Rubén Viani es director de teatro, docente y actor. Llegó a Lima para presentar la película Argentina Por tu Culpa, premiada por la APRECI en el último Festival de Lima como la Mejor Película del certamen, además de alzarse con el galardón a la Mejor Dirección para Anahí Berneri de parte del Jurado, mientras toda la crítica se rindió a los pies de Érica Rivas, su protagonista. Y es que, claro, este seguimiento a la noche insospechada de una madre con sus hijos tenía un fuerte apego femenino. Ninguna de ellas pudo venir, lamentablemente, pero Viani, el padre en la película, la presencia ‘catalizadora’, el contrapeso, fue el encargado de sacar cara por el producto. En la siguiente entrevista habla un poco sobre su papel, sobre cómo fue trabajar con Anahí y con Erica, las diferencias entre dirigir y actuar, el hacerlo en teatro o en cine, y la revelación de algunos planes teatrales que le gustaría concretar en Lima.

¿Cómo has sentido al público en las presentaciones de la película en el festival?
La verdad es que en el conversatorio sentí, primero que nada, que la película había generado como un disparador a algunos temas que toca a partir de la historia. Como el tema de la familia, de la crianza, los vínculos en esa pequeña pesadilla cotidiana. Y la preguntas que me hicieron, aparte de ser muy cálidas fueron también muy cariñosas, fue muy interesante notar cómo es que tocaba a cada uno lo que Anahí Berneri quería transmitir con la película. Había una empatía muy interesante con el público y la película, todos sintieron esa cosa que los sofocaba. Tiene un atmosfera muy densa muy pesada y eso el público me lo devolvió. Y me hicieron preguntas acerca de qué era eso, acerca de los niños, de cómo ha sido filmar con ellos, acerca de la densidad, el rol de ella, el rol mío, preguntas muy certeras, como muy conectadas: me dio la sensación de que conectaron muchísimo con la película, lo cual fue muy interesante escuchar. Se quedó mucha gente para conversar luego de la proyección, lo cual me sorprendió. En estas cosas uno suele decir: ‘Bueno, ahora me quedo solo’. La verdad es que se quedó mucha gente y nos quedamos charlando largo rato.

Una lástima que Anahí (directora) no haya podido venir.
Anahí tenia muchísimos compromisos y le hubiera encantado venir al festival. Me pidió personalmente que viniera en representación suya, por estos compromisos que no podía postergar. Me hablo maravillas del festival, me dijo que era un festival hermoso, un festival que está creciendo año a año, que quiere venir pero ya con otra película. La verdad, es que tenía muchas ganas de venir a este festival.

¿Primera vez que vienes al festival?
Es la primera vez q vengo al festival y a Lima, también. Era algo que quería hacer desde hace mucho tiempo. Yo soy director, docente y actor. Tengo muchos alumnos de Perú de distintas zonas, de Trujillo, de Lima, allá en la Argentina, y me hablan mucho de su país, escucho sus historias, conocía Lima a través suyo, la verdad tenía mucho interés. Estoy descubriéndome, he conocido gente, también, creativa de acá. Vine hacer unas charlas y unos seminarios que justo coincidían con el llamado de Anahí; yo tenía programado venir igual. Coincidió todo con unos seminarios que estoy dando de teatro con Coco Chiarella y Celeste Viale que me trajeron, hemos tenido una conexión increíble es como si nos hubiéramos conocido toda la vida, así que está siendo muy emotivo para mí.

Eres director de teatro y actor a la vez. ¿Cómo separas estas dos cosas? No sólo por el hecho de ser director y actor, porque acá tú has sido dirigido, sino por el hecho de que el teatro y el cine son plataformas muy diferentes.
Yo de cine había hecho cortos, no tenía mucha experiencia, y es verdad que yo estoy más volcado hacia la dirección, dirección de producciones muy grandes en Argentina en teatro. Yo dirigí Cabaret, Despertar de Primavera, y un montón de obras más., dirigiendo actores siempre. Cuando me contacté con Anahí para hacer la película, fue para mí muy relajante, debo confesar, decir ‘Bueno, ahora que alguien me dirija para poder soltarme’, ya que viste que el director tiene que estar pendiente de todo, controlar todo lo que sucede. Y en el cine el actor utiliza un lenguaje que es distinto al del teatro, a su expresión, el juego de cámaras, que cámara haga lo suyo, la gesticulación, las miradas, esas cosas, tenía que tener cuidado. Para mí fue muy interesante y es un experiencia que me gustaría repetir. Ahora tengo ganas de seguir en el cine, fue una experiencia inolvidable. Anahí es un directora estupenda. Es una directora de la nueva camada que hay que tiene una mirada muy clara y tiene una manera muy cálida de dirigir, de una manera muy contenedora. Me sentí contenido como actor profundamente por ella.

Lo que a mi me gusta mucho de la película es que no te dan respuestas de todo, no es que te expliquen totalmente qué es lo que sucede y ni quién es exactamente cada personaje. ¿Cómo es el proceso creativo como actor? ¿Cómo es que tú llenas estos huecos?
Tuvimos muchas charlas largas con Anahí, también con Érica Rivas, de cómo iba ser el vínculo. Habían cosas que teníamos en claro desde el comienzo, la manera de hacerlas, tratando de ceñirnos a lo que pedía la directora. Otras cosas más bien son muy propias, muy personales. Creo que cada uno veía a su personaje a través de este visor personal, que incluso podía hacer que viéramos el vinculo de manera diferente en algunas secuencias, pero esa diferencia era lo que lo hacía rico. Yo sentía que mi personaje quería salvar esto de la manera que sea, equivocadamente, pero quería salvar este vínculo de alguna manera. A mí me sirvió pensar que había algo de amor hacia ella, hacia el personaje de Érica (Rivas), Julieta, y eso me servía.  Aunque no estuviera visible en ninguno de los texto,  sí estaba presente en la actitud, en el querer algo que ya no puede ser. De esa manera fue que armo mi personaje, y eso fue posible gracias a la directora que permitió proponer: ella necesitaba que cada actor pueda construir su propia historia para poder contar este cuento.

La película se siente muy cercana, muy realista. ¿Cuánto de improvisación hay en ella? ¿Cuánto de aporte de ustedes los actores a un guión escrito?
Nosotros leíamos mucho el texto y teníamos muchas charlas al respecto. Hubo, sí, algunas improvisaciones, no muchas, porque era muy claro lo que ella nos entregaba, no es que tuviéramos que improvisar mucho. Obviamente para dimensionalizar a mi personaje, en casa, en mis lecturas, sí improvisaba cosas, pero el proceso en el rodaje no fue de estar improvisando, no se improvisó mucho mientras grabábamos.

¿Cómo es el trabajo con los niños? La parte pesada se la lleva Érica, es cierto. ¿Pero cómo fue trabajar con ellos?
Primero que nada había una coach, María Laura Berch, que trabajó mucho tiempo con estos chicos, los entrenó. Los chicos que hacen de hermanos son hermanos en la vida real, entonces eso ya favoreció al vínculo, me parece que fue una elección buenísima. Después, hubo una gran parte de adaptación con Érica y luego una gran parte de adaptación con los dos, con Érica y yo con los chicos. Pasábamos mucho tiempo con ellos, dibujando, pintábamos, yo les traía regalitos, así se produjo un encuentro, y se formaba la relación. Y es que el más chiquito sino te deja que lo agarres, que lo levantes, pues no va agarrar: cuando decía no era no. Por eso pasamos mucho tiempo con él, lo hacía dormir, lo paseaba en el carrito, jugaba con él, hicimos muchas cosas como familia. De hecho yo lo he visto algunas veces luego de finalizado el rodaje y me estira los brazos y me dice ‘papá de la película’. Se creó un vínculo muy lindo. Con el más grande era un poco más fácil, ya que además ya había hecho publicidad, había hecho cosas. Obviamente ellos ponían el límite, en las escenas en donde estaban ellos, si se cansaban se cansaban, si se dormían se dormían, si no querían no querían, así que ellos de alguna manera ponían el límite. Eso sí, se aprovechaban algunos accidentes, ciertas cosas espontáneas que surgían de ellos.

¿Qué anécdotas recuerdas o qué accidentes?
No hubo accidentes de ‘accidente’, pero se aprovecharon las cosas espontáneas de los hermanos, como las peleas, los juegos, las corridas, cuando van en el triciclo ellos ya lo estaban haciendo sin que se les dijera nada, es como si para ellos hubiéramos ido a esa casa a jugar. Entonces eso se aprovechó muchas veces. Claro que es Érica la que debe tener más anécdotas, ya que ella comparte todo el rodaje con ellos dos.

Érica (Rivas) está extraordinaria en esta película. ¿Cómo fue trabajar con ella?
Érica es la protagonista absoluta de la película, tiene un trabajo para mi estupendo, tiene un sutileza que se ve en su rostro, en sus ojos, en lo que hace. En la escena que ella llama a la madre y le sale sangre por la nariz, creo que allí es donde aparece su quiebre. Yo me llevé muy bien laboralmente con ella, trabajamos mucho juntos, hubo una buena conexión, fuimos mutuamente muy buenos compañeros, nos ayudamos en todo lo que podíamos. Fue una relación bárbara. Charlábamos mucho sobre lo que pasaba en el set.

