De película de terror de culto presentada en el Festival de Cannes de 1982, al mainstream de masiva campaña de marketing y estreno a puertas del “verano americano”. Del gore serie B de bajísimo presupuesto, a la producción de 17 millones de dólares (sin contar gastos publicitarios, que deben haber sido muchos más). Ese es el resultado de volver a llevar “Evil Dead” a la pantalla gigante, de nuevo con Sam Raimi conduciendo el proyecto, pero ahora desde la silla del productor, con el uruguayo Fede Alvarez dirigiendo.

Los amantes de la película original se darán cuenta que la premisa básica del grupo de adolescentes que debe encarar los peores horrores luego de invocar a un demonio, ya no es del todo básica, ahora se nos dan explicaciones y se profundiza en la relación de los personajes, sus motivos y conflictos personales. Hemos pasado del horror barato y descuidado, de las vísceras expuestas y la sangre a borbotones sin un pelo de seriedad en su discurso, al filme de nivel de producción de estudio, en el que la risa y el asco es reemplazado por el suspenso, la incertidumbre y una pizca (enana, tranquilos) de reflexión. Estamos ante una película de género ahora, mucho más convencional que la original, a la que entonces no le importaba trasgredir.

Claro que si bien estamos ante una propuesta más formal, si se le quiere llamar así, esto no es malo precisamente, y tampoco es que desaparezca del todo el espíritu bufonesco original. Alvarez hace que se materialice la risa incómoda como respuesta impotente de un espectador no aguanta la violencia extrema mostrada en la pantalla. Esta “risa” se nos presenta como la única posibilidad para liberar tensión ante una película que se nos lanza agresivamente contra la cara, sin parar jamás.

Justamente el gran logro de esta película es sostener siempre la sensación de clímax, empezando bien con un “mundo ordinario” en el que conocemos a estos adolescentes en pleno intervention, pero luego no deteniéndose en ningún momento con el derroche de perversidad, sorprendiendo a cada esquina con giros insospechados, posesiones alternativas, gags bien posicionados e incluso algunos quiebres que sorprenderán hasta a los fanáticos de la película original.

La fotografía y el trabajo de sonido están manejados a la perfección con el fin de incomodarnos. Una cámara que flota cual poseída entre los elementos del encuadre y avanza como desquiciada olfateando el horror a la distancia. Un sonido que matiza sus registros, que nos obliga a acercarnos con cada susurro, crujido y paso apenas perceptible, para luego hundirnos en nuestros asientos con cada grito que rompe el silencio.

Hay un problema serio hacia el tercer acto: al intentar justamente reacomodar las piezas de la película original para ser coherentes con el nuevo planteamiento de la historia (algo que, recordarán, casi ni existe en la versión de Raimi), se desacelera en el frenetismo del horror. No es algo muy trágico tampoco, pero sí se siente que el final está más “pensado” que todo lo que se vio antes.

“Posesión Infernal” es uno de los más impactantes pases de vuelta que haya visto en el cine en algún tiempo, aunque no necesariamente la mejor película de terror (creo que de los últimos años, ese título lo posee “Siniestro”) ya que el miedo es más superficial que psicológico. Estamos ante una montaña rusa de imágenes tanto terroríficas como desopilantes. Es el mismo experimento de culto que llevó a la fama a Raimi, al menos en circuitos alternativos, pero poseído por el mainstream más perspicaz.

No es que J.J. Abrams tenga que probarle algo a alguien a estas alturas de su carrera, pero con cada filme suyo sigue reivindicándose como el maestro de la aventura y la ciencia ficción comercial. A muchos les sorprende que un no-fan de la saga de “Star Trek” pueda hacer maravillas sin dañar la mitología original, pero creo que justamente su status de no-fan lo hace perfecto para la labor de adaptar una saga anclada a un formato ya no vigente y llevarla al terreno de lo que el mainstream contemporáneo requiere.

Recuerdo de niño alguna vez haber visto con mi padre la serie televisiva y aburrirme con los extensos y reflexivos diálogos, la mitología intrincada, las escenografías de cartón y los trajes multi-colores. Abrams nos entiende, a mi y a todos los que alguna vez bostezamos con Kirk o Spock, y sin ningún temor hace suya (y nuestra) la saga, sus personajes y su universo. Ya en la primera parte le dijo a los fanáticos que todo lo que ellos amaron de la saga original estaba allí, a salvo, en una dimensión paralela que Leonard Nimoy resguardaba; con esta secuela podemos avanzar más en esta ‘nueva’ mitología, releyendo pasajes y personajes (villanos) clásicos de la historia original.

Si hay algo que Abrams ama más que la ciencia ficción, los efectos visuales y los enredos (y aceptémoslo, huecos) en la trama, es a sus personajes. Es un director que desde su consolidación en la televisión en series como “Alias”, “Lost” o “Fringe” se preocupa por cada uno de los seres que pueblan los universos de sus historias, y si bien la espectacularidad y el show son algo que maneja con soltura y extrema prolijidad, será que tal vez este flanco más fantasioso y épico es sólo una excusa para hablarnos de grupos humanos, de sus relaciones y cómo estas evolucionan.

Y cada personaje está en un proceso evolutivo particular, que avanza como pieza de rompecabeza que engrana uno perfectamente con  el otro para armar el panorama completo. Kirk (Chris Pine) sigue en busca de la madurez emocional, enredado en dilemas morales y éticos de lo que significa liderazgo, lo que significa proteger a una tripulación. Spock (Zachary Quinto) sigue en su lucha interna por humanizarse, entendiendo el valor de la amistad y el amor, debatiendo en la ambigüedad de trasgredir las reglas establecidas para defender un bien superior, además de saborear por primera vez la venganza. Carol (Alice Eve), nuevo personaje de la secuela, se debate entre obedecer a su padre y superior en comando o indagar en algo que sabe huele mal en su campaña bélica. El misterioso John Harrison (Benedict Cumberbatch), villano de cabecera en esta oportunidad, muestra susceptibilidad por su tripulación bajo amenaza, una que pretende defender a cualquier precio.

