“Mirror, mirror, on the wall. Who’s the fairest of them all?”
“You, my queen, are fairest of all”

El oficio de hacer cine hoy en día, dominado por una sed insaciable de negocio de los grandes estudios de Hollywood, está en una constante búsqueda de tendencias para continuar perennizando un negocio que factura billones de dólares a nivel mundial anualmente. Y mientras en el 2008 el éxito internacional de Iron Man fue el gestor de la avalancha de películas de superhéroes que nos llegaron los años siguientes, los recientes esfuerzos en el subgénero han demostrado una vez más que los formatos se agotan muy fácilmente con el espectador, con empinadas caídas en cifras de recaudación, claro que también debido al estancamiento creativo al respecto. Se ha buscado, por un lado, copiar viñeta por viñeta a la pantalla grande para satisfacer a los fanáticos previos, mientras por el otro se intenta simplificar (y alargar) los hilos narrativos para atraer a un espectador ajeno al material original, y conseguir por lo menos facturar una trilogía.

Thor y Capitán América el año pasado, a pesar de esfuerzos monetarios decentes, no reventaron las taquillas internacionales como los ejecutivos esperaban. Hay un intento de volver ‘adultas’ las historias de superhéroes, como en los casos de las versiones de Batman que ha estrenado Christopher Nolan, camino que ahora seguirá Spiderman con su reboot; pero el fracaso de Watchmen y el margen de ganancia mínimo que consiguió X-Men: First Class parece indicar que en general los superhéroes empiezan a pasar de moda, a pesar de ser la última una de las mejores películas del 2011. Igual la Marvel intentará recobrar algo de interés este año con The Avengers, mientras el final de la trilogía de Batman de Nolan con The Dark Knight Rises intentará demostrar una vez más porqué está muy por encima de la simplona categoría de ‘superhéroe’.

Frente a una tendencia de por más exprimida, los estudios empezaron a buscar su nueva vaquita a ordeñar en los próximos años. Y encontraron su respuesta en el gran suceso del 2010: el éxito de la adaptación de Tim Burton de Alicia en el País de las Maravillas (a pesar de su rechazo unánime de parte de la crítica, paradójicamente). La nueva gallina de los huevos de oro: los cuentos de hadas. (No puedo dejar de mencionar que hay otra gran tendencia reciente, que es la del falso-documental, pero eso ya tiene que ver más con forma que contenido y debería ser tema de otro post completo).

Mientras hay por lo menos una decena de este tipo de producciones, desde el fallido intento el año pasado de revitalizar la historia de la Caperucita Roja en Red Riding Hood, de Catherine Hardwicke, pasando por el proyecto de Disney de llevar la historia de Maléfica en un spin off de La Bella Durmiente en manos de Tim Burton (proximamente), hasta llegar a esfuerzos televisivos en series como Grimm y Once Upon a Time, parece que los cuentos infantiles clásicos están de moda de nuevo, claro que con lecturas más modernas, realistas y hasta violentas en determinados casos. Incluso Pixar ha sucumbido a la tendencia, con el pronto estreno de Brave, la primera película de princesas y fábulas en la historia del estudio.

Pero hay una historia en particular que desató una guerra entre estudios por hacerse con los derechos, y una carrera por estrenar sus películas primero, para así robarse a un público atento y ávido de descubrir el porqué del barullo. La historia de Blancanieves y sus siete enanitos será llevada a la pantalla grande en dos oportunidades este año, desde puntos de vista y géneros muy diferentes.

La primera en estrenarse, el 30 de marzo en los EEUU, y justamente el proyecto más interesante de ambos, es Mirror Mirror, una clara alusión a la conocidísima conversación que sostiene la malvada Reina con su espejo ( “Espejito, espejito, ¿quién es la más bella del mundo?” ). Relativity Media es el estudio responsable de su realización y distribución, y se trata de una productora independiente bastante modesta que funciona desde el 2007, pero recién desde el 2010 distribuye filmes propios a nivel nacional en los EEUU (hasta entonces sólo colaboraba en producción, con estudios más grandes). Tarsem Singh, encargado de la dirección de la película, es un director de visión bastante particular, preocupado por la estética más que por el contenido o narrativa, responsable de filmes tan bizarros como The Cell o The Fall, apreciados por cinéfilos de cineclub, pero ignoradas por el público masivo.

La unión de Relativity y Tarsem Singh resultó en uno de los más curiosos sucesos del año pasado: Immortals, una película de corte ‘arte’ que sorprendió al recaudar 216.3 millones de dólares alrededor del mundo, a la vez de ser bien aceptada por la crítica. Esas son las dos variantes que hacen a Mirror Mirror un proyecto interesante: un estudio modesto, pero en crecimiento, que está en busca de conceptos novedosos para atraer a un flanco del público masivo curioso, y la presencia de un director preocupado por el look, por la dirección de arte, las paletas de colores y la fotografía, en una película que desde el primer trailer pinta tanto elaborada en cuanto a estética, como excéntrica por sus personajes, y apegada a formatos de comedia y fantasía ligeros. Las imágenes que presenta son espectaculares. El reparto lo componen Lily Collins, Julia Roberts, Armie Hammer, Sean Bean y Nathan Lane, y ajusta talento suficiente para generar interés tanto de un público masivo, como uno más especializado.

El segundo proyecto es el más anodino para mi, el más obvio y básico, y viene de la mano de una major como Universal Pictures. El concepto consiste llevar la clásica historia de Blancanieves al terreno de lo épico, de la acción a gran escala, volver ‘realista’ una historia llena de magia y criaturas fantástica, de oscurecer una fábula infantil para tornarla adulta, aunque su público objetivo al final vaya a ser uno adolescente; la película también se apega a la feminización del héroe en los últimos años, al volver a Blancanieves una guerrera de escudo y espada. Es así que se nuestra heroína  se unirá a un cazador/cazarecompensas del reino para juntar un ejército y enfrentar a la malvada Reina y sus malvados planes de inmortalizar su reinado. La realización del filme está a cargo del desconocido Rupert Sanders, quien debuta en la dirección con este esfuerzo, mientras Evan Spiliotopoulos (responsable de secuelas de Disney estrenadas en DVD) y Evan Daugherty (desconocido) se encargan del guión. Sólo anima la presencia de Hossein Amini, quien estuvo detrás del guión de la mejor película del año pasado, Drive; aquí se encargó de revisar el guión de la película antes de ser enviado al estudio.

El reparto calza con el demográfico adolescente y masculino adulto al que quiere llegar la película. Kristen Steward hará que la chibolada Twilight llene las salas, encarnando a una Blancanieves versión warrior. Y si alguna se escapa, la presencia de Chris Hemsworth y una obligada aparición shirtless atraerá al flanco femenino restante. La acción por sí sola se encargará de jalar al demográfico masculino. Charlize Theron será la villana, y está entre los únicos atractivos de peso en esta película, con unas performance que desde el trailer hipnotiza (Steward, por cierto, no gesticula ni una palabra en el adelanto). Otro punto alto de esta adaptación sería el elenco de enanos, compuesto por Ian McShane, Bob Hoskins, Toby Jones, Brian Gleeson, Ray Winstone y Nick Frost. Esta versión se estrenará el 1ero de junio en los EEUU, en plena temporada de blockbusters, el verano norteamericano.

Tendremos que esperar y ver ambas versiones para sacar conclusiones al respecto, y para saber cuál de las dos resulta airosa por vox populi: será la taquilla al final la que defina el futuro de las historias basadas en cuentos infantiles, y hacia dónde va esta tendencia aún incipiente.

Un Zoológico en Casa (We Bought a Zoo, 2011) es la última producción que dirige Cameron Crowe, quien esta vez presenta un filme de corte familiar, quebrando con una tradición más adulta en su filmografía previa. La película es una adaptación del libro del mismo título, las memorias reales del escritor Benjamin Mee. Benjamin (Matt Damon) acaba de perder a su esposa, y luego de que su hijo mayor es expulsado del colegio decide mudarse a una casa nueva, ubicada en un zoológico inactivo. Lamentablemente, a nuestro país solo ha  llegado la versión doblada al español, así que habrá que contentarse con eso o esperar al lanzamiento del DVD.

El tema principal de la película no es la compra y rehabilitación del zoológico, sino la superación de la muerte de la esposa de Mee, y madre de sus hijos. Lo cierto es que al ser una película familiar las emociones se ven simplificadas y constantemente puestas en evidencia a través de la interacción con los animales, quienes sirven de una suerte de metáfora sobre la situación emocional de los diferentes personajes. El duelo es el hilo conductor de todo el filme, la compra del zoológico es una herramienta para ejemplificarlo.