¿Ahora qué planes tienes? ¿Vas a dirigir alguna obra, vas a seguir actuando?
Quisiera seguir actuando, eso me encantaría. Pero si me decido por eso, tendría que ser en cine. Y dirigir, sí, estoy todo el tiempo dirigiendo, ahora empiezo con la  producción para un musical que se va hacer en Argentina sobre la vida de Sandro, el cantante muy popular. Se va a hacer una comedia musical, como que su música fue muy importante para la época. Hay una idea de dirigir algo acá en Lima, con esta gente con la que nos hemos juntado, pero eso está como para no decir nada porque es el deseo, tenemos ganas, pero nada concreto aún. Ha habido tan buena química, que tenemos ganas de que esa química produzca algo artístico, qué mejor que hacer una obra colectiva. Una obra que, tal vez, pueda llevarse por diferentes países, con actores de Argentina y aquí.

La vida útil fue una de las mejores películas del último Festival de Lima. Se metió a la crítica al bolsillo, y a la cinefilia también, claro. Con ella vino su protagonista, Jorge Jellinek, un crítico de cine uruguayo que hace de un crítico de cine uruguayo. Su actuación, no obstante, es formidable, ya le ha valido un premio al Mejor Actor en el BAFICI. Jellinek se actúa a sí mismo y a la vez no. “Dicen que actuar de uno mismo es lo más difícil”, dice y es verdad, yo le hubiese dado el premio al Mejor Actor de nuestro último festival. Aquí nos cuenta sobre la película, su personaje, su experiencia como crítico y su percepción del cine peruano y latinoamericano de hoy.

¿Dirías que La vida útil es una película que está entre el documental y la ficción? ¿La historia es así en la vida real?
En realidad la película es ficción, es una historia creada por el director pero tiene algunos elementos que podría decirse son casi como documentales, sobre todo la primera parte que muestra cómo es el funcionamiento de una institución que no es la cinemateca uruguaya, pero es muy parecida. Una cinemateca no identificada pero que tiene todos los elementos muy típicos de cómo funcionaba en ese momento: su director que es la figura histórica de la cinemateca, Manuel Martínez Carril, que es el que hace de director aquí, Martínez. Muchos de los funcionarios que trabajan en la cinemateca participan en la película y todo el entorno donde está filmada, la primera parte, es el entorno real. Por lo tanto tiene muchos elementos documentales, más allá de que la historia, el personaje que yo compongo y muchas de las situaciones son ficción.

Tú eres crítico de cine.
Yo soy crítico de hace muchos años. En Uruguay estoy vinculado a un programa y a unos festivales de cine, pero no he trabajado en la cinemateca. He estado vinculado a la institución muchos años, eso sí. Bueno, primero estudié cine allí, luego escribí en la revista, en algún momento estuve en la organización de alguna actividad, he sido jurado en festivales. Siempre he estado muy cerca y afín a la institución, pero no soy empleado de ella.

¿Trabajas en radio también, como en la película?
En radio he trabajado, he tenido muchos espacios como crítico y periodista. Y en ese lugar donde fue hecha la escena es un estudio de la Radio Uruguay, la radio oficial. El programa que yo tengo es un programa cultural donde hay otra persona que también participa, y yo hago una sección con entrevistas y hablo sobre cine, pero no es el programa que aparece en la película, que es un programa institucional de la cinemateca donde todo es con una formalidad y un estilo que es muy distinto al lenguaje de radio normal.

Vemos que en partes de la película la cinemateca tiene problemas, de financiación. ¿Cómo se maneja eso en la realidad uruguaya?
La cinemateca en Uruguay es una institución cultural sin fines de lucro que vive de lo que los socios aportan: una pequeña cuota que pagan mensualmente y con eso financia sus actividades. No tiene apoyos del Estado, a veces en algún punto o en algún festival le dan alguna ayuda, pero no es lo común. Y tiene un gran archivo que es uno de los más grandes de Latinoamérica, donde se conserva todo el patrimonio del cine del Uruguay, y además de todo el mundo. Es una institución con una gran labor pero con dificultades para su funcionamiento, eso que aparece en la película como los equipos que no funcionan y algunos problemas técnicos obedece a esa carencia de recursos real. Pero en la película la historia es muy sencilla, habla de una mutación, de unos problemas de alquiler. En la realidad los problemas de la cinemateca son mucho más complejos. Y bueno, hay un grupo de gente que está trabajando para sacar adelante la institución que tiene una historia muy larga, va a cumplir el año que viene sesenta años desde que fue creada.

Hablando del cine en Uruguay, ¿cuál es el rol del Estado o de las empresas privadas?
En el 2008 se crea la ley de cine, por primera vez el Estado se compromete con un fondo, se crea un instituto de cine, y a partir de allí ha habido llamados para presentar proyectos. Se reparten más o menos un millón de dólares; pero con otros fondos que hay y otros apoyos de distintos organismos del Estado, se puede decir que la cifra es bastante más grande. Con eso financia parcialmente las películas en Uruguay, más otros fondos como Ibermedia, y se ha logrado una producción en los últimos ocho o diez años de unos siete u ocho largometrajes, algunos documentales, y se estrena esa cifra por año, lo cual es mucho porque antes no había casi producción, era muy raro una película uruguaya. Ahora se ha acelerado una cantidad de propuestas todos los años y muchas de ellas además con premios, y van a festivales. Entonces hay un buen momento en el cine uruguayo.

Esa ley los ha ayudado, entonces.
Esa ley está operativa, funcionando, es un largo proceso. Pero inclusive se está ya hablando de que esa ley necesitaría más ajustes y cambios para hacerla más efectiva. Pero ya es una base muy importante.

Sobre tu actuación, ya recibiste premios por ella.
Sí, me premiaron en el Festival de Buenos Aires, en el BAFICI, como Mejor Actor lo cual fue sorprendente.

Algunos dicen que eres tú mismo. ¿Cuán difícil fue lograr eso?
Lo más difícil, dicen, es cuando uno tiene que interpretarse a sí mismo. En realidad el personaje tiene algunos aspectos que son muy cercanos a mí, porque por algo el director me convocó, porque veía ciertas cosas que yo podía dar, pero por otra parte es un personaje creado, no soy yo, y la forma de actuar de él y ciertas cosas son de acuerdo a lo que el guión marcaba y de acuerdo a lo que él (el director) había imaginado. Yo puedo decir que en algunos aspectos me parezco mucho, y en otros soy muy distinto. Por ejemplo, el personaje, salvo casi al final, casi nunca se ríe y yo tengo mucho humor; el personaje es muy formal, casi como un hombre de otro tiempo, y yo no digo que sea informal, pero no soy tan formal. Y además compartimos una pasión por el cine, eso está muy claro, pero como te digo yo no trabajo en la cinemateca, no me encargo de proyectar películas. Lo mío es más por el lado de la crítica, de la elección para festivales. Y bueno, en otros aspectos del personaje yo diría que no esperaría tanto para invitar a la chica a salir.

Dijiste que el personaje era como un hombre de otro tiempo. La película es en sí un homenaje al cine clásico, pusiste mucho de eso también para el personaje.
Sí, el director de alguna forma sugería algunos indicios de películas y actuaciones que yo podía recordar para guiarme un poco de la forma de cómo el personaje podía moverse, de cómo podía actuar, pero no con una idea de copiar, sino de tener un marco de referencia. Si bien lo que primero que se ve en la película son unas manos que abre un paquete y reparte unos DVD, o sea algo moderno, todo el entorno, te diría hasta los equipos, una cantidad de cosas que son atemporales podrían ubicarse ahora o ser de hace treinta años. Recién en la segunda parte cuando él camina por las calles se ve un ambiente más moderno. Eso es buscado por el director porque está haciendo referencia a un cine clásico que tiene ese formato, ese estilo. La iluminación fue muy trabajada para recordar lo que era el cine de la época. Hay como un viaje hacia el pasado. De alguna forma también es como decir que esa experiencia de la cinefilia y de la cinemateca también pertenece a ese pasado, porque hoy las formas de acceder al cine han cambiado mucho, antes uno tenía que esperar mucho tiempo para poder ver una película en una sala y era la única oportunidad. Hoy en día se puede acceder por internet, por otras vías, hay mucho más facilidad para llegar al material, y también se ha perdido un poco todo el encanto que tenía esa experiencia que era muy común: ir a ver una película clásica que era una sola exhibición porque la única copia se iba a exhibir y todo era un acontecimiento. El cine como acontecimiento, como hecho social, creo que hoy ha cambiado mucho.

Como crítico, ¿cómo ves el Festival de Lima?
Es la primera vez que vengo, pero tenía muchas referencias. Es un festival que, tengo entendido, ha crecido mucho, es, yo diría, uno de los festivales más importantes en Latinoamérica. Ya tiene quince años, lo cual ya es mucho, veo que tiene una programación muy cuidada en todos los aspectos, me ha impresionado. No conocía el lugar pero sí tenía muchos amigos y críticos que me contaban que habían estado aquí. Así que es un gran gusto haber estado aquí con la película.

¿Qué has visto del cine peruano?
He visto algunas películas nuevas, como el caso de Contracorriente y algunas películas un poco anteriores. Me parece que el cine peruano está viviendo un periodo interesante, hay como una nueva generación de gente que está realizando sus primeros trabajos, de alguna forma eso está en consonancia con el cine de otros países como Argentina, el caso de Uruguay, el de Chile. También ha habido una gran renovación con nuevas propuestas y eso me parece muy importante. Veo que además el cine Latinoamericano en general está en un momento especial, de alguna forma se posiciona a nivel internacional, gana premios, es reconocido por la crítica, hay directores valorados. Es un momento en el que el propio cine está en una renovación de cambios tecnológicos, de formatos y plataformas, además. Bueno, y creo que van a surgir muchas películas interesantes en el Perú y espero que también haya apoyos del Estado para poder producir.

