“Mirror, mirror, on the wall. Who’s the fairest of them all?”
“You, my queen, are fairest of all”

El oficio de hacer cine hoy en día, dominado por una sed insaciable de negocio de los grandes estudios de Hollywood, está en una constante búsqueda de tendencias para continuar perennizando un negocio que factura billones de dólares a nivel mundial anualmente. Y mientras en el 2008 el éxito internacional de Iron Man fue el gestor de la avalancha de películas de superhéroes que nos llegaron los años siguientes, los recientes esfuerzos en el subgénero han demostrado una vez más que los formatos se agotan muy fácilmente con el espectador, con empinadas caídas en cifras de recaudación, claro que también debido al estancamiento creativo al respecto. Se ha buscado, por un lado, copiar viñeta por viñeta a la pantalla grande para satisfacer a los fanáticos previos, mientras por el otro se intenta simplificar (y alargar) los hilos narrativos para atraer a un espectador ajeno al material original, y conseguir por lo menos facturar una trilogía.

Thor y Capitán América el año pasado, a pesar de esfuerzos monetarios decentes, no reventaron las taquillas internacionales como los ejecutivos esperaban. Hay un intento de volver ‘adultas’ las historias de superhéroes, como en los casos de las versiones de Batman que ha estrenado Christopher Nolan, camino que ahora seguirá Spiderman con su reboot; pero el fracaso de Watchmen y el margen de ganancia mínimo que consiguió X-Men: First Class parece indicar que en general los superhéroes empiezan a pasar de moda, a pesar de ser la última una de las mejores películas del 2011. Igual la Marvel intentará recobrar algo de interés este año con The Avengers, mientras el final de la trilogía de Batman de Nolan con The Dark Knight Rises intentará demostrar una vez más porqué está muy por encima de la simplona categoría de ‘superhéroe’.

Frente a una tendencia de por más exprimida, los estudios empezaron a buscar su nueva vaquita a ordeñar en los próximos años. Y encontraron su respuesta en el gran suceso del 2010: el éxito de la adaptación de Tim Burton de Alicia en el País de las Maravillas (a pesar de su rechazo unánime de parte de la crítica, paradójicamente). La nueva gallina de los huevos de oro: los cuentos de hadas. (No puedo dejar de mencionar que hay otra gran tendencia reciente, que es la del falso-documental, pero eso ya tiene que ver más con forma que contenido y debería ser tema de otro post completo).

Mientras hay por lo menos una decena de este tipo de producciones, desde el fallido intento el año pasado de revitalizar la historia de la Caperucita Roja en Red Riding Hood, de Catherine Hardwicke, pasando por el proyecto de Disney de llevar la historia de Maléfica en un spin off de La Bella Durmiente en manos de Tim Burton (proximamente), hasta llegar a esfuerzos televisivos en series como Grimm y Once Upon a Time, parece que los cuentos infantiles clásicos están de moda de nuevo, claro que con lecturas más modernas, realistas y hasta violentas en determinados casos. Incluso Pixar ha sucumbido a la tendencia, con el pronto estreno de Brave, la primera película de princesas y fábulas en la historia del estudio.

Pero hay una historia en particular que desató una guerra entre estudios por hacerse con los derechos, y una carrera por estrenar sus películas primero, para así robarse a un público atento y ávido de descubrir el porqué del barullo. La historia de Blancanieves y sus siete enanitos será llevada a la pantalla grande en dos oportunidades este año, desde puntos de vista y géneros muy diferentes.

La primera en estrenarse, el 30 de marzo en los EEUU, y justamente el proyecto más interesante de ambos, es Mirror Mirror, una clara alusión a la conocidísima conversación que sostiene la malvada Reina con su espejo ( “Espejito, espejito, ¿quién es la más bella del mundo?” ). Relativity Media es el estudio responsable de su realización y distribución, y se trata de una productora independiente bastante modesta que funciona desde el 2007, pero recién desde el 2010 distribuye filmes propios a nivel nacional en los EEUU (hasta entonces sólo colaboraba en producción, con estudios más grandes). Tarsem Singh, encargado de la dirección de la película, es un director de visión bastante particular, preocupado por la estética más que por el contenido o narrativa, responsable de filmes tan bizarros como The Cell o The Fall, apreciados por cinéfilos de cineclub, pero ignoradas por el público masivo.