Ese es el principal motivo por el cual Crowe no se preocupa mucho por hacer del proceso de adquisición del zoológico un evento realista. Si la historia principal fuera el zoológico, entonces la narrativa se hubiera apegado más a explicar algunos detalles que hicieran verosímil la historia, como que en verdad le tomó a Mee casi dos años comprar el lugar luego de que fuera rechazado por falta de experiencia en el campo, entre otros detalles pasados superficialmente. En general, todo ocurre muy fácil en la película, los protagonistas no tienen mayores retos relacionados al zoológico, más que simples obstáculos. Cada vez que se presenta un conflicto es solucionado al instante, y no hay una verdadera sensación de tensión sobre si lograrán que les den el permiso para reabrir el zoológico o no. Ese no es el propósito del filme, es cierto, pero aquí está tal vez uno de sus puntos más débiles.

En todas las películas familiares hay enseñanzas y moralejas claras, y para llegar a ello en el filme se recurre a una serie de eventos azucarados y melodramáticos para aderezar el mensaje. Eso es algo que Un Zoológico en Casa  logra manejar relativamente bien. Por supuesto que presenta una amplia cuota de clichés y sacarina, pero dado el tema y el contexto, no se trata de una dosis tan alta como pudo llegar a ser en las manos equivocadas. Cameron Crowe logra contenerse en cierta manera, para evitar llegar a la pomposidad. Su idea es crear una película llena de esperanza, que sirve para hacer entender a un público infantil la pérdida de alguien importante, y que a pesar de el tremendo hoyo emocional que ello puede significar, la vida continúa.

Sorprende ver a Matt Damon en este rol, al ser un actor mucho más conocido por dramas y thrillers políticos, personajes más oscuros y desperanzados. Damon hace lo mejor que puede con el personaje y el parlamento que se le entrega, logrando cumplir con la tarea. Más que eso: es él quien levanta la película y la hace más pasable de lo que hubiera sido con otro actor, uno menos hábil. Tomemos en cuenta que una opción inicial para interpretar a Bejamin Mee fue Ben Stiller, y no creo que él hubiera podido sostener todo el peso emocional del filme. Scarlett Johansson es otra presencia importante en el filme, en su papel de guardiana del zoológico, compartiendo pantalla con Damon en una de las más sinceras y desconsoladoras escenas de la película, en la que Mee confiesa que no puede dejar ir a su esposa a pesar de todo. Ambos son los dos pesos pesados del filme, lo mejor de la película en cierto modo.

Un Zoológico en Casa es una película que no está hecha para ganar premios ni congraciarse con la crítica, pero decepciona un poco al tomar en cuenta la trayectoria del director (al menos, su etapa inicial) y sus protagonistas. En realidad la película debe tomarse por lo que es, o lo que pretende ser: una película familiar que deja un mensaje importante a aquellos que están dispuestos a superar el empalague narrativo.

Si existen dos categorías que parecen estar decididas desde el momento que fueron anunciadas, esas son las de performances de reparto. Hay dudas todavía en torno a la posibilidad de que Viola Davis le gane a Meryl Streep, de que Jean Dujardin le de una victoria más a The Artist por encima de George Clooney, o de que Hugo o The Descendants logren arrebatarle un tan voceado (y aburrido) premio a The Artist, cuyo favoritismo hace que el juego ya no sea divertido. Pero es casi imposible pensar que Christopher Plummer y Octavia Spencer no se alzarán con las estatuillas a Mejor Actor y Actriz de Reparto respectivamente el próximo 26 de febrero.

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Cinco nominados, cuatro basados en personajes reales, dos en sus 80s esperando un reconocimiento a una carrera, un indiscutible favorito.

El octogenario Christopher Plummer jamás ha sido reconocido por la Academia, y lo que sorprende más aún es que apenas ha sido nominado en dos ocasiones (contando la de este año). El recordado Capitán Georg von Trapp de La Novicia Rebelde en 1965, o Sir Charles Lytton en El Regreso de la Pantera Rosa en 1975, ha tenido cerca de seis décadas de constante trabajo, en los últimos años resaltando por su trabajo en películas como El Imaginario del Doctor Parnassus, de Terry Gilliam, o La Última Estación, por la que fue nominado al Oscar en el año 2010. Este año por fin ha conseguido un reconocimiento unánime, y es que no hay casi Asociación de Críticos en los EEUU que no haya considerado su performance secundaria en Beginners la mejor del año. Se ha alzado con el Globo de Oro, se ha llevado el SAG, es casi seguro que se llevará el BAFTA el próximo 12 de febrero, y es imposible pensar que no repetirá el plato con los Oscar. Este trofeo huele tanto a premio por una actuación particular como el reconocimiento a una carrera de una leyenda viviente, un aplauso tardío, tal vez, pero necesario. El poco aprecio que ha tenido Beginners en la temporada de premios en general (apenas si tiene una nominación al Oscar, que es justamente esta), llamada por un sector amplio de la crítica especializada ‘uno de los filmes más subvalorados del año’, hace que el trofeo a Plummer sea ese atisbo de rectificación general con la película también.

Dentro de la categoría no hay actor alguno que pueda arrebatarle el triunfo. Kenneth Branagh y su participación en My Week with Mailyn es la opción inglesa que siempre aparece en la categoría, y  si bien ha conseguido un par de premios por su encarnación de Sir Laurence Olivier, se trata de premios entregados por un sector británico, minoritario en las votaciones finales de la Academia. Jonah Hill es la sorpresa y underdog de la categoría, aplaudido unánimemente con nominaciones para una performance revelación en Moneyball, pero todos a la vez acordando que aún no es su momento, que no es lo suficiente, acumulando cero victorias en lo que va de la temporada de premios. La situación de Nick Nolte y su performance en Warrior es algo parecida en tanto a cantidad de nominaciones, pero apenas un triunfo, aunque en su caso también viene ligado a una reivindicación, algo de aprecio a una carrera de perfil bajo, pero notable.

La situación de Max Von Sydow es un poco distinta. Extremely Loud & Incredibly Close, película por la cual está nominado, se estrenó tardíamente en los EEUU, por lo que su carrera por la primera mitad de la temporada de premios fue inexistente. Su presencia recién suena a partir de la nominación al Oscar, pero lo hace fuerte, sobretodo luego de que el filme haya resultado decepcionante para la crítica especializada, lo que ha hecho que de un todo mediocre, la performance de Von Sydow haya brillado mucho más fuerte. El caso de Sydow es muy parecido al de Plummer: el recordado Antonius Block de El Séptimo Sello de Ingmar Bergman, Jesús de La Historia Más Grande Jamás Contada (insoportablemente repetida en Semana Santa) o el Padre Merrin del clásico de terror, El Exorcista, jamás ha sido premiado por la Academia a pesar de seis décadas de carrera llena de entrañables personajes. Su nominación resultó toda una sorpresa, acompañada de la de Mejor Película para Extremely Loud & Incredibly Close. En las últimas semanas se ha convertido en el dark horse de la competencia, tal vez el único que podría arrebatarle el triunfo a Plummer, aunque sea remota la posibilidad aún.

Pasando a hablar de los omitidos en la categoría, había alguien que sí podía hacerle dura la competencia a Plummer, pero que fue fastidiosamente obviado por la Academia. La performance de Albert Brooks en Drive ha sido aplaudida y premiada en cuanto festival ha pasado el filme, sumando un total de 12 premios en la temporada; la Academia obvia sin motivos a una película tan alabada como Drive, considerada por muchas Asociaciones de Críticos incluso como la mejor película del 2011. Presencias que se vocearon para la categoría y no ingresaron incluyen a John Hawkes por Martha Marcy May Marlene, Patton Oswalt por Young Adult, Viggo Mortensen por A Dangerous Method, Armie Hammer por J. Edgar y Ezra Miller por We Need to Talk About Kevin. También se vislumbraba la posibilidad de marcar un hito en la historia de la Academia, nominando a Andy Serkis por un motion capture performance en Rise of the Planet of the Apes, pero no sucedió.

KENNETH BRANAGH

Película: My Week with Marilyn
Personaje: Sir Laurence Olivier, celebrado actor y director inglés que verá su paciencia puesta a prueba por Marilyn, su co-protagonista y estrella.
Etiqueta: El inglés
Premios:
- Premio del Círculo de Críticos de Londres al Mejor Actor Secundario.
- Variety Award de parte de los Premios al Cine Británico Independiente.
- Otras nueve nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Director en 1990 por Henry V.
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1990 por Henry V.
- Nominado a Mejor Cortometraje (Live Action) en 1993, por Swan Song.
- Nominado a Mejor Guión Adaptado en 1997 por Hamlet.
- Esta es su quinta nominación.

JONAH HILL

Película: El Juego de la Fortuna (Moneyball)
Personaje: Peter Brand, el asistente del gerente general del Oakland Athletics, que ayuda a su jefe a implementar un conroversial nuevo plan para mejorar el equipo.
Etiqueta: El underdog
Premios:
- Cinco nominaciones por el papel (ningún trofeo todavía)
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

NICK NOLTE

Película: Warrior
Personaje: Paddy Conlon, un alcohólico en recuperación que acepta entrenar a su hijo resentido para una competencia de artes marciales combinadas.
Etiqueta: El homenaje
Premios:
- Premio de la Sociedad de Críticos de San Diego a Mejor Actor Secundario
- Otras cinco nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1992 por The Prince of Tides.
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1999 por Affliction.
- Esta es su tercera nominación.