Sobre esa renovación de la que hablas, por tu lado has tenido mucha experiencia con el celuloide. ¿Qué opinas sobre ese cambio digital?
Bueno, el cine desde su inicio ha estado muy vinculado a lo tecnológico, con el desarrollo de la tecnología de fines del siglo XIX, y luego el siglo XX prácticamente no cambió mucho, los dos grandes cambios quizás fueron el sonido y luego en los años cincuenta la expansión del cine de gran formato, el cinemascope. Luego hubo todo un cambio tecnológico en la producción de cine a partir de los 90s con la llegada de toda la tecnología digital. Pero lo que hoy ha cambiado más no es tanto la producción, que sí ha habido cambios, sino sobre todo la difusión porque hoy en día hay, yo diría en rasgos muy generales, como tres formas de acceder a una película: la vía convencional que es a través de los circuitos comerciales, ir a las salas de cine primero, luego la distribución en DVD, luego los formatos para televisión, cable o satelital, etc.  Esa es una forma y aunque esté un poco en crisis sigue funcionando. Luego están los festivales de cine que son cada vez más importantes, son una vía alternativa de ver películas que no se estrenan en los circuitos comerciales muchas veces. Y luego hay una tercera vía que es todo ese mundo que se abre a partir de internet y del acceso ya sean en copias legales o no, de forma muy libre, muy abierta, a materiales que de otra forma no llegan tampoco. Es un territorio nuevo que no sabemos hasta dónde va a crecer y va a sustituir o no al cine. Creo que no lo va a sustituir del todo nunca, pero mucha gente que mira hoy películas lo hace desde la pantalla de su computadora. Es un cambio y hay que pensar también cómo eso va a afectar o condicionar la producción porque ya hay que pensar cuando se hace una película para qué forma de exhibición la vas a encaminar. Estamos en un momento en que las tecnologías están marcando caminos nuevos.

Llegó a Lima para presentar su último documental en competencia en el ya finalizado XV Festival de Lima. Pero más que por la competencia, ella llegó a nuestro país a mostrar la cara terrible de una dictadura como la que se vivía en Guatemala en la década de los 80s, una que resuena en cada rincón de Latinoamérica como propia. Pero por encima de todo, ella vino para mostrar que queda esperanza, que no hay mal que por bien no venga, que el documental es tal vez ese salvavidas con el cual nos podemossalvar de hasta el más tormentoso tsunami político. O al menos ella así lo cree. Esta es su historia, en una entrevista.

Tengo entendido que Granito de Arena está centrado en un juicio que entablas utilizando material de otro documental tuyo, allá en los 80s.
Un documental que hice en 1982 que se llama Cuando las Montañas Tiemblan. De él utilizan todo el material inédito como evidencia forense en un caso de genocidio en la Audiencia Nacional de España. Pero más que eso, Granito de Arena es un documental sobre cómo hacer o lograr el cambio social, que sí se puede. Es un documental lleno de esperanza, porque los guatemaltecas nunca han dejado la búsqueda por la justicia. El único genocidio en América Central en el siglo XX sucedió en Guatemala. Dos de los generales que están en la sala de juicio para el genocidio están en mi documental original. La persona que llevó el caso a la Audiencia Nacional de España, Rigoberta Menchú, premio Nobel de la paz, cuando tenía 22 años, fue la protagonista de Cuando las Montañas Tiemblan. También es un documental sobre el destino. Y, a la vez, es un documental sobre los documentales, sobre mi carrera como documentalista en más de 30 años.

¿Cómo es que interesas inicialmente en la situación de Guatemala?
Yo estaba trabajando como sonidista para otros directores en los años 70s y 80s en Centro América, durante la guerra en Nicaragua y el Salvador, cuando oí de una guerra escondida en Guatemala. Todos los periodistas guatemaltecos estaban siendo matados, o silenciados, por el gobierno, al tratar de escribir y revelar esta guerra escondida. Yo estaba interesada en exponer lo que estaba pasando en Guatemala. Y también lo hice porque sabía que el gobierno de los EEUU tenía un rol fundamental en perpetrar las dictaduras en Centroamérica, especialmente en Guatemala. Era mi responsabilidad como ciudadana americana.

¿No tuviste miedo en algún momento a las represalias?
Siempre, mucho miedo. Pero el miedo nunca me ha parado. Una tiene que aprender cómo vivir con el miedo, o convivir con él.

¿Has recibido amenazas alguna vez?
No, felizmente. Se me hace que los guatemaltecos están en mucho más peligro que yo.

¿Mantienes contacto constante con la gente involucrada en ambos documentales?
Sí, se me hace que es muy importante para un documentalista seguir ligada con las personas y el lugar donde se hacen los documentales a través de los años. No simplemente regresar a hacer documentales sobre el mismo tema, sino entablar relaciones más estrechas con la gente del lugar. Yo fui a Guatemala a mostrar Granito de Arena a las personas que aparecen en el documental, antes de estrenarla públicamente.

¿Cómo ves esta inestabilidad política que se vive en Latinoamérica en general, no solo en Guatemala?
Cuando yo empecé mi trabajo en América Latina, porque también hago documentales sobre los EEUU allá, todos los países, excepto por tres, estuvieron bajo dictaduras militares. Ahora se me hace a mi que, a pesar de los problemas que existen, hay democracia, estados democráticos, y eso es debido al trabajo ejemplar del Movimiento por los Derechos Humanos, que ha insistido a los países a seguir un Estado de derecho. Por lo menos ahora hay la libertad de tener manifestaciones, como en Chile. Hay problemas, sí, pero ahora hay otras maneras de resolver los problemas, en vez de desapariciones, torturas, crímenes de lesa humanidad, entre otros. La situación es mucho más favorable ahora. ¿Pensabas en algo en particular?

No, no, se me venía a la cabeza Correa ahorita no más en Ecuador y la pena que consiguió contra un periodista, o en Venezuela…
Chávez.

O aquí mismo empezamos un nuevo gobierno, no sabemos exactamente qué es lo que va a pasar.
Al menos Susana Baca es Ministra de Cultura. (Risas).

Es una estabilidad que no hemos tenido y todavía no tenemos. Incluso Chile, que se pensaba estaba bien, ahora de la nada estalla en esto.
Felizmente la mayoría de países son democráticos hoy, al menos en eso se ha avanzado algo.

Pero queda ese miedo.
La lucha nunca para, nunca se detiene.

¿Crees que con los documentales se puede cambiar la mentalidad de la gente? ¿Se los puede hacer reflexionar?
Ese es el corazón de Granito de Arena, justamente. Porque es una carta a la próxima generación, tu generación exactamente, de que el hecho de documentar violaciones de derechos humanos sí vale, y sí puede tener un impacto imprevisto. Buen ejemplo ha sido toda la documentación de las violaciones de derechos humanos en los años 80s y 90s aquí en el Perú. Ahora Fujimori está preso, y mucho de eso se debe a esa documentación, sacada en los 10 años de su Presidencia.

¿Cómo sientes que ha evolucionado la manera de hacer documentales en los últimos años?
En las décadas que voy haciendo documentales, hemos visto cambios tremendos. Por ejemplo, la democratización de los medios de producción: ahora cualquier persona puede hacer un documental. Bueno, cualquier persona también puede escribir un libro, ¿no? Pero eso no quiere decir que uno es buen cineasta. Pero se da esta apertura para poder hacerlo. La otra cosa es que está explotando el género documental en el mundo entero, porque se han aceptado muchas formas de hacer documentales. Ahora el campo es mucho más amplio artísticamente.

¿Y con respecto al público?
Creo que acepta más esa amplitud artística sobre lo que es hacer un documental.

Aún antes que el mismo Orson Welles, Matías Bize hizo su primera película a los 23 años (Sábado). Ahora, a sus 32 cuenta ya con cuatro largometrajes. El cineasta chileno es consciente de que pocos tienen la suerte de gozar de ese éxito a tan corta edad, un éxito no solo comercial y con el público, sino también con la crítica y los premios. Sus cuatro películas han significado de una u otra forma una pauta para el cine chileno contemporáneo. Su último film, La vida de los peces, ganador del Premio Goya, llegó al Festival de Lima en competencia oficial. Esta fue la primera vez de Bize en Lima y terminó muy satisfecho con el recibimiento de su último trabajo.

¿Qué tal te ha ido con La vida de los peces en lo que va del festival?
Muy bien, presenté la película dos veces y fue buenísimo porque las salas estuvieron agotadas las dos veces. Había mucha gente emocionada, fui al final de una de las proyecciones y salía mucha gente conmovida con la película.

Tú hiciste tu primer largo a los 23 años, incluso antes de terminar la carrera. Y ahora que ya has hecho tu última película, ¿cuál sientes que ha sido la evolución desde tu primer largo hasta ahora?
Ha sido un camino muy satisfactorio, muy bonito también. Han pasado creo que solamente cosas buenas, ha sido de mucho aprendizaje; Sábado fue una película que me permitió darme a conocer como director, de ser estudiante de cine. Pude viajar mucho con la película, ganó premios, y eso ya me dio como un pie para poder hacer En la cama, mi segunda película, en una mucha mejor posición. Y En la cama fue una película que realmente me dio un salto gigantesco. La película se estrenó comercialmente en casi todo el mundo y es, digamos, muy de cámara, muy pequeña, pero ganó muchísimos premios y me convirtió en director ya totalmente. Luego hice Lo bueno de llorar que es una película que también me trajo mucha satisfacción, la hice en España, con financiamiento español. Y luego hice La vida de los peces, mi cuarta película, también una co-producción con Francia y con Chile, y es mi película que más me gusta. Siento que todo lo que he ido aprendiendo con todas las películas está puesto en La vida de los peces, estoy contento con lo que hice. Y luego han pasado cosas increíbles como el haber ganado el Goya, todo el circuito que ha tenido la película que arrancó en Venecia. Siento que ha sido un proceso muy paulatino, de mucho crecimiento, con películas muy personales que a mí me gustan mucho, que son historias muy verdaderas. E intento o intentaré seguir por esa línea, con hacer películas que a mí me representen, que yo me sienta cómodo, que son historias de parejas, de relaciones humanas.