El gran tema de esta secuela es justamente el del liderazgo y el manejo de una tripulación, el de la toma decisiones justificando medios y fines, el cuestionamiento del orden establecido debido a la imperfección política de los sistemas. Kirk y John Harrison se parecen más de lo que el primero quisiera, en esa irreverencia a la hora de defender a los suyos, ambos capaces de dar su propia vida por ellos, aunque en dimensiones morales opuestas. Son justamente estos dilemas humanos, más que los temas bélicos o las convenciones de la ciencia ficción, los que densifican el conflicto de la historia de esta secuela, los que elevan lo que está en juego, los que intensifican y dramatizan aquel choque final que no sucede en el espacio, sino en el lugar más humano para nosotros: la misma Tierra.

Algo que apuntar en la calidad de dirección actoral de J.J. Abrams es esa capacidad de hacer hablar sin hacerlo, de jugar con la puesta en escena, con la sutileza de los gestos de sus actores, con simples miradas y el juego de términos para plantearnos lo que cada uno piensa o siente en determinados momentos. Por otro lado, me rehúso a aceptar el 3D a pesar de ser una película que fue filmada para ser proyectada de esta manera: siento que Abrams, a pesar de algunos disfuerzos con el tema de los flares que invaden cada momento, tiene extremo cuidado a la hora de estilizar sus encuadres, pone atención a cada brillo, a cada flare colorido que nos quema la retina. Siento que este juego de luces pierde algo de sentido cuando el 3D intenta dimensionarlo.

“En la Oscuridad Star Trek“ no es mejor que la primera parte, pero sí es igual de buena. J.J. Abrams le habla principalmente a los no-fanáticos de la saga y les dice que hará hasta lo imposible para hacerlos amar a estos personajes que antes no entendían. Tanto, que se mete en sus cerebros y juega con sus emociones desde adentro, en sus dilemas, en sus arrepentimientos y regocijos. El genio de J.J. Abrams está justo en eso, en la manipulación de sus grupos humanos. Él es el gran titiritero de la aventura y la ciencia ficción.

http://www.youtube.com/watch?v=eruwOiHoTTo

Paul Greengrass no es el director que inició la saga de películas de Bourne, pero es sin lugar a dudas quien definió el estilo de la franquicia. Y con “Supremacía” y “Ultimatum” de paso aprovechó para definir su firma personal, su sello de autor. Greengrass en un director que se regocija en la tensión, hace que cada decisión mínima colabore a que esta se materialice, cada vez más espesa y enervante. Con “United 93″ nos asfixió con el inminente choque de un avión tomado por terroristas, mientras que con “The Green Zone” se metió a un terreno más político, aunque igual de visceral. Con “Captain Phillips” regresa a la tensión pura, basada en hechos reales, con la historia de un barco de carga que es tomado por unos piratas somalíes. Tom Hanks apunta al Óscar con esta.

“August: Osage County”, de John Wells

http://www.youtube.com/watch?v=9Hd_uO72h1s

¿Recuerdan aquella obra del 2010 en el Teatro La Plaza, protagonizada por Claudia Dammert, Norma Martínez y Javier Valdez? Les hablo de “Agosto: Condado Osage”, de Tracy Letts, una oscura y acidísima mirada a la familia y al relevo filial. Esta multi-premiada obra de teatro norteamericana, una que le valió el premio Pulitzer a su autor, será llevada al cine este año. El director es un casi desconocido, pero lo que aquí nos emociona es el reparto: una Meryl Streep que apunta a su décimo octava nominación al Óscar, una Julia Roberts que quiere su segunda estatuilla, Juliette Lewis, Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Abigail Breslin, Chris Cooper y Sam Shepard. Lástima que este trailer la pinte como una happy indie film muy al estilo “Little Miss Sunshine”, cuando es en realidad un texto áspero, agresivo y sin pizca de reconciliación. Esperemos que la película sea así.

Gravity, de Alfonso Cuarón

http://www.youtube.com/watch?v=xgGPTa7-vlE

Este es un adelanto que venimos esperando por casi cuatro años, ya que es un proyecto que la ha tenido difícil. A pesar de que Alfonso Cuarón ya había demostrado su valía en la industria con “Harry Potter and the Prisoner of Azkaban” y “Children of Men”, a los estudios les asustaba este guión que co-escribió con su hijo Jonas porque todo sucede en el espacio y solo cuenta con una pareja de actores en el reparto. Incluso luego de que Warner Bros aprobara el proyecto, el tema de elegir a los actores fue todo un dilema. Angelina Jolie, Marion Cotillard, Scarlett Johansson, Blake Lively y Natalie Portman fueron barajadas para el papel femenino antes de que Sandra Bullock fuera elegida. Robert Downey Jr. iba a interpretar la contraparte masculina, para que luego George Clooney tuviera que reemplazarlo por problemas en su agenda. Por fin podemos ver las primeras imágenes de esta historia de dos austronautas que se quedan varados en el espacio luego de que su nave espacial se destruyera con ellos afuera. Grande Cuarón, todo se ve espectacular.

Colombia es uno de los países latinoamericanos que ha vivido uno de los mayores crecimientos en realización cinematográfica de la región, tanto en cantidad de películas como en nuevas voces, estilos y temáticas. Desde que se promulgara la Ley de Cine del 2003, el país estrena ahora un aproximado de 15 películas al año (cifra que sin significar una “industria”, desde aquí envidiamos), con cintas que triunfan en festivales importantes del mundo, pero también otras que cautivan al público y logran destacable taquilla en el país. Es en este marco de crecimiento que celebramos que UVK Multicines aproveche su Sala Cine Arte para entregarnos una semana llena de cine colombiano, con propuestas en ficción y documental, en género y cine de autor, una selección de siete películas de los últimos tres años que ningún cinéfilo puede perderse. Aquí se las presentamos.

Mamá Tómate la Sopa

Director: Mario Ribero Ferreira
Género: Comedia Negra
Duración: 96 minutos

Horarios:
Domingo 12 de mayo, 6:00 pm.

Sinopsis:

Vicente Vaca es un cuarentón a punto de quedarse calvo que aún vive con Berta, su madre. Además de soñar con negocios irrealizables, trabaja para ella haciendo los mandados de la casa. Durante toda su vida él no se ha preocupado por salir de la comodidad ni del sometimiento: hasta que conoce a Cristina, la nueva peluquera del barrio, quien le ofrece uno de sus tratamientos contra la calvicie.

http://www.youtube.com/watch?v=JYvh8X0uwV8

180 Segundos

Director: Alexander Giraldo
Género: Acción
Duración: 90 minutos

Horario:
Sábado 11 de mayo, 6:00 pm.
Lunes 13 de mayo, 8:40 pm.
Miércoles 15 de mayo, 6:00 pm.