CHRISTOPHER PLUMMER

Película: Beginners
Personaje: Hal, un hombre anciano que decide abrazar de una vez por todas su sexualidad y vivir una vida homosexual abierta.
Etiqueta: El favorito
Premios:
- Globo de Oro al Mejor Actor Secundario
- SAG Award al Mejor Actor de Reparto.
- Premio del Broadcast Film Critics Association al Mejor Actor de Reparto.
- Premio de la Asociación de Críticos de Central Ohio a Mejor Actor Secundario
- Premio de la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth a Mejor Actor Secundario
- Premio al Mejor Actor Secundario en el Festival de Cine de Hollywood.
- Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a Mejor Actor Secundario
- Premio del National Board of Review a Mejor Actor Secundario
- Segundo puesto del premio de la Asociación de Críticos de Nueva York a Mejor Actor Secundario
- Segundo puesto del premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine a Mejor Actor Secundario
- Premio de la Sociedad de Críticos de Cine Online a a Mejor Actor Secundario
- Premio de la Sociedad de Críticos de Phoenix a Mejor Actor Secundario
- Premio del Southeastern Film Critics Association al Mejor Actor Secundario
- Premio de la Asociación de Críticos de Toronto a Mejor Actor Secundario
- Otras ocho nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Actor Secundario en el 2010 por The Last Station.
- Esta es su segunda nominación.

MAX VON SYDOW

Película: Exttremely Loud & Incredibly Close
Personaje: El Prestamista, un hombre anciano y mudo que decide acompañar a un joven en una búsqueda por la ciudad de Nueva York.
Etiqueta: El dark horse
Premios:
- Segundo puesto del premio de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston a Mejor Actor Secundario
- Tercer puesto del premio de la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth a Mejor Actor Secundario
- Una nominación más por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1989 por Pelle, The Conqueror
- Esta es su segunda nominación.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Cinco nominadas, cuatro con la primera nominación en su carrera a los premios de la Academia, dos favoritas, curiosamente de una misma película, y una con todas las de ganar.

Si bien no es la más premiada de la categoría, Octavia Spencer ha acumulado los premios que debía conseguir para ser la favorita indiscutible: el Globo de Oro y el Screen Actor Guild Award (SAG) a la Mejor Actriz de Reparto por su performance en la película The Help. Spencer ha tenido una larga carrera actoral en series de (generalmente) comedia en los EEUU, recordadaa sobretodo por el papel de Constance Grady en la versión norteamericana de Betty la Fea. Su paso por el cine empezó bastante desafortunado, recién cogiendo algo de aprecio de la industria y de autores más reconocidos luego de que Sam Raimi la llamara para Drag me to Hell, y Joe Wright la incluyera en El Solista. Este es el primer papel por el que jamás haya recibido laurel alguno (ni si quiera en épocas televisivas de éxito consiguió reconocimiento en premiaciones), y esa fachada de underdog ha hecho que en el último mes se posicionara como la front-runner. Hay harta empatía con la película y sobretodo con su reparto. Y considerando la temática racial del filme, la reivindicación de la gente ‘de color’ hace que Spencer tenga todas las de ganar en la categoría, luego de que otra actriz afroamericana del filme, Viola Davis, tenga todas las de perder en la categoría de Mejor Actriz frente a Meryl Streep (aunque eso no es seguro tampoco). El ser el personaje más memorable de la película (¿quién no salió hablando de los famosos pies de chocolate de Minny Jackson?) también ayuda a la hora de la votación.

Pero de cerca, la indiscutible favorita de la crítica especializada es Jessica Chastain. Un nombre que tal vez en este lado del mundo aún suene poco (apenas si se ha estrenado en Lima una película en la que ha participado, este año llega el resto), pero en los EEUU se ha coronado como la artista revelación del 2011. Luego de tener breves apariciones en televisión desde el 2004, y particpar en pequeñas películas con malos resultados tanto monetarios como en recepción de la crítica, el año pasado ha participado en siete diferentes películas, que incluyen la ganadora de la Palma de Oro de Cannes, Tree of Life de Terrence Mallick; la favorita indie de la temporada, Take Shelter de Jeff Nichols; el segundo esfuerzo de Al Pacino en dirección, Wilde Salome; el debut de Ralph Fiennes detrás de cámaras en Coriolanus; entre otras, incluida por la que es nominada en la categoría, The Help. Sorprendente que una artista totalmente desconocida hace un año, se haya paseado todo el 2011 por cuanto festival de cine existe en el mundo, con una variedad de registros en sus interpretaciones (desde lo más caricaturesco en The Help, a lo más etéreo en Tree of Life, a lo genérico de acción en The Debt) que la consolida como una actriz versátil e importante a seguir en los próximos años. Es además la actriz que más premios ha recibido este año, y no sólo hablo de actrices secundarias, sino en general. Si es que llegara a ganar, no sería tanto por el personaje de Celia Foote que interpreta en The Help, que de por sí ya es extraordinario, sino por una trayectoria magnífica en un lapso de apenas doce meses. Ella es mi favorita personal, al menos.

El resto de las nominadas no tiene posibilidades. La argentina Bérénice Béjo es de esas nominaciones para inflar a The Artist, ya que para la Academia más siempre va a ser mejor, y es imposible ver ganar a una película con sólo dos o tres nominaciones. Janet McTeer recibe un merecido reconocimiento a una trayectoria de más de tres décadas, y eso es suficiente, considerando que es imposible que gane. El caso de Melissa McCarthy es particular, a pesar de ser imposible que gane: es la actriz de comedia más querida en los EEUU actualmente, recordada por su participación en Gilmore Girls, y aún en el aire en el sitcom Mike & Molly. Jamás logré entender porqué tanta fascinación con la actriz, hasta que vi Bridesmaids y respaldo totalmente la nominación y el fanatismo con ella: su interpretación de Megan es tal vez lo mejor de la película, el punto del climax en hilaridad, la versión femenina del Alan (Zach Galifianakis) de The Hangover. Importante también que una actriz en una comedia norteamericana gruesa consiga una mención en una ceremonia que usualmente se limita a dramas y comedias más intelectuales.

De las obviadas en la categoría, duele no ver a Shailene Woodley por una performance revelación en The Descendants, premiada por nueve asociaciones de críticos en los EEUU, además de acaparar nominaciones en cuanta premiación de la temporada pudiera. Algunos críticos esperaban ver a Jessica Chastain nominada por alguna otra de sus performances también, tal vez por The Tree of Life o Take Shelter, pero conseguir una es suficiente. Otra importante ausencia en la categoría es la de Carey Mulligan que conquistó Cannes y Venecia con su actuación en Drive y Shame respectivamente, ambas películas ignoradas casi por completo por los Oscar (Drive sólo tiene una nominación en categoría técnica, Shame no consigue ninguna).

BÉRÉNICE BEJO

Película: The Artist
Personaje: Peppy Miller, un extra de Hollywood que se enamora de una estrella del cine mudo.
Etiqueta: La underdog
Premios:
- Premio Capri, Hollywood, a la Mejor Actriz del Año
- Segundo puesto del premio de la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth a Mejor Actriz Secundaria.
- Premio Spotlight en el Festival de Hollywood
- Premio de la Sociedad de Críticos de Phoenix a Mejor Actriz Secundaria.
- Otras seis nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

JESSICA CHASTAIN

Película: Historias Cruzadas (The Help)
Personaje: Celia Foote, una mujer que ha escalado de status social al casarse con un hombre adinerado que debe ocultar su pasado de clase obrera.
Etiqueta: La dark horse / critic favorite
Premios:
- Premio de la Asociación de Críticos de Austin a la Actriz Revelación del Año.
- Premio de la Asociación de Críticos de Central Ohio al Actor del Año, segundo puesto en Artista Revelación.
- Premio en el Festival de Hollywood a la Actriz del Año.
- Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio del Círculo de Críticos de Nueva York a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio a la Actriz de Reparto y Actriz Revelación del Online Film Critics Society
- Premio Especial de la Sociedad de Críticos de San Diego por el trabajo realizado en el año
- Premio del Círculo de Críticos de Vancouver a la Mejor Actriz Secundaria
- Otras diez nominaciones por el papel
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

MELISSA MCCARTHY

Película: Damas en Guerra (Bridesmaids)
Personaje: Megan, una joven mujer habladora y agresiva que es una de las damas de honor en la próxima boda de su hermano.
Etiqueta: La comediante / sorpresa
Premios:
- Premio de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio de la Sociedad de Críticos de Cine de Las Vegas a la Mejor Actriz de Reparto.
- Otras quince nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

JANET MCTEER

Película: Albert Nobbs
Personaje: Hubert Page, una pintora que oculta su identidad femenina debajo de atuendos masculinos y al lado de una esposa que cose vestidos.
Etiqueta: El homenaje
Premios:
- Premio del Southeastern Film Critics Association a Mejor Actriz de Reparto.
- Segundo puesto del premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a Mejor Actriz de Reparto.
- Otras cinco nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominada a Mejor Actriz Principal en el 2000, por Tumbleweeds.
- Esta es su segunda nominación.