¿Qué se siente ser tan joven y tener cuatro largos?
Siento primero una satisfacción muy grande de poder vivir de lo que a mí me gusta, que es el cine. Tengo la suerte de que solamente vivo de las películas que estoy haciendo, pero incluso más suerte de vivir de las películas que yo quiero hacer, no son películas por encargo ni nada. Me he rodeado también de un equipo técnico, humano y artístico buenísimo, entonces también es un trabajo de mucha gente que ha perdurado en el tiempo. Generalmente trabajo con compañeros de escuela, con los técnicos que fue con los que me formé y voy sumando gente, pero también ha sido una cosa como de una familia que ha ido creciendo. Lo mismo con los actores que varios se han repetido en las películas.

¿Cómo está el desarrollo del cine en Chile?
En este momento siento que hay un muy buen momento. En el 2000 aparecieron muchas escuelas, universidades que daban la carrera de cine. Entonces empezó a salir mucha gente joven, con ganas de hacer cine, y esto siento que se ha traducido en muy buenas películas, películas que han ganado premios fuera, películas que están luchando. Y yo espero que esto se mantenga, con los fondos también, que obviamente son escasos frente a la cantidad de talento que hay.  Siento que el talento ha ido creciendo pero los fondos se han ido manteniendo. Creo que lo importante sería que esto se mantenga en el tiempo, que no sea solamente la primera película de un director, sino que sean directores que hagan carrera. Yo al cine lo veo como una carrera de largo plazo, para mí es muy importante ir creciendo, ir aprendiendo, ir mejorando con cada película para poder hacer una buena cinematografía.

En el sentido de los fondos de los que hablas, ¿cómo es el tema del apoyo del Estado o de las empresas allá en Chile, cómo funciona eso?

De empresas privadas no me ha tocado a mí, mis películas siempre son financiadas con fondo público, y yo siento que está muy bien, es mejorable, tiene que ser mejorable, pero me parece que hay una conciencia también de lo importante que es el cine, en apoyar las películas no solamente en su rodaje sino también en su reproducción, en su distribución, en promoción. En ese sentido es mejorable obviamente, pero vamos por un buen camino.

¿Tienes algún nuevo proyecto en mente, algún nuevo guión?
Por ahora no, porque todo lo que ha pasado con La vida de los peces ha sido tan bueno que no he tenido el tiempo de poder trabajar en un guión. Hace un año que arranqué, empezó en el Festival de Cine de Venecia y ya van más de cincuenta festivales, le ha tocado ir a estrenos comerciales, y no he tenido el tiempo todavía de sentarme a escribir el guión porque también son películas que son muy cercanas, que también tienen un compromiso mucho mayor. Pero ya tengo ganas, ahora quizá debo parar un poco con la promoción o ir dejándola de a poco y empezar a trabajar en un nuevo guión. Todavía no tengo nada concreto.

Con La vida de los peces te ha ido bien tanto en crítica como en público, ¿Qué es lo que más te interesa a ti? ¿Te gusta que sea un cine que llegue al público o…?
Claro, yo creo que es difícil elegir una de las dos porque finalmente yo siento que la película se termina en el espectador. O sea yo hago quizá tres cuartas partes y la cuarta parte la pone el espectador. Cada uno ve una película distinta, además, según su experiencia personal. Yo lo que quiero es llegar a la mayor cantidad de gente posible, pero cuando estoy trabajando, escribiendo o dirigiendo lo que me imagino es que esa película me tiene que gustar a mí. Yo soy el primer espectador de la película, mi felicidad o mi satisfacción está cuando veo la película y yo quedo contento. Y en ese sentido estoy muy contento porque mis cuatro películas me gustan muchísimo, cada una me gusta más incluso que la anterior. Todos los premios los tomo como un regalo, un regalo que viene después.

Hace unos años vi acá en el festival una película chilena que se llamaba El cielo, la tierra y la lluvia. ¿Qué opinas de ese cine minimalista que parece que está llegando mucho a Latinoamérica?
Sí, yo vi específicamente El cielo, la tierra y la lluvia, es una película que me gusta mucho, es un director también que me gusta mucho, y tiene una carrera que siento que le va a ir muy bien, es José Luis Torres Leiva. Y a mí me gusta sobre todo porque es un cine muy personal  y cuando hablábamos de público, de crítica, a mí me gusta mucho una película cuando veo que hay un director detrás y que es consecuente con lo que hace. Eso es lo que a él le gusta y eso es lo que a él le mueve. En ese sentido me parece que esa es una película que cumple específicamente con eso. A mí me interesa cuando veo la mano de un autor, pueden ser películas muy diversas, que no comparta yo el gusto quizá, pero cuando veo que hay un autor en la película, esa película ya me interesa.

¿Y has visto algo de cine peruano, conoces algo?
Sí, he visto Contracorriente, Días de Santiago, La teta asustada, Madeinusa, son películas que yo siento que son súper importantes y con directores también que tienen carreras súper importantes, no sólo en Perú, sino también afuera. Me parece interesante que haya muchos directores jóvenes haciendo películas que se terminan proyectando no solo acá. Yo todas las películas las vi en festivales o en otros países, son películas que a mí me gustan mucho. Además tengo la suerte de conocer luego a los directores, ser amigos también. Entonces me siento también parte de una generación de directores jóvenes latinoamericanos.

Y en general, ¿cómo ves el panorama del cine en Latinoamérica?
Yo creo que es un cine muy interesante. Yo tengo la suerte de poder verlo mucho en los festivales. Curiosamente lo veo más en festivales europeos que en una sala de cine en Chile. Es curioso que yo vaya a ver Contracorriente a un festival en Europa y no la vea en una sala en Chile, pero bueno, eso es así. A mí me parece muy interesante lo que pasa en Perú, lo que pasa en Uruguay, lo que pasa en Argentina, en México, en Chile. Curiosamente son las películas que más me terminan gustando, porque siento que son películas arriesgadas, que no piensan tampoco en el resultando del  público, digo no piensan en el buen sentido de la palabra. Son películas que están hechas desde un lugar súper fuerte, desde una mirada, y eso a mí me parece interesante.

Cuba, 1993. El Sida es una enfermedad aún desconocida para la sociedad adolescente. Ecos de su existencia, tal vez mítica, ligada más bien a centros estudio patrocinados por el gobierno donde el estilo de vida es de comodidad absoluta. Este ideal de vida es el que hace que toda una generación tenga la idea de que el Sida, en ese entonces intratable, sea mas bien la salvación a sus problemas de hambruna, de pobreza extrema, de rechazo en la sociedad. Lima, 2011. Dunia Matos llega a Lima a presentar una película que protagoniza, dirigida por Gerardo Chijona, en la que se discuten justamente estos temas, esta realidad pasada. Concede una entrevista a este portal, en la que habla de su preparación para este personaje duro, trastocado por la sociedad, su primera experiencia en el cine y qué hubiera hecho, tal vez, de encontrarse frente al Sida como este portal de salvación.

Has estado en las presentaciones de la película con el público ¿Cómo has sentido el recibimiento de la película?
Yo creo que muy bien, la gente como que todavía no entiende muchas cosas igual. La película la ven como extrema, pero creo que les ha gustado muchísimo.

Pero es extrema, la película es fuerte en muchos aspectos.
Sí, pero son cosas que son tan cubanas que a la gente le cuesta un poco entender y la ve como un no creíble. Y se quedan pensando, ¿será realidad? ¿Será verdad? ¿O están exagerando? La gente se quedó un poco shockeada, es que también la película te deja pensando. Cuando empiezan los créditos te quedas, ¿por qué tal cosa? Son tantos temas. La película puede ser un poco abrumadora porque tocan muchos temas y te confunde, además, la realidad, la historia de Cuba, que es dura.

La película está justamente basada en historias reales.
Las historia son sacadas de un libro que se llama ‘Sida, confesiones a un médico’. El director lee el libro, en el que habían muchas más historias, y ve dos que le gustaron mucho: así nace la película. Son basadas en hechos reales, pero al margen de las historia está la misma historia de Cuba en ellas, bastante certera. Muchos adolescentes en la época se contagiaban de Sida porque pensaban que así conseguirían una mejor vida a partir de estos servicios para enfermos. Se enfrentaban a la muerte, mas bien.

Tú eres joven, no viviste en la época. ¿Cómo es que te preparas para un personaje así?
Investigación, porque en ese entonces tenía cinco años, esa etapa para mí no existe, es como un hueco negro de la historia. Me tocó investigar muchísimo, ver muchas películas de ese tiempo, hablar con muchas personas de esa época. El trabajo del actor es que se vea lo más real que se pueda, además de ser una responsabilidad muy grande por la gente que sí vivió en esa época. Y si tú no eres real en lo que propones, la gente va decir eso no fue así, la gente no era así y los frikis no eran así.

¿Cómo te acercas a este mundo de los frikis? Tienes, para empezar, un look duro.
Es muy fuerte. El director me propone lo del rapado y a mí me pareció muy acorde al personaje. La gente ve al personaje como muy masculino, pero es un personaje que está tan pendiente por su lucha por la supervivencia, de sobrevivir, que no puede estar pendiente de qué ropa usa, ni de cuidarse estéticamente. Es un personaje salvaje, como un animalito, buscando todo el tiempo sobrevivir. Me puse de acuerdo con el director, con los de vestuario, porque igual ellos tienen que hacer su trabajo, pero me pareció que la imagen tenía mucho que ver con el personaje y todo el pasado que se nos cuenta en la película. Tú te imaginas lo que debe haber pasado el personaje para que haga cosas tan terribles y le parezca del más normal. Además, los frikis en ese tiempo eran así, era como una forma de vida, se vestía así y escuchaban música. El ser friki era como encontrar un sentido a tu vida, y te unías con gente que iba en la misma dirección.