Sinopsis:

Zico es el jefe de la banda de ladrones más respetada de la ciudad: sus robos son perfectos, sin heridos, ni balas, no dejan rastro alguno. Con el último trabajo, él y su hermana Angélica esperan irse del país e iniciar una nueva vida. Para ello Zico planifica un robo que debe suceder en tres minutos exactos. Sin embargo Zico no cuenta con que una unidad especial de la policía los ha ubicado. La vida de Zico, su hermana y nueve personas más se cruzarán en 180 segundos que mostrarán seres humanos corrientes, que ríen y hacen reír, que aman y quieren amar, que roban y no quieren morir.

http://www.youtube.com/watch?v=EKRBpG1501A

Totó

Director: Hector Francisco Córdoba
Género: Documental
Duración: 80 minutos

Horarios:
Sábado 11 de mayo, 4:00 pm.
Lunes 13 de mayo, 4:00 pm.
Miércoles 15 de mayo, 4:00 pm.

Sinopsis:

Este es el registro de un viaje por el Caribe colombiano, por su gente, sus paisajes, sus tradiciones y su música; un recorrido que nos permite comprender los cantos de sus mujeres y el retumbar de las tamboras al ritmo de Totó, La Momposina, icono de la cultura y de la música colombiana. Con ella y su lenguaje casi poético conoceremos la cultura del país y sus tradiciones, un descubrimiento que culminará con un concierto realizado en la ciudad de Bogotá, donde se reunirán los más importantes exponentes de la música tradicional del Caribe.

http://www.youtube.com/watch?v=_NZifZLDZLA

La Lectora

Director: Riccardo Gabrielli
Género: Suspenso y acción
Duración: 96 minutos

Horarios:
Sábado 11 de mayo, 8:10 pm.
Martes 15 de mayo, 8:40 pm.

Sinopsis:

Un misterioso maletín está desaparecido y más de uno haría cualquier cosa por encontrarlo. Las pistas para llegar a él están descritas en un texto en alemán, cuyos dueños son incapaces de descifrar. Este par de hermanos obligará a una universitaria a traducirlo. “La Lectora” revelará la historia de Karen y Cachorro, la pareja que todo el mundo busca. Ellos son los únicos que conocen su secreto. Pero nada es como parece.

http://www.youtube.com/watch?v=PL2-XwDKW3Q

Chocó

Director: Jhonny Hendrix
Género: Drama
Duración: 80 minutos

Horarios:
Domingo 12 de mayo, 4:00 pm.

Sinopsis:

Chocó es una mujer negra de 27 años, que lleva a cuestas una familia de dos hijos menores y a Everlides, su esposo músico que sólo sabe tocar marimba, beber viche y jugar dominó. En la mañana trabaja buscando oro en el río San Juan y en las tardes lava ropa de otras familias para alimentar y educar a sus hijos. Es el cumpleaños de la pequeña Candelaria, y por primera vez, Chocó le promete una torta. Sin embargo, las cosas se complican al tratar de cumplir esta promesa, desencadenando consecuencias inesperadas para Chocó y toda su familia.

http://www.youtube.com/watch?v=5XywlW0elec

San Andresito

Director: Alessandro Angulo Brandestini
Género: Comedia / Acción
Duración: 90 minutos

Horarios:
Martes 14 de mayo, 6:30 pm.
Miércoles 15: 8:10 pm.

Sinopsis:

En San Andresito es un renombrado sector de comercio en Bogotá, donde se encuentra cualquier cosa. Todo lo que busque está disponible. De esto podrá dar fe Wilson Tenorio, un espontáneo agente de policía que anhela un ascenso en su institución, pero no está dispuesto a mover un dedo para lograrlo. Cuando se ve falsamente enredado en el asesinato de Tatiana, una muchacha de San Andresito cuyo cadáver aparece en la camioneta oficial que conduce, el vanidoso e inútil agente deberá por primera vez en su vida poner en práctica lo supuestamente aprendido en su instrucción policial.

http://www.youtube.com/watch?v=dhFgTBaYOtg

Lo Azul del Cielo

Director: Juan Uribe
Género: Drama
Duración: 112 minutos

Horarios:
Domingo 12 de mayo, 8:20 pm.
Lunes 13 de mayo, 6:00 pm.
Martes 14 de mayo, 4:00 pm.

Sinopsis:

Camilo es un joven de 23 años de clase media de Medellín. Después de regresar del servicio militar y sin un claro porvenir en la vida, se ve presionado por su familia para que estudie o trabaje. Dedica la mayoría de su tiempo a jugar fútbol, y es allí donde conoce a Berri, el director técnico del equipo, quien le ofrece a Camilo la oportunidad de un trabajo que representa para él un reto moral y que lo obliga a vivir al margen de la ley.

http://www.youtube.com/watch?v=I36W4pcyzDk

http://www.youtube.com/watch?v=WOqCN2XHCTI

Este jueves se estrena en Lima “Código Olimpo” (Olympus Has Fallen), película de Antoine Fuqua que nos cuenta la historia de un agente de seguridad que debe proteger a toda costa al Presidente de los EEUU de un ataque terrorista en la Casa Blanca. En septiembre se estrenará en nuestro país “White House Down”, de Roland Emmerich, película que nos cuenta… exactamente lo mismo. La diferencia: la primera parece ser un thriller de historia más compleja y política; la segunda promete ser una sobredosis de adrenalina en la que a cada lado que miremos habrá una explosión. Eso nos demuestra este nuevo adelanto. Channing Tatum y Jamie Foxx parecen estar pasándola de locos.

“Twenty Feet from Stardom”, de Morgan Neville

http://www.youtube.com/watch?v=tWyUJcA8Zfo

Cuando escuchan a sus bandas y artistas favoritos, ¿se han percatado de aquellas voces que integran el coro y que sirven de apoyo al artista de cabecera? ¿Se han preguntado quiénes son estos artistas? ¿Por qué permanecen sin rostro, nombre o reconocimiento a pesar de su vital participación en el proceso musical? En el último Festival de Sundance se presentó este documental que se hace estas preguntas y nos presenta a algunos de los principales back-up singers de la historia de la industria musical, las relaciones que mantuvieron con los artistas a los que apoyaron, sus anhelos y frustraciones al estar, literalmente, a “20 metros del estrellato”.