OCTAVIA SPENCER

Película: Historias Cruzadas (The Help)
Personaje: Minny Jackson, una empleada afro-americana que pierde su trabajo en una casa de familia influyente para llegar a atender a una mujer recién adaptándose a las reglas de su status.
Etiqueta: La favorita
Premios:
- Premio del Broadcast Film Critics Association a la Mejor Actriz de Reparto.
- Tercer lugar del premio de la Asociación de Críticos de Cine de Dallas-Fort Worth a la Mejor Actriz de Reparto.
- Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio del Festival Internacional de Cine de Palm Springs a la Actriz Revelación del Año.
- Premio SAG (Screen Actor Guild) a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio de la Asociación de Críticos de Washington DC a la Mejor Actriz de Reparto.
- Otras once nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

En la historia de Hollywood han tenido una presencia constante las películas que en inglés son referidas como feel-good movies. Son aquellas en las que personajes empáticos viven momentos difíciles y atraviesan adversidades de las cuales deben salir victoriosos al final. Usualmente son melodramas de superación, con un cierto tono de reclamo social, con suficientes elementos de humor para equilibrar el drama, cuyo público no está limitado por un género o edad en particular, sino que alcanza a todos por igual. Como lo indica el término, son películas que generan en el espectador sentimientos de satisfacción al finalizar la historia, una sensación de esperanza y bienestar a quien la ve; es por ello que su producción fue creciente durante la gran depresión de los años 30 en los Estados Unidos, así como en momentos de guerra o de incertidumbre colectiva más reciente. Es además el tipo de película preferido por los Premios de la Academia, ya que anualmente se puede ver por lo menos un par en sus filas.

Este año es el turno de The Help. El filme se ubica en los años 60, durante el llamado Movimiento por los Derechos Civiles en los Estados Unidos, y se centra en las relaciones entre las damas de sociedad y las mujeres de color que trabajaban para ellas y criaban a sus niños. Eugenia ‘Skeeter’ Phelan (Emma Stone) busca mostrar la dura realidad de las empleadas del hogar afroamericanas con la ayuda de dos de ellas: Aibileen Clark (Viola Davis, nominada al Oscar a Mejor Actriz por este papel) y Minny Jackson (Octavia Spencer, igualmente nominada y favorita en la categoría de Actriz de Reparto).

Dado que la historia gira alrededor de temas relacionados con el hogar, el buen comportamiento y las relaciones sociales, y al estar situado en los 60s, no resulta del todo sorprendente que el elenco principal sea completamente femenino. Los únicos personajes masculinos que cobran cierta importancia son el de Stuart (Chris Lowell), interés amoroso de Skeeter, sin mayor aporte al desarrollo de la película; y el de Johnny (Mike Vogel) esposo de Celia Foote, y el responsable de que una mujer de clase trabajadora ascienda a una vida más acomodada, sin todavía calzar bien en este mundo lleno de apariencias.

Lo mejor de The Help son sin duda sus interpretaciones. Viola Davis es notable: la conexión emocional que tiene con el personaje es natural desde la primera escena en la que es entrevistada por Skeeter. Muchas veces se valoran más las performances de personajes con carácter histriónico, que gritan, lloran o se enfurecen, quizás un trabajo más obvio;  yo aprecio más las actuaciones cargadas de sutilezas, en las que notas que el actor se transforma en el personaje con cada gesto, postura o movimiento, por encima de las palabras, aún estando en un segundo término en el encuadre, aún cuando el centro de atención no está en él, cuando controla desde la forma en que camina, hasta la forma en que parpadea. Davis interpreta a un personaje casi siempre sumiso, y lo hace a la perfección.

Por otro lado está Octavia Spencer, quien se ha robado la atención de todo mundo. Su personaje es parte de un fenómeno que se encuentra en todas las feel-good movies: el del comic relief, el personaje que ingresa a escena para romper la tensión dramática con humor. Minny ofrece eso a lo largo de toda la película por medio de frases o simples miradas reprobatorias. Esto llega a desmerecer un poco al personaje, porque lo lleva a la frontera del estereotipo y le quita realismo. Minny resulta mucho más interesante cuando se muestra su relación con Celia Foote (Jessica Chastain), porque apreciamos otros matices más profundos, cubiertos tal vez por su altanería y constante mofa. El gran descubrimiento de la película es justamente el de Jessica Chastain en su interpretación de Celia. La actriz desborda carisma, uno que logra poner al público de su lado incluso cuando hace el ridículo o se muestra en sus cuadros más oscuros. Chastain sabe compensar su ligereza con escenas dramáticas convincentes que muestran las inseguridades y dolencias más íntimas de su personaje.

Ese es uno de los principales fuertes de The Help: personajes con varias dimensiones y de avances redondos. Aibileen no es solo una empleada sumisa, debe luego abrazar una cruzada de manera fuerte y decidida; Minny no sólo es una mujer de insultos ingeniosos, también es una mujer incapaz de huir de una realidad familiar violenta; Hilly Holbrook además de ser un monstruo clasista, mantiene un interés genuino por sus amigas: “No voy a dejar que te pierdas de esto sólo porque tu madre te convenció de que no eres lo suficientemente buena para alguien”.

Hablando de Hilly, la especie de antagonista de la película, su interpretación está a cargo de la actriz Bryce Dallas Howard, en el que es tal vez uno de los mejores papeles de su carrera y una de aquellas primeras veces en las que veo a un personaje y no a la actriz. Sin embargo, Howard, junto con Emma Stone, se ven opacadas por las interpretaciones de Davis, Spencer y Chastain, convirtiéndose en los puntos bajos del filme.

Lo que menos me gusta de The Help es el tono casi ‘caricatura’ que se le da al tratamiento de la historia. La época retratada es una de las más vergonzosas y fundamentales del siglo XX, y siento que por momentos no se la toma con la importancia que debería; sólo en contadas escenas se siente el verdadero pavor con el que se vivía siendo de raza afroamericana en la época, como aquella terrorífica escena en la que Aibileen corre (y cae) luego del asesinato de un negro por el KKK.

Hay cierta condescendencia también hacia la raza afroamericana en general, mostrando que todos sus problemas se ven relacionados a los blancos, o lo que los blancos hacen, y aunque es cierto que ellos pueden ser los causantes directos (o indirectos) de la mayoría de ellos, no representan los únicos problemas de una sociedad minoritaria: el maltrato doméstico es el único ‘otro lado’ que se muestra en el filme, y es tratado con ligereza. Se trata de una película hecha desde el punto de vista de los blancos, aquellos que los pusieron en esa situación, pero también los únicos que puede rescatarlos. Sin la ayuda de una mujer blanca de clase alta, las dos mujeres de raza negra no hubieran podido salir victoriosas. Aunque resulta interesante, es cierto, ver cómo la víctima rehúsa dejar de serlo, intentando mantener un status quo no tanto porque le gusta vivir en él, sino porque teme que las cosas se pongan peor.

En líneas generales The Help es una buena película, de momentos clichés y melodramáticos, pero con el suficiente equilibrio como para no caer empalagosa ni excesivamente manipuladora como otras de su estilo. Esta es, sin lugar a dudas, la feel-good movie de la temporada de premios de este año, con todos los altos y bajos que ello signifique.

Este año, el Oscar a Mejor Banda Sonora es una categoría en que se pueden destacar diversos hechos interesantes, con sorpresas y ausencias. A primera vista, llama la atención que en esta ocasión el premio sea disputado por cuatro compositores de diferente nacionalidad: un francés, Ludovic Bource; un estadounidense, John Williams; un canadiense, Howard Shore; y un español, Alberto Iglesias, por sus trabajos en cinco filmes de diferentes estilos: una cinta animada, una de corte familiar, una película muda, un thriller de suspenso y un drama bélico. Todo ello significa una interesante diversidad de atmósferas que aporta a la competencia por la estatuilla.