¿Te costó mucho meterte en el personaje?
Claro me costó, porque yo, como nueva generación, no entiendo muchas de la cosas, muchos de esos temas, no entiendo, y todavía no le encuentro explicación. La película toca temas que son muy del 93. La ignorancia que había en ese tiempo alrededor del tema del Sida, me pareció increíble. Yo como actriz conocía mucho del tema, en la actualidad, pero en ese tiempo tenía que actuar como si no supiera nada de nada. Es como una lucha entre la actriz y el personaje. El director jugó un papel muy importante, porque él sí vivió esa época, así que fue como un profesor para nosotros y nos enseñó vías para llegar al personaje, nos ayudó muchísimo. Además de ser un hombre con una experiencia tremenda en cine, sabe exactamente lo que quiere.

¿Cómo dirige Chijona? ¿Te dice: ‘quiero esto, quiero lo otro’ o es más dialogante?
Chijona es flexible, eso es muy bueno para la relación director-actor. Él como director tiene una idea muy clara de lo que quiere, pero como actor hay cosas en las que uno discrepa con el director. Yo me sentaba a hablar y él me decía ‘a mi me gustaría tal cosa’, o tal plano que sea de tal forma, pero yo como actriz tenía derecho a opinar. Él era muy flexible con eso y respetó que era la primera vez que yo hacía cine, era inexperta total: te permitía llegar un acuerdo. Trabajar con él en mi primera película fue buenísimo, es un director súper preparado, muy sensible a lo que quieren los actores.

¿Cuánto hay de improvisación de parte de ustedes? Porque en las escenas iniciales de la película, en las que los cuatro jóvenes recién se conocen, todo se siente muy cercano, muy íntimo, como si en verdad fueran ustedes.
Esa era la idea. Las escenas tenían una base, por supuesto, de guión, de cosas que habían que hacer en la escena, pero todos queríamos darle un toque de frescura, porque cuando te quedas en lo básico la gente se aburre. Había, felizmente, una química entre los actores increíble, eso es muy difícil de lograr entre tantos actores, yo creo que la química fue súper importante, desde el principio estaba. Nosotros todo el tiempo le proponíamos cosas al director, de jugar, de improvisar un poco y nos pareció muy loco porque Chijona, a pesar de ser muy directo y de hacer lo que hay que hacer, a nosotros nos dejó jugar con esas escenas, y eso se nota en la película. La gente nos ve como amigos de verdad, y lo somos, que viven la vida, hay un fresco, tienen un juego que es muy propio de la adolescencia, porque son adolecentes. No se podía quedar en lo básico, teníamos que buscar juegos, ya que todos éramos muchos más grandes de la edad que estábamos interpretando. Teníamos que entender que eran adolecentes y que el adolecente ve la vida de otra manera .

¿Cómo los prepara el director para las escenas más fuerte, por ejemplo, la del sexo de a cuatro?
Para esas escenas no te prepara nadie. Pero influye mucho la comprensión con el director, el ambiente en el que estás, que te sientas cómodo, que haya un respeto, pero para eso te tienes que preparar tú. Tienes que entender e interiorizar, es terrible. Fue la última escena de la película, la escena del desnudo, para mí fue la escena más terrible. Fue la última, ya todos nos conocíamos, felizmente había plena confianza. Había un respeto increíble y una profesionalidad increíble. Pero para eso no te prepara nadie, te preparas tú solo.

Hay reflexión en la película en torno al tema de la supervivencia a toda costa. Estos chicos ven en la enfermedad, en la muerte posible, un mejor estilo de vida, es toda una paradoja. ¿Cómo ves eso?
No sé, porque mira: el ser humano es muy complicado, el ser humano busca caminos que a veces no son los correctos, pero para ellos en ese momento estaba perfecto y muy bien lo que estaban haciendo, todo producto de la ignorancia. Para ellos fue la salvación, y quizás aún sabiendo lo terrible que podría ser, lo hubieran hecho nuevamente. Cuando uno es adolecente es inconsciente de muchas cosas, actúas por impulso y no con raciocinio. Yo no sé si lo hubiera hecho, pero tampoco tengo la certeza de que no lo hubiera hecho, porque fue en una época muy particular en una situación muy particular, era otro contexto. La gente no sabía si era la salvación, igual lo hacían sin mirar atrás.

Y ahora, ¿qué proyecto tienes?
Ahora pretendo trabajar en Bogotá con la FOX, no es totalmente seguro, pero hay una cosita por ahí que se está gestando. Eso es lo más inmediato que tengo, es para una serie. Sería algo muy bien, algo nuevo para mí, en un ambiente distinto, una cultura distinta, distinto de como se trabaja en Cuba. Me encantaría volver hacer cine, también, pero también me gusta mucho el teatro, que es lo más puro, la base de todo, es la actuación pura.

Por tu Culpa debe ser la película más inquietante del certamen de este año, en competencia. Anahí Berneri logra, con destreza, convertir una situación cotidiana en una de las más incómodas experiencias que he tenido frente a un ecram en la presente edición del festival, en el presente año tal vez, también, y lo digo de la mejor manera, claro. Julieta es una madre de familia joven, separada de su esposo, que en las últimas semanas ha tenido bajo su cuidado a sus dos hijos, mientras lidia a la vez con el trabajo, con su madre insistente al teléfono, y el caos que se arma en casa. Un buen día, uno de ellos se cae de la cama, se golpea la cabeza. Julieta, precavida, decide llevarlo al hospital más cercano, por si las dudas, para evitar cualquier tipo de complicación posterior. Ella no sabrá que enredo tras enredo llegarán a abofetearle en la cara luego.

Así de simple, así de concreta es la historia, así de lineal, de realista, de cotidiana. La película sigue el andar de esta mujer con sus hijos paso a paso, lentamente, minuto a minuto, casi en tiempo real. Realista, esa es la principal característica de la película, tal vez. La cámara expectante, tímida de acercarse demasiado, prefiere ver entre la abertura de la puerta, desde una ventana, desde un reflejo. Pero cuando puede, cuando mella la situación, cuando apremia el dolor, se acerca demasiado, se mete dentro del personaje y lo mira de cerca, en su suplicio, dimensionando a su personaje, sus dilemas internos que antes nos eran imperceptibles, haciendo que la confusión adquiera sentido, haciéndonos ver perfiles familiares particulares.

Esta historia mínima, realista, expectante, reflexiva, de la mano de una Berneri que sujeta todos los hilos conductores, se convierte en un remolino de emociones. Líneas de diálogo sutiles que provocan y cuestionan (tanto al espectador como al personaje), llantos y gritos en off, la cámara tiesa que deja que internamente los objetos se muevan, la atmósfera que cala hondo, tanto visual como auditivamente. No hay música aquí, pero sí una sinfonía de horror, todo lejano, en segundo término, en off, tal vez, pero dejando la sensación de que en cualquier momento podrían suscitar el acabóse en pantalla. Y ya está. ¿Para qué más? Un personaje complejo andando en realismo, apoyado en una deliciosa performance de Erica Rivas, sumado a una atmósfera que jode de inicio a fin, este thriller que pareciera estar a punto de empezar a cada momento (claro que nunca lo hace, felizmente), hace que los cabos sueltos, la ausencia de respuestas enriquezcan las lecturas, enriquezcan la emoción y la incertidumbre a cada momento.

De lo mejor del festival este año.

Al final de este post, los ganadores oficiales del Festival de Lima de este año. Pero más que eso, este post lo que quiere es mostrarles las películas que le gustaron al equipo de En Cinta, las diferentes listas que cada redactor de este aún joven blog ha armado en torno a sus obras favoritas (tanto en competencia como fuera de ella), discrepando en muchos casos con los premios oficiales que ha entregado el Jurado y la Crítica Internacional del certamen de este año. Esperamos con esto ayudarlos a elegir qué películas ver en el ciclo de repetición que se presenta desde hoy en el Centro Cultural de la Católica, o simplemente generar debate y posibles nuevas listas de ustedes nuestros lectores. El cine es así, subjetivo. Disfruten.

Click para ver el álbum de fotos de la ceremonia de clausura de ayer.