“Red 2″, de Dean Parisot

http://www.youtube.com/watch?v=ZfB8QwYBPxY

¿Es necesaria esta secuela? Es una pregunta de respuesta discutible, pero lo indiscutible es la emoción de volver a ver juntos en pantalla gigante a monstruos de la actuación como Bruce Willis, Anthony Hopkins, John Malkovich, Catherine Zeta-Jones y Mary-Louise Parker. Si esta secuela logra ser tan entretenida como la primera parte, habrá valido el costo de la entrada. Y a partir de lo que vemos en este nuevo adelanto, parece que el exceso en las performances, la sátira del género de espías, así como la mirada excéntrica de la vejez, están de regreso.

“Prince Avalanche”, de David Gordon Green

http://www.youtube.com/watch?v=KPwXvHjoRp4

David Gordon Green se hizo conocido a nivel internacional gracias a la desbocada comedia del 2008 de título “Pineapple Express”. Sin embargo, su carrera había comenzado bastante antes, pero se había movido por el circuito independiente, con filmes aplaudidos en Sundance y Toronto. Este año regresó a esa vena más independiente con “Prince Avalanche”, película protagonizada por Paul Rudd y Emile Hirsch, que le valió el Oso de Plata al Mejor Director en el último Festival de Berlín. Esta es la historia de dos hombres que reflexionarán sobre la vida y las mujeres que dejaron detrás, mientras pasan todo el verano de 1988 en labores de mantenimiento en la carretera.

“Violet & Daisy”, de Geoffrey Fletcher

http://www.youtube.com/watch?v=0zdQ_UL5vwg

Desde que se presentó en el Festival de Toronro en septiembre del 2011, esta película dio que hablar. Un filme violento, agresivo, controversial: la historia de dos adolescentes asesinas a sueldo que se cruzan con un objetivo que será particularmente difícil de matar. Saoirse Ronan y Alexis Bledel interpretan a las mencionadas femme fatales, en una película que marca el debut como director de Geoffrey Fletcher, quien ya había dado que hablar con el guión que escribió para “Precious”. Si el trailer no los emociona lo suficiente, miren este precioso poster. Tanto miedo le tenían al proyecto, que han tenido que pasar dos años para que consiga estreno comercial en los EEUU. Esperemos que esto signifique también que llegará al resto del mundo, incluyendo nuestro país.

“We all create our own demons” – Tony Stark, citado de alguien famoso de quien no recuerda el nombre.

¿Es “Iron Man 3″ la mejor de la trilogía? Lo es, y de lejos. Hablando como alguien que disfruta de ir al cine, alguien medio ignorante en la mitología de los comics (muchos hardcore fans han salido decepcionados del filme por ciertas licencias que se han tomado con algunos de sus personajes favoritos), creo incluso que es una mejor película que aquella hiper-taquillera “Los Vengadores”. “Iron Man” se desinflaba en su tercer acto, con una batalla final apresurada y estática. “Iron Man 2″ se excedía en el encuentro final, y en remontarnos al pasado de Tony Stark, repitiendo al villano de cabecera y aburriéndonos con giros narrativos predecibles. “Iron Man 3″ cumple al sorprendernos con una situación de conflicto compleja y diversa, además de ofrecer acción bien pensada a lo largo de sus dos horas y 10 minutos de duración, que por cierto ni se sienten.

Nos encontramos con un Tony Stark con secuelas de lo sucedido en Nueva York en “Los Vengadores”, refugiándose obsesivamente en la creación armaduras, volviéndose un ser hermético hasta con su núcleo más íntimo. Es este encierro el que lo llevará a re-pensar su razón de ser, lo minúsculo que es al costado de la inmensidad del universo que vislumbró en el agujero que casi le quita la vida. Esta insignificancia le genera ansiedad, molesta el gigantesco ego que estaba acostumbrado a cargar. Estamos ante una reflexión existencial; pero como se trata de Tony Stark, lo reflexivo se disfraza en trajes de hierro coloridos, sarcasmo filudo, trajes, autos, peluches gigantes y explosiones. Estas últimas cortesía del villano principal de esta entrega, El Mandarín, un terrorista que alecciona a la sociedad norteamericana por su engañosa  prepotencia, por su manera de siempre influir en el imaginario mundial, de apropiarse de lo ajeno. Un Tony Stark enajenado debe recuperar la cordura para hacer frente a esta amenaza.

Lo mejor de “Iron Man 3″ está en su guión, elaborado cuidadosamente por Drew Pearce y Shane Black. Y no es que estemos ante una lección de estructura, o ante recovecos y giros complejos en la historia, ya que se trata de la fórmula simple del terrorista amedrentando a los EEUU con atentados sucesivos, in crescendo, hasta llegar a la amenaza más grande de todas: la de meterse con el Presidente de los Estados Unidos, claro está. La brillantez del texto no está en su estructura, sino en el parlamento. Leí en un review que “Shane Black es el Aaron Sorkin de las películas de superhéroes” y creo que es la manera más adecuada de describirlo. Los personajes lanzan dardos de texto, uno tras otro, sin tiempo para respirar, cada línea más agresiva que la anterior. Y esto incluye a un menor de edad que las recita. La complejidad del texto hace que un personaje pueda decir algo dramático y solemne, para luego desinflar la tensión con algo más irónico y absurdo. Y funciona perfectamente.

“Iron Man 3″ de esta manera se presenta como una meta-burla. Se burla de sí misma, de Tony Stark, de las películas de super-héroes contemporáneas. Pero se burla también de Norteamérica, del terrorismo, de los medios de comunicación. De la paranoia colectiva alimentada por los noticieros. De los prejuicios acerca del enemigo, de la idea errada que tenemos de paz. Tal vez se burla hasta del cine y los villanos que nos ha acostumbrado a temer.