El gran favorito para la noche del 26 de febrero es, sin lugar a duda, Ludovic Bource y su trabajo en The Artist. La cinta muda de Michel Hazanavicius no sólo es la que más posibilidades tiene de llevarse el título de Mejor Película este año, sino que esto arrastra la posibilidad de llevarse también otros triunfos de sus 8 nominaciones, ya que un Best Picture no puede llegar al trofeo principal con las manos vacías. Bource ha ganado en 5 diferentes premiaciones este año por su trabajo en la cinta, el Globo de Oro incluido, además de parte de diversas Asociaciones de Críticos. Tal vez su gran mérito esté en una doble función que cumple la banda sonora, ya que se trata no sólo de una cinta muda, sino de un musical, lo cual le otorga un mayor peso y favoritismo. Siguiéndole los pasos de cerca está el veterano John Williams, quien sorprende al ser nominado por su labor en dos cintas: Las Aventuras de Tintin y War Horse. Williams, un viejo colaborador de Steve Spielberg, se ha llevado múltiples reconocimientos a lo largo de su carrera, ha sido nominado cerca de cincuenta veces al Oscar (en más de una ocasión por dos soundtracks por año), consiguiendo el trofeo en cinco ocasiones, por sus recordados trabajos en Star Wars, Tiburón, Fiddler on the Roof, E.T el Extraterrestre y La Lista de Schindler. Este podría ser el año en que se reivindique, luego de más de una década sin ganar, sobre todo por su delicado trabajo en War Horse.

También presentes en la categoría están Howard Shore por Hugo y Alberto Iglesias por Tinker Tailor Soldier Spy. El primero, recordado por su excelente trabajo en la trilogía de El Señor de los Anillos, el cual le valió tres premios Oscar, ha sido nominado anteriormente también al Grammy y los Globos de Oro en más de una ocasión por cintas como El Aviador y Los Infiltrados, ambas de Martin Scorsese. Esta vez Shore vuelve a colaborar en un filme de Scorsese, Hugo, el cual es además aquel con mayor número de nominaciones en esta edición de los premios de la Academia. Por otro lado, Iglesias es un múltiple ganador del Premio Goya que anteriormente ha competido en esta misma categoría sin éxito, por su participación en películas como The Kite Runner o El Jardinero Fiel (por la cual, por cierto, se alzó con el trofeo France Musique en el Festival de Cannes). Su trabajo en musicalización es una de las tres posibilidades que tiene Tinker Tailor Soldier Spy, de Tomas Alfredson, de llevarse una estatuilla dorada, un filme olvidado en categorías de peso pesado (debía estar en Mejor Película).

En consecuencia, esta vez el atractivo principal del premio a Mejor Banda Sonora lo compone un duelo muy intenso entre un compositor buscando la consagración (Bource) y uno ya consolidado que busca la revancha por sus más recientes derrotas (Williams). Por otro lado, la gran ausencia en la categoría es la del tándem formado por Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores en la edición pasada por un excepcional trabajo en The Social Network, que este año no podrá repetir el plato con otra cinta de David Fincher, The Girl With The Dragon Tattoo. Cabe mencionar que Abel Korzeniowski y su composición en el filmeW.E. de Madonna fue dejado de lado también, a pesar de ser voceado por la crítica especializada.

Por último, hay poco que decir en cuanto a la categoría de Mejor Canción Original ya que este año, para sorpresa de todos, sólo hay dos nominadas, a desmedro de los cinco temas que disputaron recientemente el Globo de Oro, mientras el número de nominados por la Academia siempre oscilaba entre tres y cinco. El motivo: la nueva regla promulgada por la Academia a fines del año pasado que sólo permitía la nominación de aquellas canciones que superaran el promedio de 8.25 en la pre-selección (los votantes le daban a cada canción una puntuación entre 1 y 10).  De esta forma, ya no habrá pelea entre Madonna y Elton John, ni la presencia de Chris Cornell o Glenn Close, aplaudida por su trabajo para Albert Nobbs, ni de otros importantes nombres tales como Thomas Newman y Mary J. Blige por The Help.  Esta vez, aspiran al premio Bret McKenzie por “Man or Muppet” de Los Muppets y Sergio Mendes, Carlinhos Brown y Siedah Garrett por “Real in Rio” de la cinta animada Rio. Es difícil predecir si pesarán más, por un lado, un autor, Jason Segel, las populares marionetas de Jim Henson y una melodía de piano o, por el otro, el peso de un reconocido cantautor brasileño juntándose otra vez con Will.I.Am y demás intérpretes para llevar hasta Hollywood los sonidos exóticos de la samba. ¿Podrá ser una canción de ritmo latinoamericano ganadora del Oscar? Las chance están repartidas de igual manera. Sin embargo, no es muy entretenido el ejercicio de predecir el ganador sin tantos participantes. Simplemente, queda esperar un buen show de ambos números.

Man or a Muppet – Bret McKenzie

Real in Rio – Sergio Mendes, Carlinhos Brown y Siedah Garrett

Nanni Moretti ha creado otra interesantísima película, de discurso peculiar y extraño tratamiento, una película claramente metafórica que tiene mucho que decirnos, pero que, lamentablemente, se queda corta. Habemus Papam es osada desde su planteamiento, poseedora de un humor único, sutil, que coquetea con lo políticamente incorrecto. El tema de fondo es serio y profundo, pero se presenta de una forma ligera y fresca, lo que la hace aún más interesante, pero sin embargo, le quedan muchas ideas sueltas, ideas que Moretti no supo concatenar del todo, y que termina dejándonos con un sabor extraño.

Moretti elige sus planos iniciales de una manera maestra. ¿Cómo mostrar el proceso del cónclave de una forma en la que empatice con el espectador, y a la vez le produzca una fina risa? Entonces miramos de cerca cómo los rostros de aquellos ancianos que normalmente vemos como inquisidores intocables son ahora el de unos niños traviesos y nerviosos ante la elección del nuevo Papa. Así, con ese respetuoso y delicado tono, se establece el código humorístico de la película que comienza con gran factura.

Entonces se terminan las votaciones y habemus papam, hasta que lo escuchamos gritar de pavor, y nos llenamos también del mismo sentimiento con solo pensar que eso pueda llegar a suceder en la vida real. El hombre que acaba de ser elegido Sumo Pontífice de la Santa Sede de la Iglesia Católica no se atreve a serlo por un repentino impulso de temor, un súbito pánico, o como luego logran diagnosticarle: un déficit de atención. Entonces empieza toda aquella pequeña aventura de il Papa, y a la vez toda esa magistral mezcla entre las ceremonias y protocolos tradicionales del Cónclave y su divertimento, muestra de sus deseos mundanos, por más primarios y pueriles que sean. Mientras tanto, la aventura del papa se va desarrollando de una manera más interna que externa; se trata específicamente de un viaje interior, una búsqueda de lo que quería ser antes de dedicarse a la religión. Y aquí encontramos la primera flaqueza de la historia. El Sumo Pontífice quiso ser siempre actor, pero sufrió una gran frustración cuando le dijeron que no era bueno para eso. Nunca logramos empatizar lo suficiente con él por eso, no nos conmueve como debería su fracaso actoral. Esa línea argumental pudo haber sido tratada de otra forma, digamos como el mayor objetivo de Melville al encontrarse a sí mismo, porque al final sólo nos deja con una sensación débil y hasta gratuita.

Sin embargo, lo más interesante de esta aventura interna es la reflexión individual que hace el Papa sobre sus propios temores como representación general de la Iglesia. Los miedos de él, son los de la Iglesia, sus errores y falta de responsabilidad son los de la Iglesia también. Por eso la escena en el bus, donde ensaya su posible discurso, es el resumen de lo que Moretti nos quiere decir, y aquí sí lo hace de una manera pulcra. El Papa admite los errores y terquedades de la Iglesia, sus prejuicios y su falta de comprensión, hace un mea culpa y llegamos a entenderlo. Y sumando a esto el hermoso tema Todo cambia cantado por la inquietante voz de Mercedes Sosa, el Papa está admitiendo que hay cosas que tienen que cambiar, aunque él no sea capaz de hacerlo.

Seamos ateos o creyentes, Moretti hace que lleguemos a entender al Papa y su mensaje. Pero no sólo el Moretti enunciador, sino el Moretti personaje que a través del juego, trata de mantener competentes y “vivos” a todos los clérigos. Él, como psicoanalista no creyente intenta entender la situación y se pone en la piel de cualquier creyente que entiende lo grave que es aquella circunstancia. Aunque siento que en esta parte psicoanalítica Moretti también se queda corto y no logra hilvanar bien conceptos que juntos hubiese provocado más interés y profundidad.

Lo que sí logra, sin duda, y muy bien es hacer que el humor que flirteaba con lo políticamente incorrecto, se consolide finalmente en una suerte de comprensión que a su vez no deja de ser desesperanzadora. ¿Por qué? Por ese extraño y desconsolador final. Un final tan metafórico como valiente y raro. La película que parecía seguir manejando el humor opta por terminar en un desconcierto total. El Papa nos dice al último que la Iglesia necesita un cambio pero que él no es capaz de hacerlo y termina renunciando definitivamente. ¿Qué nos quiere decir Moretti con esto? Ya que este final de gratuito no tiene nada, quizá Moretti nos sugiere pensar que en estos tiempos la Iglesia, es decir, la fe y la religión, está sufriendo una desorientación, una falta de rumbo y cambio. El final podría sugerirnos también la falta de un líder para los creyentes, pero poniendo atención a las palabras del Papa, nos damos cuenta de que son todos los que tienen que lograr ese cambio, por tanto, es responsabilidad de todos superar o no aquella crisis eclesiástica.