La unión de Relativity y Tarsem Singh resultó en uno de los más curiosos sucesos del año pasado: Immortals, una película de corte ‘arte’ que sorprendió al recaudar 216.3 millones de dólares alrededor del mundo, a la vez de ser bien aceptada por la crítica. Esas son las dos variantes que hacen a Mirror Mirror un proyecto interesante: un estudio modesto, pero en crecimiento, que está en busca de conceptos novedosos para atraer a un flanco del público masivo curioso, y la presencia de un director preocupado por el look, por la dirección de arte, las paletas de colores y la fotografía, en una película que desde el primer trailer pinta tanto elaborada en cuanto a estética, como excéntrica por sus personajes, y apegada a formatos de comedia y fantasía ligeros. Las imágenes que presenta son espectaculares. El reparto lo componen Lily Collins, Julia Roberts, Armie Hammer, Sean Bean y Nathan Lane, y ajusta talento suficiente para generar interés tanto de un público masivo, como uno más especializado.

El segundo proyecto es el más anodino para mi, el más obvio y básico, y viene de la mano de una major como Universal Pictures. El concepto consiste llevar la clásica historia de Blancanieves al terreno de lo épico, de la acción a gran escala, volver ‘realista’ una historia llena de magia y criaturas fantástica, de oscurecer una fábula infantil para tornarla adulta, aunque su público objetivo al final vaya a ser uno adolescente; la película también se apega a la feminización del héroe en los últimos años, al volver a Blancanieves una guerrera de escudo y espada. Es así que se nuestra heroína  se unirá a un cazador/cazarecompensas del reino para juntar un ejército y enfrentar a la malvada Reina y sus malvados planes de inmortalizar su reinado. La realización del filme está a cargo del desconocido Rupert Sanders, quien debuta en la dirección con este esfuerzo, mientras Evan Spiliotopoulos (responsable de secuelas de Disney estrenadas en DVD) y Evan Daugherty (desconocido) se encargan del guión. Sólo anima la presencia de Hossein Amini, quien estuvo detrás del guión de la mejor película del año pasado, Drive; aquí se encargó de revisar el guión de la película antes de ser enviado al estudio.

El reparto calza con el demográfico adolescente y masculino adulto al que quiere llegar la película. Kristen Steward hará que la chibolada Twilight llene las salas, encarnando a una Blancanieves versión warrior. Y si alguna se escapa, la presencia de Chris Hemsworth y una obligada aparición shirtless atraerá al flanco femenino restante. La acción por sí sola se encargará de jalar al demográfico masculino. Charlize Theron será la villana, y está entre los únicos atractivos de peso en esta película, con unas performance que desde el trailer hipnotiza (Steward, por cierto, no gesticula ni una palabra en el adelanto). Otro punto alto de esta adaptación sería el elenco de enanos, compuesto por Ian McShane, Bob Hoskins, Toby Jones, Brian Gleeson, Ray Winstone y Nick Frost. Esta versión se estrenará el 1ero de junio en los EEUU, en plena temporada de blockbusters, el verano norteamericano.

Tendremos que esperar y ver ambas versiones para sacar conclusiones al respecto, y para saber cuál de las dos resulta airosa por vox populi: será la taquilla al final la que defina el futuro de las historias basadas en cuentos infantiles, y hacia dónde va esta tendencia aún incipiente.

Si existen dos categorías que parecen estar decididas desde el momento que fueron anunciadas, esas son las de performances de reparto. Hay dudas todavía en torno a la posibilidad de que Viola Davis le gane a Meryl Streep, de que Jean Dujardin le de una victoria más a The Artist por encima de George Clooney, o de que Hugo o The Descendants logren arrebatarle un tan voceado (y aburrido) premio a The Artist, cuyo favoritismo hace que el juego ya no sea divertido. Pero es casi imposible pensar que Christopher Plummer y Octavia Spencer no se alzarán con las estatuillas a Mejor Actor y Actriz de Reparto respectivamente el próximo 26 de febrero.

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Cinco nominados, cuatro basados en personajes reales, dos en sus 80s esperando un reconocimiento a una carrera, un indiscutible favorito.

El octogenario Christopher Plummer jamás ha sido reconocido por la Academia, y lo que sorprende más aún es que apenas ha sido nominado en dos ocasiones (contando la de este año). El recordado Capitán Georg von Trapp de La Novicia Rebelde en 1965, o Sir Charles Lytton en El Regreso de la Pantera Rosa en 1975, ha tenido cerca de seis décadas de constante trabajo, en los últimos años resaltando por su trabajo en películas como El Imaginario del Doctor Parnassus, de Terry Gilliam, o La Última Estación, por la que fue nominado al Oscar en el año 2010. Este año por fin ha conseguido un reconocimiento unánime, y es que no hay casi Asociación de Críticos en los EEUU que no haya considerado su performance secundaria en Beginners la mejor del año. Se ha alzado con el Globo de Oro, se ha llevado el SAG, es casi seguro que se llevará el BAFTA el próximo 12 de febrero, y es imposible pensar que no repetirá el plato con los Oscar. Este trofeo huele tanto a premio por una actuación particular como el reconocimiento a una carrera de una leyenda viviente, un aplauso tardío, tal vez, pero necesario. El poco aprecio que ha tenido Beginners en la temporada de premios en general (apenas si tiene una nominación al Oscar, que es justamente esta), llamada por un sector amplio de la crítica especializada ‘uno de los filmes más subvalorados del año’, hace que el trofeo a Plummer sea ese atisbo de rectificación general con la película también.