Claro que la complejidad de lo que propone el guión, curiosamente de manera sencilla de digerir para cualquier espectador, sólo puede apoyarse en performances de lujo. Por fin vemos a Robert Downey Jr. sin armadura por mucho más tiempo, dándole la libertad de jugar con la excéntrica personalidad de su protagonista, tan precisa y bipolar a la vez. Gwyneth Paltrow deslumbra al conseguir más protagonismo del que se le había dado hasta ahora, luchando con el hombre que le ha tocado “criar”. Jon Favreau por fin manifiesta un Happy de mayor profundidad, un amigo leal, pero al que el peso de vivir bajo la sombra de su jefe le ha molestado un poco. Ben Kingsley configura un villano de antología, una interpretación que dividirá a los espectadores, pero que no dejará que dar que hablar. No habíamos visto a Guy Pearce tan bien en mucho tiempo, un villano que pareciera inspirado en Síndrome de “Los Increíbles”, pero cuya necesidad de reconocimiento sobrepasa niveles saludables. Aunque la revelación de la película debe ser Ty Simpkins, de apenas 11 años, un chibolo que ya había sorprendido en “Insidious”, pero que aquí coge un papel secundario y le saca todo el jugo posible, incluso opacando por momentos la personalidad altisonante de Stark.

En resumen, “Iron Man 3″ es un filme que reivindica aquella concepción de entretenimiento palomitero clásico, de acción vistosa y one-liners que quedan en el recuerdo, sin obviar los conflictos más internos y sombríos que son necesarios para la concepción de los “antihéroes” de hoy en día: la película sabe matizar ambos flancos. En un momento de la película, Tony Stark asegura que su biografía se titularía “una bolsa de trucos baratos y un one-liner cursi”. La saga del héroe de hierro es justamente eso y no se jacta de serlo. Lo disfruta tanto que hace que nosotros disfrutemos con ella.

Si nos preguntásemos cuál es la mejor película de Martin Scorsese, nombraríamos de manera casi automática “Taxi Driver”, “Buenos muchachos”, “Casino”, y por supuesto, sin duda alguna “Toro salvaje”. Y es que esta película afianza a Scorsese como un maestro indiscutible. Podríamos decir que “Malas calles” lo hace aparecer en escena como un brillante y prometedor director, “Taxi Driver” lo lanza a la fama como un cineasta extraordinario, y “Toro salvaje” lo consolida como un artista consagrado.

Detrás de esta película, hay un Scorsese que ya había hecho suficientes películas y documentales como para pasar a la historia como uno de sus más importantes e interesantes directores. Pero detrás de esta película hay también un Scorsese adicto a la cocaína que estaba convencido de que esta sería su última obra. Y desde que “Toro salvaje” empieza, podemos percibir ese aire nostálgico, autobiográfico, triste y bello, que respira cada fotograma en blanco y negro de la película. Me atrevo a decir, por eso, que Jake LaMotta es una suerte de alter-ego del Scorsese de aquella etapa, quien se ve dando todas sus energías por pelear su última película como su última pelea.

Pero LaMotta no sería LaMotta si no fuese por Robert DeNiro, quien literalmente se da en cuerpo y alma (subió 27 kilos para la película) para interpretar a ese boxeador soberbio, paranoico y violento que en algún momento de su vida se vio en la cumbre de su carrera para luego caer en picada por sus propios vicios. La vida de LaMotta es la del hombre exitoso cuyos impulsos autodestructivos superan su talento, para terminar sepultándose así mismo. LaMotta es de los que pudo vencer a muchos rivales dentro del cuadrilátero, pero fuera de él nunca pudo vencer a nadie, ni siquiera a sí mismo. Mas quien sí venció fue Robert DeNiro cuando se llevó el Oscar en 1981, por acaso la mejor actuación de su carrera.

Ahora que la tenemos de nuevo en el cine en la Sala Cine Arte de UVK Larcomar, no podemos dejar de ver esta biografía triste como la ópera de Pietro Mascagni, cuyas notas acompañan grandes momentos de la película.  No podemos dejar de ver esta obra maestra con mayúsculas, de guión impecable, actuaciones notables (vale destacar a Joe Pesci, quien luego pasaría a colaborar frecuentemente con Scorsese), pero sobretodo de una puesta en escena apasionada. Como luego confesaría el propio Scorsese, una película donde puso todo lo que sabía, todo lo que sentía, como el fin de su carrera. Sí, una película pensada, escrita, rodada y editada como un mismo toro salvaje.

http://www.youtube.com/watch?v=ieLIOBkMgAQ

Ya lejos del Dogma 95 que inició hace casi dos décadas con Lars Von Trier, el danés Thomas Vinterberg se ha sumergido desde hace ya varias películas en una narrativa más clásica. “The Hunt”, película que fue seleccionada en competencia en el Festival de Cannes del año pasado, nos cuenta la historia de un solitario profesor de primaria que pelea por la custodia de su hijo luego de separarse; cuando el proceso esté a punto de volcarse a su favor, una pequeña e ‘inocente’ mentira echará todo a perder: una niña lo acusará de haberla violado. Mads Mikkelsen se alzó con el trofeo al Mejor Actor en la Croisette, y en este primer adelanto del filme podemos ver destellos de su magnífica interpretación.

“Only God Forgives”, de Nicolas Winding Refn

http://www.youtube.com/watch?v=boDgVNxooCE

Esta semana fue anunciada como parte de la Selección Oficial en Competencia del Festival de Cannes, por lo que no se perdió más tiempo para lanzar un nuevo trailer internacional, más salvaje y alocado que el primero. Recordemos que esta es la nueva película de Nicolas Winding Refn (director de “Drive”), de nuevo con Ryan Gosling a la cabeza, esta vez interpretando a un traficante de drogas y experto en el box tailandés que busca venganza luego del asesinato de su hermano. La que parece que se va a robar el show es Kristin Scott Thomas, quien con su “Your brother would have brought me his head on a fucking platter!” me erizó todos los vellos del cuerpo. Algunos comentan que podría llevarse el trofeo a la Mejor Actriz.

“Fill the Void” (Lemale et ha’halal), de Rama Burshtein

http://www.youtube.com/watch?v=a-LyWMbtid0

Esta es la película israelí de la que todo el mundo hablaba el año pasado, el debut como guionista y directora de Rama Burshtein, película ovacionada en el Festival de Venecia donde se alzó con la Copa Vulpi a la Mejor Actriz para Hadas Yaron. Luego de la violencia del trailer anterior, este adelanto es perfecto para calmar los nervios, con un retrato cálido e íntimo de un matrimonio israelí a la fuerza: una chica de 18 años es obligada a casarse con el esposo de su hermana recién fallecida, en una sociedad en la que no tiene opción de decir que no.