De esa manera, esta película no es ni para creyentes ni para ateos (Moretti no busca dividir ni complacer), sino para miradas humanas, serias y a la vez lúdicas, sencillas; y a la vez profundas. Es una película que, aunque quede corta, nos deja mucho para reflexionar, con Papa o sin él.

El Oscar y sus sorpresas. Algunas buenas, otras malas; algunas esperadas, otras que nos han embestido y dejado malhumorados. Luego de la reciente entrega de los Globos de Oro el pasado 15 de enero y como principal anticipo al evento más esperado de la temporada de premios, se anunciaron las nominaciones a los Premios de la Academia de este año. La ceremonia, llevada a cabo la mañana de ayer en el Samuel Goldwyn Theater, estuvo a cargo de Tom Sherak, presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y la actriz Jennifer Lawrence, los cuales se encargaron de anunciar los nominados a las principales categorías de la premiación (el resto del total de 24 categorías fue luego publicado en la página web oficial del Oscar y en notas de prensa por todo el mundo). Entre la expectativa generada por el constante buzz de nominados y ganadores de otros prestigiosos premios, y las predicciones de diversa índole de críticos y analistas de la temporada, finalmente se conoció a los aspirantes a llevarse el Oscar este año sin que falten las gratas, y otras no tan gratas, sorpresas. A continuación, una revisión por aquello inesperado.

Tal vez la más grande sorpresa de todas sea la presencia de Extremely Loud and Incredibly Close, la última película de Stephen Daldry, en la categoría de Mejor Película; aunque pareciera más una excusa para nominar a Max Von Sydow en la categoría de Mejor Actor Secundario por su participación en el filme, actor de reconocida trayectoria. La nominación de Von Sydow y la de Mejor Película son las dos únicas que consigue Extremely Loud, un filme que ha sido duramente recibido por la crítica este año. El resto de las películas en la nómina principal habían sido voceadas por semanas, por lo que verlas allí no sorprende. Luego dos años consecutivos en que se amplió la lista de nominadas de la categoría Mejor Película a diez, este año tendremos a nueve filmes compitiendo por la estatuilla (cifra rara), siguiendo las nuevas reglas de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que hacen que, desde este 2012, se incluya cualquier película que supere el 5% de los votos generales (con un máximo de 10 posible). Entre ellas se encuentra también la pólémica y polarizadora (los críticos la aman o la odian) The Tree of Life de Terrence Malick, la cual tiene también nominaciones a Mejor Director y Mejor Fotografía. Es bonito ver que tres de las nueve nominadas hayan conseguido su favoritismo luego de desfilar por la Croisette, The Tree of Life, The Artist de de Michel Hazanavicius (la indiscutible favorita) y Midnight in Paris de Woody Allen consiguiendo sus primera palmas en el último Festival de Cannes.

Sorpresas gratas las hay. Rooney Mara era una presencia que, si bien posible, era débil sobre todo por el poco cariño que ha recibido The Girl with the Dragon Tattoo con la crítica especializada. Su nominación representa un underdog en la categoría, casi imposible de vencer, pero al menos ratificándola como presencia importante en el año, tal vez una mención que le debían desde tan brillante incidencia en The Social Network. Es destacable también ver al mexicano Demián Bichir por A Better Life, quien hace la categoría más interesante, dejando como grandes ausentes a otros voceados favoritos como Ryan Gosling, de un gran año tras aparecer en The Ides of March, Drive y Crazy, Stupid Love, cintas que le han traído nominaciones a diferentes premios; y  Leonardo DiCaprio por un filme que ha sido más bien tibiamente recibido, a pesar de contar con Clint Eastwood tras la dirección, J Edgar. Otra buena noticia es el cariño que recibe Tinker Tailor Soldier Spy, el filme del sueco Tomas Alfredson, consiguiendo una nominación para su protagonista, Gary Oldman, además de disputar otros dos premios: Guión Adaptado y Banda Sonora; aunque nos hubiera gustado verla en Mejor Película también. Mención aparte para el filme iraní A Separation que buscará llevarse no sólo Mejor Película Extranjera, una categoría casi decidida, sino también Guión Original.

Algo de reivindicación recibe la comedia comercial y gruesa norteamericana con la presencia de Bridesmaids en Guión Original y Actriz Secundaria (Melissa McCarthy), aunque de nuevo sentimos que pudo haber integrado la nómina principal sin problemas. Para sorpresa de muchos, The Adventures of Tintin no ha sido considerada en Mejor Película Animada a pesar de haber ganado el Globo de Oro, a expensas de fiascos como Puss in Boots, aunque abriendo paso a las gratas adiciones como la francesa A Cat in Paris y la española Chico & Rita. Además, da gusto ver el regreso triunfal de John Williams con dos bandas sonoras que resonaron el año pasado, estupendos trabajos en War Horse y The Adevntures of TinTin, ambas de Steven Spielberg, que dejan fuera de carrera a Trent Reznor y Atticus Ross, quienes no podrán siquiera acercarse a repetir la hazaña del año pasado por su impecable trabajo en The Social Network; de nuevo, poco amor para The Girl with the Dragon Tattoo. Asimismo, la batalla a Mejor Director es una delicia, con pesos pesados batiéndose a duelo: con Terrence Mallick por The Tree of Life; Martin Scorsese, firme candidato con Hugo; y, ¡sorpresa!, Woody Allen, por Midnight in Paris, filme por el cual ganó el Globo de Oro a Mejor Guión Original, compartiendo espacio con rostros más nuevos, pero tal vez los más favoritos este año, Michel Hazanavicius (The Artist) y Alexander Payne (The Descendants).

Y luego de la alegría, la pesadumbre. Cero afecto para Shame, de Steve McQueen, una película que arrasó con premios en el último Festival de Venecia, y osó estrenarse con la calificación NC-17, contra reticencias de cadenas enteras que se negaban a exhibirla. Ni con esas consigue ni nominación para Carey Mulligan, y peor, para el favorito desde la Bienale, Michael Fassbender, de un gran año luego de aparecer tanto en esta premiada cinta, como en Jane Eyre, A Dangerous Method (dirigida por David Cronenberg, otra ignorada) y el blockbuster X-Men: First Class. Tampoco hay aprecio por Drive, una película ovacionada en el último Festival de Cannes, con un Ryan Gosling que prometía Mejor Actor, pero sobretodo un Albert Brooks que ha acumulado un grupo de trofeos como Mejor Actor Secundario, consiguiendo el filme únicamente una nominación en la categoría de Edición de Sonido, casi como pidiendo perdón, con muchos críticos pidiéndola en Mejor Película.

Asimismo, nada para cintas sonadas en festivales varios, como Melancholia de Lars Von Trier, excluido tal vez por sus polémicas declaraciones; Martha Marcy May Marlene, de Sean Durkin; Take Shelter, de Jeff Nichols; o hasta The Ides of March de George Clooney, la cual debe contentarse con una nominación a Guión Adaptado. Sorprende no ver a Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin, un papel que algunos consideran el mejor de su carrera, o a Elizabeth Olsen por Martha Marcy May Marlene, la que algunos llaman la actriz revelación del año, en la categoría de Mejor Actriz Principal. Shailene Woodley falta en Mejor Actriz Secundaria por The Descendants y Andy Serkis, aunque lo sabíamos imposible, pudo lograr un cupo en Mejor Actor Secundario. La competencia ha estado tan dura que se aceptan los desplazos. Muy pocos o nadie se explica extraña decisión de sólo tener dos nominadas a Mejor Canción. Ni Madonna ni Elton John, grandes favoritos del Golden Globes, han logrado entrar a la categoría, quedándose afuera como todas las demás canciones nominadas a los Globos de Oro, dejando casi vacíos los espacios de música en la ceremonia.

Sin embargo, como es de saberse, cada año los Premios de la Academia traen consigo esa mezcla de incertidumbre y ansia que conviene mantener hasta el último minuto. A partir del 31 de enero, no se pierdan el análisis por categorías que se realizará en mayor detalle en En Cinta. Para terminar, un cuadro del Oscar 2012 con los nombres de los filmes y la cantidad de nominaciones por cada una:

Historias Cruzadas (The Help) es la película de la temporada que explora aquellos años del pasado a través de este discurso. Basado en la novela homónima de Kathryn Stockett, el filme narra la historia de las empleadas domésticas afroamericanas de un pueblo del Mississipi de la década de 1960, quienes intentan contar cómo es su vida cotidiana con la ayuda de la aspirante a escritora Skeeter Phelan (Emma Stone). De esta manera, se refleja la realidad dual que opone por un lado a la élite, integrada por Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard) y una compañía de rubias perfeccionistas,  con la clase oprimida, centrada en las empleadas del hogar Aibileen Clark (Viola Davis) y Minny Jackson, papel que le valió el Globo de Oro a Octavia Spencer como Mejor Actriz de Reparto así como otras importantes nominaciones.