Alberto Castro (McZorro)

(de entre todas las secciones)
1 El abismo plateado de Karim Ainouz
2 Las acacias de Pablo Giorgelli
3 Midnight in Paris de Woody Allen
4 Por tu culpa de Anahí Berneri
5 El casamiento de Aldo Garay

Mejor Actor: Germán de Silva por Las acacias
Mejor Actriz: Erica Rivas por Por tu culpa, y Paula Galinelli Hetrzog por El Premio

Jonatan Medina

(de entre todas las secciones)
1 Las acacias de Pablo Giorgelli
2 Guest de José Luis Guerín
3 La vida útil de Federico Veiroj
4 El casamiento de Aldo Garay
5 Post Mortem de Pablo Larraín

Mejor Actor: Jorge Jellinek por La vida útil, Germán de Silva por Las acacias
Mejor Actriz: Erica Rivas por Por tu culpa

Miguel Quiñones (Rockcine)

(de entre todas las secciones)
1 Midnight in Paris de Woody Allen
2 La vida útil de Federico Veiroj
3 Las acacias de Pablo Giorgelli
4 Waste Land de Lucy Walker y Karen Harley
5 El casamiento de Aldo Garay

Mejor Actor: Germán de Silva por Las acacias, y Alfredo Castro por Post Mortem
Mejor Actriz: Erica Rivas por Por tu culpa, y Antonia Zegers por Post Mortem

Paulo César Rojas

1 La vida útil de Federico Veiroj
2 Verano de Goliat de Nicolás Pereda
3 Post Mortem de Pablo Larraín
4 El premio de Paula Markowitch
5 Las acacias de Pablo Giorgelli

Mejor Actor: Alfredo Castro por Post Mortem
Mejor Actriz: Erica Rivas por Por tu culpa

Tessy Sobrevillas

(sin orden de preferencia)
Las acacias de Pablo Giorgelli
La vida útil de Federico Veiroj
Por tu culpa de Anahí Berneri
Abismo plateado de Karim Ainouz
Post mortem de Pablo Larraín

Mejor Actor: Jorge Jellinek por La vida útil, y Germán de Silva por Las acacias
Mejor Actriz: Erica Rivas por Por tu culpa, y Alessandra Negrini por Abismo plateado
Mención Especial: Paula Galinelli Hetrzog por su actuación en El Premio

Solange Cáceres (Sol2011)

(Competencia Ficción )
1. Las acacias de Pablo Giorgelli
2. La vida útil de Federico Veiroj
3. Por tu culpa de Anahí Berneri
4. El Premio de Paula Markowitch
5. Post mortem de Pablo Larraín

Mejor Actor: Germán de Silva por Las acacias, y Jorge Jellinek por La vida útil
Mejor Actriz: Erica Rivas por Por tu culpa

LISTA DE GANADORES OFICIALES DEL FESTIVAL

CATEGORÍA FICCIÓN

Premio del Jurado a la Mejor Película de Ficción: El Premio (México) de Paula Markovitch
Premio del Jurado al Mejor Director: Anahí Berneri por Por tu Culpa (Argentina)
Premio Especial del Jurado de Ficción: Jean Gentil (República Dominicana) de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas
Premio a Mejor Actriz: Helena Albergaria por Trabajar Cansa (Brasil)
Premio a Mejor Actor: Damián Alcázar por Chicogrande (México)
Premio a la Mejor Fotografía: Sergio Amstrong por Post Mortem
Premio a la Mejor Ópera Prima: Las Acacias de Pablo Giorgelli (Argentina)
Premio de la Crítica Internacional a la Mejor Película: Jean Gentil (República Dominicana) de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas
Mención honrosa de la Crítica Internacional: La vida útil de Federico Veiroj

MEJOR DOCUMENTAL

Premio del Jurado al Mejor Documental: El lugar más pequeño de Tatiana Huezo (México)
Mención Especial del Jurado: El casamiento, de Aldo Garay (Uruguay)

OTROS PREMIOS

Premio a la Película Mejor Votada por el Público: Tropa de Elite 2 (Brasil) de José Padilha.
Segundo puesto, Película Mejor Votada por el Público: Sin retorno (Argentina) de Miguel Cohan.
Premio a la Película Peruana Mejor Votada: El inca, la boba y el hijo del ladrón (Perú) de Ronnie Temoche.
Premio Cinecolor a la Película Mejor Votada Online: Hermano (Venezuela) de Marcel Rasquin.
Premio a la Película Peruana Mejor Votada Online: El inca, la boba y el hijo del ladrón (Perú) de Ronnie Temoche.
Premio APC-Asociación Peruana de Comunicadores Monseñor Luciano Metzinger: Las Acacias (Argentina) de Pablo Giorgelli.
Premio Apreci a la Mejor Película en Competencia: Por tu Culpa (Argentina) de Anahí Berneri
Concurso de Cine Peruano en Construcción Cinecolor: Los Sonidos Profundos (Perú-España) de Javier Corcuera.

GANADORES FILMOCORTO

Mejor Corto Ficción y preferido del Público: Pornstar de Yashim Bahamonde y Nelson Mendoza
Mejor Corto Experimental: El Mágico Mundo del Inglés de Eliana Otta.
Mejor Corto Animación: Función macabra de Diego Vizcarra.
Mejor Corto Documental: La calma de Fernando Vílchez y Vine cargando mi arpade Sofía Velásquez y Carlos Sánchez.
Mejor Ópera Prima: Regreso de Jano Burmester.
Mejor Director: Fernando Vílchez por La calma
Ópera Prima: El Primer Hallazgo de Julio Parra.
Mejor Música: Pauchi Sasaki por Regreso.
Mejor Guión: Julio Ramos por ¡Una carrerita, doctor!

Hoy se acaba el XV Festival de Lima, y en la noche, en una ceremonia a realizarse en el Museo Pedro de Osma, se darán a conocer las películas galardonadas con los diferentes premios que entrega tanto el jurado como diferentes secciones alternas. Pero, ¿qué? ¿No viste las que querías ver? ¿Llegaste tarde y se acabaron las entradas? ¿Recién te enteras del Festival de Lima? No te preocupes. Como todos los años, en el Centro Cultural de la Católica se ha programado la sección ‘Lo que te perdiste del festival’, del 14 al 17 de este mes, una selección de 24 películas de las diferentes secciones (tanto competencia como alternativas) de la gran fiesta del cine de este año.

Evento: “Lo que te perdiste del Festival”
Fecha: Del domingo 14 al miércoles 17 de agosto de 2011
Lugar: Centro Cultural PUCP. Salas Azul y Roja
Costo: S/.15 Entrada general, S/. 13 estudiantes/jubilados, S/.10 estudiantes PUCP.
Puntos de venta: Taquilla Centro Cultural PUCP

Domingo 14 de agosto

2:30pm Sala Roja POR TU CULPA (Dir. Anahí Berneri) (Argentina)
3:00pm Sala Azul LOS COLORES DE LA MONTAÑA (Dir. Carlos César Arbeláez) (Colombia)
5:00pm Sala Roja REHEN DE ILUSIONES (Dir. Eliseo Subiela) (Argentina)
5:15pm Sala Azul WASTE LAND (Dir. Lucy Walker) (Brasil-Reino Unido)
7:15pm Sala Roja MEDIA NOCHE EN PARIS (España-Estados Unidos)
7:30pm Sala Azul EL ABISMO PLATEADO (Dir. Karim Ainouz) (Brasil)
9:30pm Sala Roja SIN RETORNO (Dir. Miguel Cohan) (Argentina)
9:45pm Sala Azul LA DOBLE VIDA DE WALTER (Dir. Jodie Foster) (Estados Unidos)

Lunes 15 de agosto

2:30pm Sala Roja LA VIDA DE LOS PECES (Dir. Matías Bize) (Chile)
3:00pm Sala Azul UN MUNDO MARAVILLOSO (Dir. Luis Estrada) (México)
5:00pm Sala Roja 18 COMIDAS (Dir. Jorge Coira) (Argentina-España)
5:15pm Sala Azul EL EDIFICIO DE LOS CHILENOS (Dir. Macarena Aguiló ) (Chile)
7:15pm Sala Roja LOS COLORES DE LA MONTAÑA (Dir. Carlos César Arbeláez) (Colombia)
7:30pm Sala Azul CIUDAD JARDIN (Dir. Camilo Vila) (Estados Unidos-Perú)
9:30pm Sala Roja CARLOS (Dir. Olivier Assayas) (Francia)
9:45pm Sala Azul HABANA EVA (Dir. Fina Torres) (Venezuela-Cuba-Francia)

Martes 16 de agosto

2:30pm Sala Roja CHICOGRANDE (Dir. Felipe Cazals) (México)
3:00pm Sala Azul EL INFIERNO (Dir. Luis Estrada) (México)
5:00pm Sala Roja SIN RETORNO (Dir. Miguel Cohan) (Argentina)
5:15pm Sala Azul UN MUNDO MISTERIOSO (Dir. Rodrigo Moreno)  (Argentina)
7:15pm Sala Roja CONOCERAS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (Dir. Woody Allen) (España-Estados Unidos)
7:30pm Sala Azul LAS ACACIAS (Dir. Pablo Giorgelli) (Argentina)
9:30pm Sala Roja EL DEDO (Dir. Sergio Teubal) (Argentina)
9:45pm Sala Azul POST MORTEM (Dir. Post Mortem) (Chile)

Miércoles 17 de agosto

2:30pm Sala Roja CONOCERAS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (Dir. Woody Allen) (España-Estados Unidos)
3:00pm Sala Azul AMOR EN TRANSITO (Dir. Lucas Blanco) (Argentina)
5:00pm Sala Roja LA DOBLE VIDA DE WALTER (Dir. Jodie Foster) (Estados Unidos)
5:15pm Sala Azul AMANECER DE UN SUEÑO (Dir. Freddy Mas Franqueza) (Valencia)
7:15pm Sala Roja LA OTRA FAMILIA (Dir. Gustavo Loza) (México)
7:30pm Sala Azul LA EXTRAÑA (Dir. Feo Aladag) (Alemania)
9:30pm Sala Roja MEDIA NOCHE EN PARIS (Dir. Woody Allen) (España-Estados Unidos)
9:45pm Sala Azul CARLOS (Dir. Olivier Assayas) (Francia)

Se presenta en:
-Cineplanet Primavera – Sala 1, viernes 12, 8:00 p.m.
-Cineplanet Alcázar – Sala 6, sábado 13, 3:00 p.m.

Leonardo Sbaraglia llegó a Lima para presentar la última de las películas que ha protagonizado, Sin Retorno, en competencia por Argentina, una historia que habla tanto de la venganza, como de la justicia, o una mezcla de ambas; una crítica al sistema, quizás, aunque también a la sociedad misma y sus cimientos humanos. Bueno, su última película no es, perdón, esa sería Red Lights, un filme que está en post-producción, bajo el mando de Rodrigo Cortés, con la participación también de Robert de Niro y Cillian Murphy. De ambas películas, así como de algunos de sus más importantes hitos actorales, hablamos en la siguiente entrevista.