“The Hunger Games: Catching Fire”, de Francis Lawrence

http://www.youtube.com/watch?v=IctcdgbksZ4

Nadie esperaba el suceso en taquilla que sería “Los Juegos del Hambre” el año pasado. A pesar del poco presupuesto que puso Lionsgate para su realización, debido al riesgo que significaba invertir en una película sin certezas de retorno, la película consiguió estatus de culto gracias a una historia adolescente agresiva, dura, violenta (gracias “Batalla Real”) y una performance de lujo de Jennifer Lawrence, la nueva engreída de Hollywood. Este primer teaser trailer de la secuela, apurada por el estudio luego del arrollador suceso en ventas de la primera, demuestra que hay muchas más fichas apostadas en el proyecto, con un presupuesto que duplicará el de la primera parte, además de talento de renombre que se une a la franquicia: Philip Seymour Hoffman se roba este trailer, al lado de un Donald Sutherland que parece que conseguirá mayor peso en las secuelas. Todo bien.

“Man of Steel”, de Zack Snyder

http://www.youtube.com/watch?v=OAVuKPFKrNo

No me gustaba la idea de que Zack Snyder fuera quien asumiera la dirección de esta nueva adaptación de la historia de Superman, ya que no soy fan de su trabajo. Si bien “Watchmen” fue una adaptación decente, “300″ y “Sucker Punch” me parecen películas insoportables, en las que la cámara lenta se come cualquier posibilidad narrativa. Sin embargo, parece que Christopher Nolan, el héroe que rescató a Batman y lo colocó en un altar, ha metido suficiente mano como productor y guionista como para que este reboot funcione. Este nuevo adelanto nos muestra lo complejos que serán los conflictos del personaje principal, uno que debe luchar con el no sentirse parte del planeta en el que vive, además de responsable de la destrucción que se le viene encima en manos del villano de antología que promete Michael Shannon. Henry Cavill promete un buen Clark Kent, mientras Kevin Costner asegura un incluso mejor Jonathan Kent.

“Star Trek Into Darkness”, de J.J. Abrams

http://www.youtube.com/watch?v=QAEkuVgt6Aw

Hay una cosa que destacar de este nuevo adelanto de “Star Trek Into Darkness”: Benedict Cumberbatch. Mientras Shannon promete un villano grandilocuente como el General Zod en “Man of Steel”, Cumberbatch prefiere la pasividad solemne a la hora de lanzar amenazas, completamente impávido frente a nuestros héroes. Que gran año va a ser para los villanos en el cine. Este es el blockbuster que más espero del año, por esa habilidad de J.J. Abrams de poner a prueba a grandes grupos humanos. Y es que esta película no sólo es la historia de un Kirk (Chris Pine) en pleno proceso de maduración, sino los efectos que sus decisiones tiene en el grupo humano del que es capitán. Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Alice Eve, Simon Pegg y Anton Yelchin completan un reparto de secundarios de peso, cada uno enfrentando sus propios objetivos y conflictos. La valla dejada por la primera parte es bastante alta; sólo el mismo Abrams podría superarla.

Que gran certamen promete el Festival de Cannes este año. Harto cine de todo el mundo, con nombres que hacen temblar a cualquier cinéfilo. Y no sólo hablamos de la Selección Oficial en competencia, sino también de secciones paralelas y algunas películas que serán exhibidas fuera de competencia. En el siguiente artículo les presento aquellas películas que me generan mayor expectativa, algunas de las cuales ya hemos visto trailers y hartas imágenes, otros proyectos de los cuales sabemos muy poco. La máxima fiesta del cine mundial comienza en menos de un mes y promete dar que hablar.

All is Lost, de J.C. Chandor

El nombre de J.C. Chandor no es del todo conocido aún, pero su popularidad va a ir creciendo con el pasar de los años, van a ver. Debutó en el 2011 con una pequeña joyita de nombre “Margin Call”, seleccionada en el Festival de Berlín, ovacionada en Sundance, multi-premiada por su complejo guión y como ópera prima. Su segundo esfuerzo ha estado dando que hablar desde inicios de año luego de que el único actor del reparto, Robert Redford, asegurara que la película de hora y 40 minutos de duración no tiene ni una línea de diálogo. Esta es la historia de un hombre que tendrá que luchar contra la naturaleza en altamar para sobrevivir. Eso es todo lo que sabemos. Esta película es parte de la competencia oficial.

The Great Gatsby, de Baz Luhrmann

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Baz Luhrmann es un director al que asociamos con extravagancia y excesos. Su carrera es de lo más grandilocuente, con “Romeo + Julieta” y “Moulin Rouge!” como claros ejemplos de lo barroco que puede ser su cine. Es por eso que desde que se anunció que se encargaría de adaptar la clásica novela de F. Scott Fitzgerald, sabíamos que la excentricidad de un personaje como Jay Gatsby le caía como anillo al dedo. Todo lo que hemos visto hasta el momento parece demostrar que Luhrmann ha entendido a la perfección una Norteamérica desequilibrada por la opulencia en plenos años 20s. El reparto no le hace daño a nadie: Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Tobey Maguire, Jason Clarke e Isla Fisher. La película inaugurará el festival, fuera de competencia.

As I Lay Dying, de James Franco

James Franco vuelve a ubicarse detrás de cámaras para dirigir una adaptación de la influyente novela de William Faulkner, “As I Lay Dying”, considerada una de las mejores obras literarias del siglo XX. Franco se ha encargado de adaptar la novela en guión y además será el protagonista de la historia, al lado de amigos como Danny McBride, Tim Blake Nelson y Logan Marshall-Green. Esta es la historia de la muerte de Addie Bundren, la mujer de un humilde granjero de Mississipi, y el intento de la familia de honrar su deseo de ser enterrada con su gente en el pueblo de Jefferson. La película será presentada en la sección paralela Un Certain Regard.

Venus in Fur, de Roman Polanski

Parece que a Roman Polanski le ha gustado la idea de adaptar obras de teatro, ya que hace sólo dos años adaptó “Carnage” de Yasmina Reza y ahora se adentra en el universo creado por David Ives para las tablas en “Venus in Fur”. La producción francesa cuenta con dos actores de peso como Emmanuelle Seigner y Mathieu Amalric, quienes protagonizan una comedia negra cargada de contenido sexual. La historia: un guionista frustrado está en pleno casting de la actriz principal para su nueva obra, hasta que llega una mujer que intentará convencerlo a como de lugar de que es la actriz indicada para el papel. La obra fue nominada en los premios Tony del 2012. La película forma parte de la competencia del certamen.