El segundo largometraje del director Tate Taylor se centra en la demarcación de categorías contrarias donde se encuentran (o colisionan, dependiendo del caso) lo pobre y lo rico, lo elegante y lo harapiento, entre otras, para girar en torno a premisas muy simples como la solidez de la familia, la igualdad de oportunidades y un mundo que no está diseñado para incluir a todos en él. Es entonces que aparece Skeeter como la figura que incita un quiebre dentro de su propia estructura para facilitar la llegada del mensaje y con él, la posibilidad de que la sociedad admita a la clase oprimida. Es ella quien, a través de una fábula personal incompleta, intenta ver un universo que le es tan ajeno y tan próximo a la vez, ayudándose a sí misma además a lograr su realización como escritora.

Un trabajo eficiente en fotografía, vestuario y dirección de arte cumple con retratar esa realidad plástica de la alta sociedad y la élite de Mississipi, encarnada a sobremanera por el personaje de Dallas Howard y sus compañeras. Destacan además la escena inicial y final del filme, así como aquellos pasajes en que sale a relucir la cuota de humor marcada por Minny y sus rasgos característicos, quien encuentra en un nuevo hogar la posibilidad de enseñar a quienes, en un principio, creen saberlo todo. Vemos, entonces, un melodrama entretenido que explora diferentes personajes que se asocian o disocian con la causa a través del proceso de recolección de experiencias hasta la publicación del libro de Skeeter y las reacciones que ello genera. Además, es aquello en lo que carecen de pertenencias y riqueza tangible donde Aibileen y Minny encuentran una manera hablarle a esa sociedad que las hace a un lado respondiendo de la misma forma en ocasiones o con la simple idea de ellas como las verdaderas madres de hijos que no les pertenecen desmoronando la fachada del color de piel como rasgo de superioridad.

Cabe notar, sin embargo, que la cinta, al centrarse en un lado maternal y femenino del conflicto encuentra un problema en algunos puntos como  la prescindible presencia masculina que aparece por momentos en personajes que, inclusive, pueden sobrar.  Gracias a su título, de todos modos, se sabe que la trama está articulada hacia la clase trabajadora que se busca reivindicar a través de su propia oralidad. Quizás se pudo explotar de manera más vasta los conflictos internos de Aibileen o aquellos externos de Minny, en lugar de sumar secuencias que no logran definir si el personaje de Emma Stone es el principal o no. Los fantasmas de otros problemas como la violencia doméstica o la pérdida de alguien cercano son abordados de manera llamativa pero no lo suficiente como para determinar el curso narrativo de la película.

De esta forma, Historias Cruzadas es un ejercicio pertinente a modo de melodrama que retrata el enlace de la alta sociedad con las presencias innegables de la clase trabajadora, que lucha por hacerse un espacio día a día, siendo una parte silenciosa de la familia o reemplazando los roles que por exceso de maquillaje, superficialidad o materialismo, sus verdaderos integrantes no satisfacen.

(este artículo fue escrito en el marco del curso de Historia y Estética del Cine en la universidad hace un par de meses, por lo que está bastante ceñido a la revisión de la Nouvelle Vague y el quiebre que plantean en lo que se refiere a hacer cine; lo encontré mientras limpiaba mis archivos, quise compartirlo)

El llamado ‘cine de autor’, como concepto, debe ser uno de los más debatidos y ambiguos que existen dentro de los términos utilizados para hablar del cine. ¿Qué es el cine de autor? ¿Se trata de un cine independiente, alejado de los grandes estudios fabricantes de productos audiovisuales en masa, basados en esquematismos de género y necesidades del mercado? ¿Se trata de un cine de directores con firmas legibles, con estilos reconocibles, de temas recurrentes y miradas particulares, íntimas, reflexivas? ¿Se trata de directores que abarcan todas las labores de producción detrás de una película, tanto por el lado del guión y dirección, así como su llegada al producto final, a través de etapas de edición y post-producción? ¿Será que el cine es ‘cine’ y no puede ser etiquetado, siendo que todo director de por sí ya imprime una mirada de ‘autor’ en una película? ¿Será el llamado cine ‘del bueno’, mientras las películas ‘malas’ están condenadas a no ser ‘de autor’? ¿O será que todo es tan ambiguo, tan difuso y lleno de excepciones que simplemente no hay un delimitante simple con el cual realizar divisiones?

En la revista L’écran français, allá en marzo de 1948, Alexandre Astruc escribía: “El cine está a punto de convertirse en un medio de expresión, cosa que antes que él han sido todas las restantes artes, y muy especialmente la pintura y la novela. Después de haber sido sucesivamente una atracción de feria, una diversión parecida al teatro de boulevard, o un medio de conservar las imágenes de la época, se convierte poco a poco en una lengua. Un lenguaje, es decir, una forma en la cual y mediante la cual un artista puede expresar su pensamiento, por muy abstracto que sea, o traducir sus obsesiones exactamente igual como ocurre actualmente con el ensayo o con la novela”.

A tomar en cuenta que esta idea del ‘cine de autor’ surge durante la época de la explosión de la Nouvelle Vague en Francia en los 50s, la idea de que el cine que se hacía antes debía ser superado, el entendimiento del cine no como expresión documentalesca, como objeto de divertimento de ferias, ni producto de satisfacción del mercado de mero entretenimiento, sino como un lenguaje capaz de explorar hacia dentro del ser humano y la sociedad, una especie de herramienta de ensayo para que el ‘autor’ pueda expresar sus miedos, aspiraciones, ansiedades e inquietudes. En una época en la que el cine cumplía poco más de medio siglo de vida, era el momento perfecto para completar la definición del llamado séptimo arte y empezar a entender sus verdaderas oportunidades. El cine, hasta entonces un invento científico llevado al terreno del entretenimiento comienza a ser visto como un nuevo arte de infinitas posibilidades.

Claro que esta idea de que el cine recién ‘comenzaba a cambiar’, recién empezaba a ser entendido como un texto lleno de interpretaciones, de que Hawks, Ford, Hitchcock, Fuller y Renoir, Bresson, Tati y Ophuls eran los ‘pioneros’ de este nuevo cine con intenciones superiores a las que los cineastas previos habían enarbolado, tal vez le restaría el título de autor a figuras como las de Georges Méliès, D.W. Griffith, F. W. Murnau o Serguéi Eisenstein, quienes desde las primeras décadas de existencia del cine ya planteaban miradas propias, a pesar de estar atrapados en épocas que la Nouvelle Vague tal vez miraba con poco aprecio. La idea de André Bazin de que “el realismo es ontológico en el cine, connatural al carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica, y las películas que mejor lo interpretan y que más se aproximan a la esencia del cine son aquellas que reducen al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales” estaría en contra de la fantasía, la idea del género, el expresionismo y el montaje soviético de los directores antes mencionados. Se defiende al realismo y la ‘autoría’ como términos que necesariamente conviven. Curioso, porque aquí llega una suerte de contradicción de la idea de ‘autor’, ya que dos de los directores más amados por la Nouvelle Vague, John Ford y Alfred Hitchcock, no planteaban una mirada ‘realista’ del cine, sino que más bien se abocaban a géneros marcados.

Esta contradicción y debate tal vez sería suavizado con otra de las postulaciones de la nueva corriente (una como vemos bastante ambigua), la de la necesaria cinefilia para alcanzar el estatus de ‘autor’. La mayoría, sino todos, de los representantes de la Nouvelle Vague venían de una vocación crítica, de redacciones en revistas o periódicos, algunos también habiéndose desempeñado como guionistas, y el cine que incentivaban era uno lleno de referencias y homenajes a sus grandes ídolos de la historia del cine.

Alexandre Astruc continúa en su artículo: “Por ello llamo a esta nueva era del cine la ‘era de la caméra stylo’. Esta imagen tiene un sentido muy preciso. Quiere decir que el cine se apartará poco a poco de la tiranía de lo visual, de la imagen por la imagen, de la anécdota inmediata, de lo concreto, para convertirse en un medio de escritura tan flexible y tan sutil como el del lenguaje escrito. Este arte dotado de todas las posibilidades, pero prisionero de todos los prejuicios, no seguirá cavando eternamente la pequeña parcela del realismo y de lo fantástico social que le ha sido concedida en las fronteras de la novela popular, cuando no le convierte en el campo personal de los fotógrafos. Ningún terreno debe quedarle vedado. La meditación más estricta, una perspectiva sobre la producción humana, la psicología, la metafísica, las ideas, las pasiones son las cosas que le incumben exactamente. Más aún, afirmamos que estas ideas y estas visiones del mundo son de tal suerte que en la actualidad sólo el cine puede describirlas”.