Has tenido una carrera larga, con trabajos en televisión, en cine, en teatro. Un hito importante en tu carrera es el premio Goya que ganas a Artista Revelación por Intacto ¿Qué recuerdo tienes de ese gran paso en tu carrera?
Bueno, fue importante, porque fue como una carta de aceptación y de bienvenida a España. Creo que el premio no sólo me lo dieron por Impacto, sino porque antes había hecho Plata quemada, porque antes había hecho Cenizas del paraíso, que también había ganado un Goya a Mejor Película Extranjera. Porque ya estaba, hacía unos años, trabajando en España. De una manera había como una apuesta a mi trabajo ahi. Y bueno, evidentemente, tuve la suerte de ganar ese premio que fue muy importante, o sea, me di cuenta que era muy importante después de ganarlo, no antes, porque en España es uno de los premios más prestigiosos. En Argentina no tenemos, desgraciadamente, un premio tan importante de cine.

La Asociación de Críticos Argentinos sí entrega un premio.
Sí, entrega pero no tiene una gran difusión en ese sentido, no tiene el poder mediatico que ha conseguido tener el Goya. Goya es más importante, porque tiene una manera de vender el cine español, de promocionarlo y de acercarlo a la gente. Así como en el cine de Hollywood se crea toda esta parafernalia con el Oscar alrededor de sus películas. El cine español en mucha menor medida lo logra también, como el BAFTA en Londres, el Reino Unido o el César en Francia. Hay un premio en la Academia (en Argentina), que es el premio Sur, que se hace desde hace pocos años, pero repito, no ha logrado aquello para lo cual fue creado, que es un elemento más para la promoción, para acercar al cine a su público.

Tu papel de ‘El Nene’ en Plata Quemada, ¿qué recuerdos te trae? Es controversial, es un criminal y a la vez tiene ese affaire homosexual.
Para mi fue una de las experiencias más gratificantes de mi carrera, porque me dio la posibilidad por primera vez de hacer un personaje de una gran complejidad de composición. Trabajé en él mucho tiempo, la película se iba hacer en un año, luego se pospuso otro año, entonces yo siempre estuve como que preparándolo, investigando. Inevitablemente fui creando como capas, fui haciéndolo de una manera compleja y yo creo que ese resultado se ve en la película. Hay en el resultado final un personaje bien construido, y fue para mi como el hincapié inicial de muchas cosas a nivel internacional que conseguiría luego, en España, en Francia, incluso en los Estados Unidos. La película tuvo mucha llegada a nivel internacional. En España es absolutamente una película de culto, sobre todo en el mundo gay.

¿Cómo construyes ese personaje? ¿Qué tanto trabajas con el director, cómo trabajas con los otros actores?
Estudiando mucho el mundo de la delincuencia, estuve mucho tiempo conversando y teniendo diferentes encuentros con un tipo que había sido un delicuente que había estado 14 años en la cana, en la cárcel. Lo observé mucho, traté de tomar muchas cosas de él, de su expresión, tenía un semblante muy duro, muy fuerte, era un tipo muy grandote, además. Para entender el mundo de las armas, practiqué mucho tiempo tiro. Traté de encontrar por otro lado una sensualidad, también corporal, con la observación de ciertas cosas que a mi me hacían sentir eso. Después, el vínculo con Ángel, con el otro actor, buscar la manera de crear sobre él muchas cosas que a mí me atraían y que me hacían necesitar profundamente. Un trabajo, realmente, muy personal en ese sentido. El trabajo con Marcelo (Piñeyro) fue fundamental, porque él tenía muy claro lo que quería del personaje, tenía claro lo que quería transmitir. Cuanto más precisión tenga el director a la ahora de transmitir una sensaciòn, una impresiòn, con más claridad te va llevar a vos, por lo tanto si uno tiene mucha claridad de lo que quiere contar tambien se lo puede transmitir con mucha claridad al espectador.

Pasando a hablar de la película que está en competecia este año: Sin Retorno. ¿Cómo fue el trabajo con (Miguel) Cohan, el director, y con tu personaje?
En esta película el gran desafío era la elipsis. La película está dividida como en dos partes, dividida por cuatro años que pasan en el medio. El gran desafio para nosotros era cómo transmitir esos cuatro años y que sea creíble para el espectador. Trabajamos mucho en esa cicatriz que tiene la película en el medio, allí centré todo mi trabajo, porque habia que encontrar contrastes muy grandes. Para la primera mitad centré mi trabajo en el de un ventrílocuo, trabajé dos o tres meses con un ventrílocuo, aprendí ventriloquia y eso me dio un color más grácil, más liviano, afable que era lo que necesitaba. En base a eso encontré un contraste para la segunda parte, todo el mundo represivo de la cárcel, toda esa pesadez, ese dolor en la mirada. No tiene la posibilidad de decir ‘bueno, tengo siete meses para adelgazar’, como Tom Hanks en El Náufrago, sino que en la mañana puedes estar haciendo una escena del pasado, y a las dos horas estás haciendo una del presente. Uno tiene que encontrar los mecanismos interiores para resolverlo de un momento para el otro. Porque cuando cerraste la puerta tiene que aparecer el otro personaje, no tienes el tiempo ni de cortarte el pelo ni de adelgazar ni engordar. Fuimos encontrando con Miguel (Cohan), con el director, los mecanismos para conseguirlo. Por ejemplo, nos dimos cuenta que si yo usaba la misma ropa en el pasado y en el presente, pero dos tallas más chicas en el presente, yo parecía más grandote y más musculoso, me ponían además un poco de canas, algunas cosas de maquillaje, además de un cambio del alma, podríamos decir, que ya pone el actor.

Mi escena favorita del filme es la final, una escena muy intensa, no sólo por la intensidad de lo que se cuenta, sino porque hay tres potentes actuaciones, tres generaciones de actores que se juntan en pantalla. ¿Cómo fue trabajar con Federico Luppi y Martín Slipak en esta escena?
Esa escenas para mi era la más dificil de la película, también fue difícil para Miguel encontrarla en el guión: tardó más de tres años y medio, casi cuatro años, en escribirla. Casi finalizando el rodaje encontró el final, era muy difícil para él encontrar esa resolución, para no ser esquemática, para no ser moralista. De la actuación un poco lo mismo, tuve que encontrar la manera de transmitir todo lo que el personaje había vivido esos cuatro años, tenía la oportunidad de drenar algo de lo que le había pasado, y todo eso tenía que poder mostrarlo. Fue muy difícil, la hicimos en dos o tres tomas, fue muy difícil llegar a eso. Una escena tremendamente interior, el personaje no podía caer en una cosa obvia de violencia, ni una cosa obvia de emoción, sino que tenía que tener una mezcla de muchas cosas. Una escena hermosa que por suerte salió muy bien. Cuando a una persona le dices por tanto tiempo que es culpable, se lo puede terminar creyendo. Y conseguir una especie de sentimiento de justicia es difícil en ese sentido.

¿Crees que tu película exhibe también una crítica al sistema judicial y los medios de comunicación?
Yo creo que la película hace como una crítica, pero no se queda en eso. Creo que son puntos de partida para hablarnos de algo que podría ser más complejo, cuál es la manera de hacer justicia frente a nuestros propios actos. Todos sabemos que el sistema judicial es negligente, es injusto la mayoria de las veces y parece que está más de lado de la inhumanidad que la humanidad. El sistema carcelario es terrible, es un sistema inhumano, meter a la gente dentro de una jaula durante uno, dos, tres, diez, veinte años es una inhumanidad, por más brutal que sea lo que haya hecho esa persona. Es muy difícil que una persona salga mejor de la cárcel de lo que entró. Evidentemente, fue la única manera que se encontró. ¿Pero en la película quién debería haber ido a la cárcel? ¿El chico? ¿Esa hubiera sido la solución? ¿Ese chico de veinti-picos de años debería haber pasado por eso? No creo que esa hubiera sido la solución. ¿Cuál hubiera sido la mejor manera de hacer justicia? Esta película nos pone inevitablemente frente a esas situaciones en las que actuamos mal. ¿Cuál es nuestra reacción? De qué manera estamos construidos para que nuestra reacción primera, en un 90% de las personas, sea meter la cabeza bajo tierra, en lugar de decir, me equivoqué, pasó esto. Ese encubrimiento no va traer nada bueno. Hacerse cómplice del horror no nos va a llevar a nada bueno. Debemos construirnos mejor, para ser más valientes, para afrontar mejor lo que hacemos, nuestras responsabilidades, aunque no nos esté viendo nadie. Ese es unos de los temas de la película.

Ahora hablemos un poco de tus próximos proyectos. Saldrás en una producción de Rodrigo Cortés, protagonizada por Robert de Niro y Cillian Murphy. ¿Cómo ha sido este trabajo?
Para mí ha sido muy bueno, muy lindo, porque fue la primera oportunidad que yo tengo de trabajar en inglés. No soy bilingüe, así que me tuve que romper el alma. Por suerte yo estuve en su primera producción, Concursante, nos llevamos increíble, hicimos un gran equipo de trabajo. A él se le ocurre la alternativa de hacer un nuevo guión en inglés, después de Buried, se le ocurre escribirme un personaje: un mentalista, es un personaje muy carismatico, muy atractivo.Luego de hacer Enterrado, que tuvo mucho éxito, logró conseguir financiamiento para su tercer largometraje. Robert de Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy y un elenco increíble, actores ingleses y americanos: yo me colé ahí.

¿Has compartido escena con ellos?
Con Cillian (Murphy) y con Sigourney Weaver, pero con Robert de Niro no. Pero sí conversé con él, y tuve la oportunidad de verlo trabajar un par de días. Rodrigo tenía mi silla preparada y fui dos días a verlo trabajar a Robert de Niro, que es un actor al que yo aprecio muchísimo, porque es parte de la iconografía de mi construcción como actor. Luego de eso ya me puedo quedar tranquilo. Despues de la película, ya está. Ya está todo. En sí, el solo rumor de haber trabajado en una pelicula con Robert de Niro te abre puertas. A mi ya me están empezando a llamar de algunos castings en EEUU. Vamos a ver qué pasa con esa película. Mira que podría venir al festival. Tal vez abrir el festival o algo

Sería interesante eso, porque participar no puede.
Sería lindísimo eso. Sería lindo que él pudiera venir a presentar su película. Seguramente primero va intentar ir a un festival más grande, como Berlín. Luego puede venir.

Gracias por tu tiempo.
Gracias a ti por la entrevista.

Rehén de Ilusiones se presenta en:
- Cineplanet Primavera, sala 1, jueves 11, 5:30 pm.
- Cineplanet Risso, sala 8, viernes 12, 6:00 p.m.

Subiela. Su apellido divide gustos y preferencias. Hay quienes lo consideran un gran autor, otros que creen que está sobrevalorado. De lo que sí no hay duda es que se trata de uno de los máximos exponentes del cine argentino. Su cine, siempre relacionado con la poesía, parece tomar ahora un rumbo digital. Eliseo Subiela no siente ninguna nostalgia por la película, el celuloide, y sostiene que el paso a este nuevo formato es inevitable.

Entrevista: Jonatan Medina
Fotos: Rockcine

Tengo entendido que has hecho tu última película en digital. ¿Ya habías trabajado en digital?
Sí, hice la primera película latinoamericana en video digital, en el 2000 grabé en digital,  pero en 10 años ha cambiado tanto.

Incluso la última la has hecho con una cámara de fotos. ¿Qué tal con la cámara?
Fantástico.

¿No tienes ninguna nostalgia por el cine?
No, por el celuloide no.

Pero para proyectarlas las conviertes a cine igual.
Lamentablemente hay que pasarlo a fílmico, que es la parte más cara, para retroceder en la historia es el proceso más caro. Sale casi más que el costo total de la película en mi caso, en el caso de Paisaje, pero bueno, hay que hacerlo las pocas salas con proyección digital.

Definitivamente, tú eres un pro digital…
¿Yo? Y es como si te dijera que estoy a favor de las máquinas de escribir de los setentas, sí claro, no es que esté a favor. Es inevitable, irreversible, imparable, ya está, se murió el celuloide.

Sientes que tu filmografía es toda una gran película, que tus películas son como escenas. ¿Cuán bueno es eso?  Y si alguien te dice, por ejemplo,  que puedes correr el riesgo de ser reiterativo, ¿qué le dirías a eso?
Que no, es mucho el riesgo que se corre, pero no quiere decir que caiga en ello, no. Se trata de ser coherente,  te cambio reiterativo por coherente, de cualquier manera existe el riesgo, es una cosa que suelen achacarles a los autores de cine, como a Woody Allen y a muchos directores que son autores igual que yo. Por ahí te dicen repites, me aburres con lo mismo. No necesariamente, no debería ser así, son escenas distintas, hacer las mismas escenas varias veces, eso sí,  es aburrido. No, lo mio se trata de ser coherente.

Sobre esa gran película, ¿qué quisieras contarnos en ella?
Te lo estoy contando, son preguntas, yo siempre digo que filmo preguntas no respuestas, pero son indagaciones, búsquedas alrededor de los temas fundamentales del ser humano: la vida, la muerte, el amor. Son preguntas que me hago a mí mismo.

De hecho tu cine tiene mucho de poesía, ¿cuál sería la relación que tú encuentras entre el cine y la poesía?
Muy directa en cuanto al lenguaje en sí, es decir, en un lenguaje esencialmente poético. En mi caso le he agregado coqueteo literario, o la poesía literaria. Pero el cine es poesía.

¿Cómo es el desarrollo del cine latinoamericano actual? ¿Estás viendo las películas del festival?
No veo todo lo que quisiera ver, pero noto crecimiento,  noto cambio, es cada vez es un mejor cine latinoamericano, mucho mejor comparado con el de hace 30 años.

¿Has visto algo del cine peruano?
Muy poco, sólo vi la de La teta asustada, vemos poco cine latinoamericano en toda Latinoamérica, esto es una cosa que deberíamos resolver bien.

Con Despabílate Amor y ahora Rehén de Ilusiones, siento que tienes unas cuantas aristas de discurso político, un poquito.
Casi.

Así como de refilón. ¿Qué tienes que contarnos sobre eso, tienes alguna inquietud política?
Es inevitable tocar temas políticos, todo es político. Pero nunca de manera demasiado explicita, por ahí donde está más a la vista el tema es en Rehén de Ilusiones. Pero no deja de ser algo alegórica, no soy realista.

Ayer vi justo Rehén de Ilusiones y después de ver esa vi Las Acacias, son películas totalmente distintas, la segunda es una película mas bien minimalista. El cine minimalista está invadiendo Latinoamérica, bueno, un sector de Latinoamérica. ¿Qué opinas de este tipo de cine opuesto tal vez al tuyo?
A ver, habría que precisar a qué le llamamos minimalismo.

Es un cine con pocos espacios, pocas acciones, pocos diálogos…
Mientras no se vuelvan “tediometrajes”, todo bien. Depende, si está bien hecho, mal hecho.  A mí me gusta el cine que cuenta una historia, el cine que tiene emoción. Yo no soy minimalista, obviamente. Pero no sé muy bien tampoco quéquiere decir minimalismo, me parece un concepto riesgoso, cercano al aburrimiento, me asusta un poco.  Pero con esto no estoy juzgando una película en especial.

¿Y cómo ves la evolución del cine argentino?
No sé, no sé a qué evolución te refieres.

Del desarrollo…
Hay de todo, hay que esperar. Borges decía que el mejor antologista es el tiempo, dentro de cinco años vemos qué queda, qué quedó, de todo esto que se ha hecho. Como siempre hay el acceso de directores nuevos algunos con talento, otros no. Ya se verá quienes quedan, pero no hay un movimiento.

¿Cuál es tu posición con relación al apoyo del cine? ¿Crees que debería ser una industria con apoyo de empresas privadas o el estado debería invertir más?
Debería ser una industria, estaría bueno que sea de la industria. A mi no me parece enemiga ni del cine de autor ni del cine artístico, el concepto del cine industrial, al contrario a mi me gustaría que la gente lo viera. Me gustaría que haya una industria de cine fuerte.

¿Alguna influencia? ¿Cuál sería un referente que tengas? ¿Un director favorito?
Antiguos… La Nouvelle Vague, Godard, los polacos de los sesentas. En mis raíces están esos. Después los grandes maestros, Huston, Ford.

¿Cómo ves este festival? ¿Primera vez que vienes?
Primera vez que vengo yo, sorprendido, sobre todo por la repercusión de Despabílate Amor, en otras partes de Latinoamérica su favorita es El lado oscuro del corazón, aquí no, aquí Despabílate Amor,  estoy muy contento, feliz, me emocionó mucho la proyección de la película no sólo por la sala llena, sino por la sala llena de gente joven. Muy contento.

No viniste a recoger tu premio en la primera edición del festival.
Yo no me acuerdo que pasó, no recuerdo las circunstancias, 15 años después un poco fuera de sincro, pero bien.

¿Para cuándo se estrena la siguiente película? La que estás terminando.
Me falta dinero para terminarla, ya está filmada, falta post producción. Estoy buscando financiación para terminarla. Pero supongo que para fin de año va estar lista.

¿Rehén de Ilusiones va a llegar a Latinoamérica?
Sí, espero que sí. En Argentina calculo que para Octubre.

¿Cómo ha sido el recibimiento de tus películas en Argentina?
En general, fantástico, en el caso del Hombre mirando al sudeste, El lado oscuro del corazón fueron sucesos comerciales. Desastroso, en el caso de mi primera película, por ejemplo,  La Conquista del paraíso o de películas muy experimentales que hice como Las Aventuras de Dios, que la vio muy poca gente. El tema es lograr llevar a la gente a ver otro cine que no sea el estúpido cine norteamericano que hace comúnmente, ese es el gran desafío del cine independiente del todo el mundo.

¿Cómo es lo de la distribución allá? ¿Cómo se rige?
Igual que todos lados. Hay una ley que se supone que debería proteger un poco pero no se cumple.

¿Qué dice la ley?
Por ejemplo, que fija un porcentaje de cine argentino con respecto al cine americano, y no se cumple. Entonces, hay una película americana con 60 copias y te tapan todas las salidas.

El cine argentino es de hecho uno de los más prolíficos de Latinoamérica, se hacen como 80 largos al año ¿me parece?
No, este año menos me parece, pero sí se hacen muchos. Bueno, Argentina tiene una tradición industrial, es la industrial más poderosa de Latinoamérica, con México. Tenemos tradición, tenemos pasado fuerte. Pero este año se filmó mucho menos, hubo problemas financieros en el INCAA  y se filmó menos. Pero filmamos, como sea.

¿Cómo se llama tu última película?
Paisajes devorados, el actor principal es Fernando Birri, el fundador de la escuela de San Antonio de los Baños.

¿Cuál es su papel?
Hace el personaje de un director, alguien que aparece en un manicomio diciendo que fue director de cine en los sesentas y la película es la investigación sobre ese supuesto director.

¿El próximo año ya está en cartelera?
Espero, espero que sí, no, seguro que sí y ojala que aquí.