Dentro de la categoría no hay actor alguno que pueda arrebatarle el triunfo. Kenneth Branagh y su participación en My Week with Mailyn es la opción inglesa que siempre aparece en la categoría, y  si bien ha conseguido un par de premios por su encarnación de Sir Laurence Olivier, se trata de premios entregados por un sector británico, minoritario en las votaciones finales de la Academia. Jonah Hill es la sorpresa y underdog de la categoría, aplaudido unánimemente con nominaciones para una performance revelación en Moneyball, pero todos a la vez acordando que aún no es su momento, que no es lo suficiente, acumulando cero victorias en lo que va de la temporada de premios. La situación de Nick Nolte y su performance en Warrior es algo parecida en tanto a cantidad de nominaciones, pero apenas un triunfo, aunque en su caso también viene ligado a una reivindicación, algo de aprecio a una carrera de perfil bajo, pero notable.

La situación de Max Von Sydow es un poco distinta. Extremely Loud & Incredibly Close, película por la cual está nominado, se estrenó tardíamente en los EEUU, por lo que su carrera por la primera mitad de la temporada de premios fue inexistente. Su presencia recién suena a partir de la nominación al Oscar, pero lo hace fuerte, sobretodo luego de que el filme haya resultado decepcionante para la crítica especializada, lo que ha hecho que de un todo mediocre, la performance de Von Sydow haya brillado mucho más fuerte. El caso de Sydow es muy parecido al de Plummer: el recordado Antonius Block de El Séptimo Sello de Ingmar Bergman, Jesús de La Historia Más Grande Jamás Contada (insoportablemente repetida en Semana Santa) o el Padre Merrin del clásico de terror, El Exorcista, jamás ha sido premiado por la Academia a pesar de seis décadas de carrera llena de entrañables personajes. Su nominación resultó toda una sorpresa, acompañada de la de Mejor Película para Extremely Loud & Incredibly Close. En las últimas semanas se ha convertido en el dark horse de la competencia, tal vez el único que podría arrebatarle el triunfo a Plummer, aunque sea remota la posibilidad aún.

Pasando a hablar de los omitidos en la categoría, había alguien que sí podía hacerle dura la competencia a Plummer, pero que fue fastidiosamente obviado por la Academia. La performance de Albert Brooks en Drive ha sido aplaudida y premiada en cuanto festival ha pasado el filme, sumando un total de 12 premios en la temporada; la Academia obvia sin motivos a una película tan alabada como Drive, considerada por muchas Asociaciones de Críticos incluso como la mejor película del 2011. Presencias que se vocearon para la categoría y no ingresaron incluyen a John Hawkes por Martha Marcy May Marlene, Patton Oswalt por Young Adult, Viggo Mortensen por A Dangerous Method, Armie Hammer por J. Edgar y Ezra Miller por We Need to Talk About Kevin. También se vislumbraba la posibilidad de marcar un hito en la historia de la Academia, nominando a Andy Serkis por un motion capture performance en Rise of the Planet of the Apes, pero no sucedió.

KENNETH BRANAGH

Película: My Week with Marilyn
Personaje: Sir Laurence Olivier, celebrado actor y director inglés que verá su paciencia puesta a prueba por Marilyn, su co-protagonista y estrella.
Etiqueta: El inglés
Premios:
- Premio del Círculo de Críticos de Londres al Mejor Actor Secundario.
- Variety Award de parte de los Premios al Cine Británico Independiente.
- Otras nueve nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Director en 1990 por Henry V.
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1990 por Henry V.
- Nominado a Mejor Cortometraje (Live Action) en 1993, por Swan Song.
- Nominado a Mejor Guión Adaptado en 1997 por Hamlet.
- Esta es su quinta nominación.

JONAH HILL

Película: El Juego de la Fortuna (Moneyball)
Personaje: Peter Brand, el asistente del gerente general del Oakland Athletics, que ayuda a su jefe a implementar un conroversial nuevo plan para mejorar el equipo.
Etiqueta: El underdog
Premios:
- Cinco nominaciones por el papel (ningún trofeo todavía)
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

NICK NOLTE

Película: Warrior
Personaje: Paddy Conlon, un alcohólico en recuperación que acepta entrenar a su hijo resentido para una competencia de artes marciales combinadas.
Etiqueta: El homenaje
Premios:
- Premio de la Sociedad de Críticos de San Diego a Mejor Actor Secundario
- Otras cinco nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1992 por The Prince of Tides.
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1999 por Affliction.
- Esta es su tercera nominación.