The Immigrant, de James Gray

James Gray es uno de mis cineastas favoritos, por su habilidad para entramar complejas relaciones interpersonales en sus películas, siendo “Two Lovers” mi favorita personal. Apenas ha hecho cuatro películas: su ópera prima, “Little Odessa”, le valió el León de Plata al Mejor Director en el Festival de Venecia; sus otras tres películas han sido seleccionadas en competencia en el Festival de Cannes. Este año planea estrenar su quinta película de nuevo como aspirante a la Palma de Oro. Este es su primer trabajo de época, la historia de una inmigrante polaca cuyas hermanas quedan atrapadas en la Isla Ellis: por ellas se verá atrapada en un triángulo entre un cabaretero que le ofrece trabajo y un mago que le promete rescatar a sus hermanas. Joaquin Phoenix (caserito del director), Jeremy Renner y Marion Cotillard protagonizan. El director ha confesado que la considera su mejor película a la fecha.

The Bling Ring, de Sofia Coppola

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Desde la película anterior, entramos al terreno de directores “favoritos” personales. Sofia Coppola me ha fascinado desde su ópera prima “Las Vírgenes Suicidas”, hasta la última más contemplativa “Somewhere”, por esa habilidad de acercarse e invadir la intimidad, por la amalgama de colores y sonidos que mezcla en fotografía, diseño de producción y soundtrack a la vez. Es una directora eternamente joven, adolescente, así de alocada y bipolar, así de pop y vibrante. Es por eso que resulta perfecta la historia que elige para su nueva película: la historia de un grupo de adolescentes obsesionados con Hollywood y el estrellato que deciden buscar las mansiones de algunos de sus artistas preferidos y saquearlas. Basada en hechos reales. Emma Watson quiere demostrar que ya no es Hermione. La película será la que inaugure la sección Un Certain Regard del festival.

Behind the Candelabra, de Steven Soderbergh

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Era imposible que fuera de otra forma. La carrera de Steven Soderbergh empezó en Cannes, al alzarse con la Palma de Oro en 1989 por su ópera prima “Sex, Lies, and Videotape”, y ahora terminará de regreso en la Croisette y en competencia con el biopic que ha preparado de Liberace. Terminará, decimos, ya que el director ha anunciado que se alejará del cine luego de este proyecto para dedicarse de lleno a la pintura. Una lástima, perdemos a un grande. Lo curioso de este proyecto, basado en la autobiografía del conocido pianista norteamericano, es que se trata de una película hecha para la televisión, por HBO Films. Todos estamos a la espera de ver al genio encarnado por Michael Douglas, mientras que Matt Damon interpretará a Scott Thorson, su amante.

Le Passé, de Asghar Farhadi

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Asghar Farhadi es el director iraní responsable de la obra maestra del 2011 de título “Una Separación”, que no sólo se alzó con el Oso de Oro en el Festival de Berlín, sino que también se llevó el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Gracias a ella el realizador alcanzó reconocimiento internacional, uno que es cimentado este año al ser seleccionado en competencia en Cannes con su nueva película, una producción filmada entre Italia y Paris. Este es un thriller psicológico que sigue los pasos de un iraní que abandona a su mujer francesa y sus dos hijos para regresar a su país natal. Cuando retorna a Francia para formalizar los papeles del divorcio, descubre que su pareja ha rehecho su vida junto a otro hombre. Bérénice Bejo (“El Artista”), Tahar Rahim (“Un Profeta”) y Ali Mosaffa protagonizan esta historia de harto contenido social, como le gusta al director.

Nebraska, de Alexander Payne

Alexander Payne es un director cuya filmografía está repleta de películas gigantes: “Election”, “About Schmidt” (seleccionada en competencia en Cannes), “Entre Copas” y “Los Descendientes” son todos filmes notables que desmuestran la habilidad de un director maduro, añejo y complejo a la hora de hablar del hombre de al lado, el hombre común. Esta será su segunda vez en competencia en el festival, y nos llevará de regreso a su ciudad natal: “Nebraska”, la cuarta película que graba allí, la primera que lleva de título su nombre, la primera en blanco y negro. Esta es la historia de un hombre alcohólico que cree que ha ganado un millón de dólares en la lotería, y su hijo que debe acompañarlo a recoger el premio, a pesar de mantener ambos una relación complicada. Bruce Dern y Will Forte protagonizan.

Only God Forgives, de Nicolas Winding Refn

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Nicolas Winding Refn se volvió un director de culto con “Drive”, película que presentó en el Festival de Cannes en el 2011 y por la que recibió el trofeo al Mejor Director. Y fama internacional, claro. Es la gran marca que dejó aquella película en la cinefilia mundial la que hace que “Only God Forgives” sea la película más esperada de Cannes de este año por muchos. Ryan Gosling vuelve a ser el anti-héroe a la cabeza de una historia violenta, salvaje e hiper-estilizada. Esta vez nos transportará a la vida nocturna en Bangkok, con la historia de un traficante de drogas y experto en el box tailandés que tendrá que buscar al asesino de su hermano a pedido de su madre. Kristin Scott Thomas interpreta a la mencionada madre, en una terrorífica interpretación que desde ahora le augura trofeo a Mejor Actriz. Ya veremos.

Inside Llewyn Davis, de Ethan & Joel Coen

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Los hermanos Ethan y Joel Coen son mis directores favoritos de toda la vida. Es por eso que su nueva película, a pesar de estar alejada del thriller, el gángster, el western o la comedia absurda que tan bien les sienta, y estar más tirada al melodrama, es la película que más expectativa me genera del certamen de este año. “Inside Llewyn Davis” concentra el interés de los directores en la movida musical del folk de los 60s en Nueva York, una adaptación libre de las memorias del cantante Dave Van Ronk, publicadas bajo el título “The Mayor of MacDougal Street”. Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timberlake, John Goodman, Garrett Hedlund y Adam Driver protagonizan una película que no sólo suena fuerte para los premios principales del Festival de Cannes (siendo ambos caseritos del certamen), sino que desde ahora suena intensa para la próxima temporada de premios y los Óscar. Esta podría ser la segunda Palma de Oro que se lleve el tándem, luego de que la ganaran en 1991 por “Barton Fink”. Ganaron también premios a la Mejor Dirección por “Fargo” y “El hombre que nunca estuvo allí”.