La idea planteada era que el cine debía reflejar el mundo interior del director, su visión del mundo y de las situaciones que planteaba en pantalla gigante, por lo que la cámara se volvía en parte sus ojos, en parte tomógrafo de su propia condición, de su psyche. Era necesario entonces que el mismo director se encargara de la escritura del guión, ya que debía sumergirse en cada etapa de la producción de una obra que sería totalmente suya, de su autoría. Esta idea era reforzada por la espontaneidad durante el rodaje, la dosis de improvisación, la iluminación natural que acompañado de una cámara en mano casi de documental apoyaba el realismo de una visión particular. Es así que el cine también debe servir de herramienta para conocerse a sí mismo, ya que en la obra particular el autor se verá a sí mismo tal vez como antes no había logrado hacerlo, con matices que sólo lograron aflorar al ser traspasados a celuloide.

Alexandre Astruc sigue: “Lo que implica, claro está, que el propio guionista haga sus films. Mejor dicho, que desaparezca el guionista, pues en un cine de tales características carece de sentido la distinción entre autor y realizador. La puesta en escena ya no es un medio de ilustrar o presentar una escena, sino una auténtica escritura. El autor escribe con su cámara de la misma manera que el escritor escribe con una estilográfica. ¿Cómo es posible que en este ante donde una cinta visual y sonora se despliega desarrollando con ello una cierta anécdota (o ninguna, eso carece de importancia), se siga estableciendo una diferencia entre la persona que ha concebido esta obra y la que la ha escrito? ¿Cabe imaginar una novela de Faulkner escrita por otra persona que Faulkner? ¿Y Ciudadano Kane tendría algún sentido en otra forma que la que le dio Orson Welles?”.

Ojo que Orson Welles no escribió solo Ciudadano Kane, sino que lo hizo con ayuda de Herman J. Mankiewicz, y las contribuciones de Roger Q. Denny , John Houseman y Mollie Kent. Alfred Hitchcock habrá escrito menos de la mitad de las películas que dirigió, mientras que John Ford no tocó guiones ni en la sexta parte de su producción cinematográfica; ¿les quita eso un status de autor? Sólo mirando a la camada de la Nouvelle Vague, tal vez el director más conocido de la época, Jean-Luc Godard, fue responsable de adaptar novelas en varias ocasiones (Il Disprezzo de Alberto Moravia para ‘Le Mépris’, o Obsession de Lionel White para ‘Pierrot le fou’), y no creo esto le llegue a quitar el título de autor para cada una de sus películas. Con esto no quiero desprestigiar el movimiento, sino una vez más recalcar qué tan ambiguo y poco definida es la idea del ‘cine de autor’, lo difícil que es encasillarlo en parámetros estáticos.

El ‘cine de autor’ de la Nouvelle Vague surge como una reacción ante una industria en crecimiento, una industria que parametraba el hacer cine y lo utilizaba como mercancía, se trata de un intento de subversión de eso, pero de una manera algo esquemática, ya que definir un cine de estudio, de recursos amplios, como un cine ‘malo’, ‘en serie’, y en el que no existen autores sería algo injusto. Por otro lado, el cine ‘independiente’, el de bajos recursos, aquel que se hacía con apenas una cámara y actores, uno muy cercano al neorrealismo italiano tal vez, ese es el cine que vale, el ‘de autor’, según sus postulaciones. Aquí es donde aparece una doble contradicción, ya que por un lado se defiende el cine marginal, mientras que por el otro se idolatra a figuras como las de Hitchcock, Ford o Welles, los tres sumidos en los procedimientos del cine de Hollywood y a la vez autores consagrados. La segunda contradicción vendría de la mano del mismo movimiento, uno que empezó independiente, es cierto, pero que luego del éxito que consigue a nivel comercial con el público, logra instaurar su manera de hacer cine en el corazón mismo de la industria. No hay una relación connatural entre el cine independiente y el ‘autor’, no debería al menos creerse lo contrario.

Creo que la idea de la Nouvelle Vague de darle un sentido superior al séptimo arte es algo importante para cómo es concebido el cine en la actualidad, pero creo que cayeron en cierto esquematismo a la hora de hacerlo. Es cierto que el ‘cine de autor’ existe, pero no es uno que se pueda encontrar en tal o cual circunstancia o situación de producción, no se puede encasillar a un autor a alguien que hace películas independientes o alguien que escribe sus propios guiones y se encarga de cada etapa de la producción. No podemos sólo decir que la gente fuera del sistema capitalista hollywoodense es autor, los Godard o Truffauts de la época, los Dardennes o Kaurismakis del ahora, ya que eso sería denegarles el status de autor a directores como Ford, Hitchcock, Coppola, Scorsese, Tarantino y demás, autores que atraviesan diferentes etapas de la historia del cine trabajando para grandes estudios y con proyectos de altos presupuestos, y distribución de mano de las majors.

Es así que no existen líneas muy claras para decir que uno es o no un autor. Hay una idea, tal vez un sentido común, que nos dice que aquellos directores que expresen inquietudes personales tal vez sean autores, sin importar dónde hagan su película, que aquellos realizadores que crean un microcosmo con su filmografía tal vez están más cerca de la autoría que aquellos que se someten a la producción en masa de géneros de esquemas cerrados, tal vez las comedias románticas o filmes de terror fabricados por docenas al año, aunque en ellos también existan excepciones. Los autores están en todos lados, sólo es cuestión de encontrarlos. Y un verdadero autor siempre será más difícil de encontrar.

A diario llegan notas de prensa y pronunciamientos variados a nuestros correos, pero generalmente son informativos y sin mayor relevancia como para ser posteados. Sin embargo, el día de hoy llegó a nuestro buzón un comunicado de la APRECI (Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica) sobre un tema del cual he querido escribir desde hace algunos meses (y lo curioso es que se me vino la idea a la cabeza justamente por los casos que en el comunicado se mencionan), pero por cuestiones de tiempo siempre lo dejaba de lado: las traducciones de los títulos de las películas al estrenarse en el mercado local. Esta carta servirá de gran incentivo, además de punto de partida, para hablar del dilema de los títulos en español para nuestro mercado nacional, en el que se tergiversan traducciones, sentidos y propósitos de los títulos originales, incluso se difiere de los títulos propuestos para otros mercados en Latinoamérica, lo que conlleva una publicidad engañosa para el asistente al cine, y lo más doloroso aún, la coincidencia de estos sucesos en distribuidoras más bien menores. Ya ahondaré más en el tema en un post detallado la próxima semana; esta vez sólo quiero dejarles la carta enviada por la APRECI, para empezar el debate y empiecen a formularse posturas desde este momento.

Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica se pronuncia sobre malas prácticas de distribuidora Eurofilms

La Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI) deplora la práctica que comete con cada vez mayor frecuencia la distribuidora Eurofilms Perú, de distorsionar los títulos originales de algunas películas que estrena en nuestro país, como Thrist y The Barney’s Version, modificaciones que además alcanzan a los materiales de promoción como afiches y publicidad en medios, y que ahora amenaza hacerlo también con la cinta Habemus Papam.

La primera, del coreano Chan-wook Park y cuyo título original es Bakjwi, se presentó en el Festival de Cannes con el nombre de Thrist. Así se le conoce en la mayoría de países donde se estrenó, inclusive de habla hispana, siendo ocasionalmente traducido como Sed o Sed de sangre. Sin embargo, en el Perú Eurofilms la lanzó como Rito diabólico, pese a que en la proyección aparece el subtítulo de Sed de sangre.

Una situación similar ocurrió con The Barney’s Version, del canadiense Richard J. Lewis, cuya traducción literal es La versión de Barney, aunque también se le conoce como El mundo según Barney. En nuestro país, la distribuidora la estrenó con el engañoso nombre de Un novio para tres esposas, lo que da una idea distorsionada del argumento del filme, en cuya proyección además aparece subtitulada como La versión de mi vida. Estos cambios se dieron también en el poster de la película, donde se ubica en primer plano la imagen de dos personajes secundarios, dejando de lado al protagonista principal, Paul Giamatti.

Si bien la APRECI reconoce el esfuerzo de Eurofilms Perú por traer una oferta distinta en películas a nuestra cartelera, consideramos justo y pertinente este reclamo. Los casos expuestos constituyen malas prácticas de publicidad engañosa hacia el espectador, las cuales se han vuelto reiterativas. Se trata de un lamentable precedente que podría convertirse en costumbre si la comunidad cinematográfica y el público aficionado lo dejan pasar por alto.

En ese sentido, advertimos a los espectadores que el anunciado estreno de Eurofilms de la película Habemus Papam, del director italiano Nanni Moretti, llegará a nuestras salas bajo el inapropiado título de Un Papa en apuros, presentándose como una alocada y divertida comedia, lo cual, definitivamente, no es el caso de este filme.

Finalmente, la APRECI invoca a las autoridades pertinentes a que se pronuncien sobre esta práctica empresarial contra una obra cinematográfica y el derecho del público a consumir un producto tal como lo concibieron sus realizadores.

Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI)