de asustar en los momentos en que sale en la pantalla, se convierte en una muy buena opción para ser vista, la cual mejora aún más al intervenir nuevamente el factor Potter. Ya que son precisamente las bajas expectativas que uno tiene al acudir al cine imaginando que el protagonista no dará la talla, aquellas que terminan haciendo que el film parezca bastante más de lo que ya es. En este caso, funciona completamente.