Hay muchas maneras de evaluar “Asu Mare”. Como película comercial, estamos tal vez ante el más logrado esfuerzo en la historia del cine nacional, con una pulcritud superior a las mostradas por “Motor y Motivo”, “El Guachimán” o “Mañana Te Cuento”. Como fenómeno taquillero, estamos ante el más gigantesco monstruo que haya visto nuestra cartelera en su historia, con ningún filme, ya sea nacional o internacional, consiguiendo arrastrar a tanta gente en su primera semana a las salas de cine: más de un millón 37 mil espectadores.

Como fenómeno de marketing, preocupa que tal vez sea un éxito aislado debido a la figura de Carlos Alcántara. Algunos incluso la han aprovechado para exigir una “fiesta nacional” y estereotipar a los cineastas de snobs y envidiosios (robándole la frase a la Chilindrina); otros menos informados han salido a reprobar el apoyo que el Estado le ha dado al cine peruano hasta el momento, oponiéndose al proteccionismo y cuotas de pantalla al decir que “Asu Mare” demuestra que el cine peruano puede estar a la altura y hacerle competencia a Hollywood (¿?) como si una sola película creara una industria. Felizmente el mismo productor del filme, Miguel Valladares, nos ha recordado que él también fue productor de “Casadentro” y que siente que el cine comercial y el “de festival” deben aprender a convivir y ayudarse el uno al otro, con una figura del Estado por encima que defienda a ambos.

Si bien es el mejor esfuerzo comercial en la historia del cine peruano (y esto lo creo en serio), eso no la hace una gran película. Es una comedia que cumple, que entretiene, pero que en el fondo te deja deseando un poco más. Una película con la que sonríes, con la que te emocionas por la proximidad de sus personajes y temas, por sentir que reconoces todas las referencias y chistes que el filme te lanza en la cara. Pero siento que lo que le sobra es moralina, esa voz aleccionadora que narra casi toda la película, que nos habla de “creatividad “ (gracias Inka Cola), de aceptación personal y de lo rico que es pertenecer a una nación diversa (de nada, Marca Perú). Cuando se aleja de estos mensajes y se sumerge en el humor más cotidiano y situacional, la película brilla.

Lo que consigue “Asu Mare” es demostrar que existen cineastas y comediantes que saben manejar el humor en la pantalla gigante, aunque el lastre televisivo se sienta en determinados momentos. Mención aparte a la revelación de la película (revelación en cine, porque en tablas ya ha hecho maravillas): un Andrés Salas que le hace la competencia a Alcántara en cuanto al timing en el humor.

Pero creo que “Asu Mare” importa más por lo que significa como fenómeno, gracias al trío que llevó adelante el proyecto: Alcántara, junto a Valladares y el director Ricardo Maldonado. Que una película peruana se imponga frente al poderío de las majors y haga que algunas super-producciones de Hollywood se corran de ella, postergando sus estrenos, es algo que no tiene precedentes, al menos en varias décadas. El trío detrás de la película entendió muy bien que no sólo bastaba con aprovecharse del fenómeno que ya había sido el unipersonal de Cachín, además de su popularidad universal en nuestro país, así como una intensa, masiva y coordinada campaña de marketing para generar expectativa desde hace más de un año. Se necesitaba también algo que ha faltado sobretodo en el flanco comercial de nuestro cine: buena factura. Con harta cancha en la publicidad, el equipo detrás de la película derrocha prolijidad en todo campo, desde una fotografía cuidada de Abel Irribaren, hasta un trabajo de sonido limpísimo en manos de Rosa María Oliart, un guión solvente de la pluma de Alfonso Santistevan y performances acorde al tono de la película (ni muy televisivas, ni muy contemplativas) de un variopinto reparto repleto de cameos de nariz roja.

Luego del estreno de “La Teta Asustada” en el 2009 creció el prejuicio en el público de que todas las películas peruanas eran de “cine de autor”, cine para mandar a festivales europeos, un prejuicio bastante justificado ya que el gran porcentaje de las películas que llegaban a salas comerciales eran de este tipo. Se trata de un cine valioso, es cierto, pero uno que genera  reticencia en un público masivo  que lo que busca al pagar su entrada al cine es entretenerse. El público le temía a su cine. Creo que “Asu Mare” puede plantear una nueva idea generalizada: la de que el cine peruano puede entretener y ser de “buena calidad” (evaluado a partir de valores de producción y acabado pulcro). Ojo, esto no significa que haya nacido una industria de cine en nuestro país ni mucho menos, ya que el fenómeno difícilmente será repetido en tamaña magnitud en el corto plazo, pero nos indica la necesidad de explorar más en el terreno del género, de la comedia, del policial, del terror (“Cementerio General” tentará éxito el 25 de julio, la primera película peruana de terror estrenada comercialmente a nivel nacional).

El éxito de “Asu Mare” ha hecho que algunos empiecen a atacar el apoyo entregado por el Estado a través de los concursos de Dicine, a dudar del proteccionismo y de una “cuota de pantalla” que ni si quiera está en vigencia. Lo que no entienden estos detractores (y aquellos que del otro extremo atacan la película de Alcántara y el “cine popular”), es que el cine comercial y el cine de autor deben empezar a convivir para crear una cultura cinematográfica en el espectador peruano, una que lo haga ir al cine a consumir sus propias películas sin miedo.

Además, claro, aprender la una de la otra. El gran paso que ha dado “Asu Mare” es el darse cuenta que el público no va a consumir cualquier mamarracho comercial. Este avance a un punto medio también debería llegar desde el otro lado, con autores arriesgándose a hablar desde el género, desde el cine popular. Mientras más se le enseñe al público, más va a exigir también (que es algo que la televisión aún no aprende). Es el fenómeno de los autores que de pronto explotó en Hollywood, con la destreza de Nolan, Tarantino, Scorsese o Affleck poniéndose al servicio de los estudios con películas tanto taquilleras como notables.

“Asu Mare” es una película gigante, sobretodo por lo que significa. Su éxito debería demostrarle tanto a cineastas como público que se puede (y se debe) hacer cine de entretenimiento de calidad en nuestro país. Estamos lejos de un clásico nacional, pero hacia allá nos dirigimos. Es hora de aprovechar el éxito y las posibilidades que este fenómeno ha abierto para empezar a escribir más y mejores películas. Esa es la idea.