CHRISTOPHER PLUMMER

Película: Beginners
Personaje: Hal, un hombre anciano que decide abrazar de una vez por todas su sexualidad y vivir una vida homosexual abierta.
Etiqueta: El favorito
Premios:
- Globo de Oro al Mejor Actor Secundario
- SAG Award al Mejor Actor de Reparto.
- Premio del Broadcast Film Critics Association al Mejor Actor de Reparto.
- Premio de la Asociación de Críticos de Central Ohio a Mejor Actor Secundario
- Premio de la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth a Mejor Actor Secundario
- Premio al Mejor Actor Secundario en el Festival de Cine de Hollywood.
- Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a Mejor Actor Secundario
- Premio del National Board of Review a Mejor Actor Secundario
- Segundo puesto del premio de la Asociación de Críticos de Nueva York a Mejor Actor Secundario
- Segundo puesto del premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine a Mejor Actor Secundario
- Premio de la Sociedad de Críticos de Cine Online a a Mejor Actor Secundario
- Premio de la Sociedad de Críticos de Phoenix a Mejor Actor Secundario
- Premio del Southeastern Film Critics Association al Mejor Actor Secundario
- Premio de la Asociación de Críticos de Toronto a Mejor Actor Secundario
- Otras ocho nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Actor Secundario en el 2010 por The Last Station.
- Esta es su segunda nominación.

MAX VON SYDOW

Película: Exttremely Loud & Incredibly Close
Personaje: El Prestamista, un hombre anciano y mudo que decide acompañar a un joven en una búsqueda por la ciudad de Nueva York.
Etiqueta: El dark horse
Premios:
- Segundo puesto del premio de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston a Mejor Actor Secundario
- Tercer puesto del premio de la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth a Mejor Actor Secundario
- Una nominación más por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominado a Mejor Actor Principal en 1989 por Pelle, The Conqueror
- Esta es su segunda nominación.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Cinco nominadas, cuatro con la primera nominación en su carrera a los premios de la Academia, dos favoritas, curiosamente de una misma película, y una con todas las de ganar.

Si bien no es la más premiada de la categoría, Octavia Spencer ha acumulado los premios que debía conseguir para ser la favorita indiscutible: el Globo de Oro y el Screen Actor Guild Award (SAG) a la Mejor Actriz de Reparto por su performance en la película The Help. Spencer ha tenido una larga carrera actoral en series de (generalmente) comedia en los EEUU, recordadaa sobretodo por el papel de Constance Grady en la versión norteamericana de Betty la Fea. Su paso por el cine empezó bastante desafortunado, recién cogiendo algo de aprecio de la industria y de autores más reconocidos luego de que Sam Raimi la llamara para Drag me to Hell, y Joe Wright la incluyera en El Solista. Este es el primer papel por el que jamás haya recibido laurel alguno (ni si quiera en épocas televisivas de éxito consiguió reconocimiento en premiaciones), y esa fachada de underdog ha hecho que en el último mes se posicionara como la front-runner. Hay harta empatía con la película y sobretodo con su reparto. Y considerando la temática racial del filme, la reivindicación de la gente ‘de color’ hace que Spencer tenga todas las de ganar en la categoría, luego de que otra actriz afroamericana del filme, Viola Davis, tenga todas las de perder en la categoría de Mejor Actriz frente a Meryl Streep (aunque eso no es seguro tampoco). El ser el personaje más memorable de la película (¿quién no salió hablando de los famosos pies de chocolate de Minny Jackson?) también ayuda a la hora de la votación.

Pero de cerca, la indiscutible favorita de la crítica especializada es Jessica Chastain. Un nombre que tal vez en este lado del mundo aún suene poco (apenas si se ha estrenado en Lima una película en la que ha participado, este año llega el resto), pero en los EEUU se ha coronado como la artista revelación del 2011. Luego de tener breves apariciones en televisión desde el 2004, y particpar en pequeñas películas con malos resultados tanto monetarios como en recepción de la crítica, el año pasado ha participado en siete diferentes películas, que incluyen la ganadora de la Palma de Oro de Cannes, Tree of Life de Terrence Mallick; la favorita indie de la temporada, Take Shelter de Jeff Nichols; el segundo esfuerzo de Al Pacino en dirección, Wilde Salome; el debut de Ralph Fiennes detrás de cámaras en Coriolanus; entre otras, incluida por la que es nominada en la categoría, The Help. Sorprendente que una artista totalmente desconocida hace un año, se haya paseado todo el 2011 por cuanto festival de cine existe en el mundo, con una variedad de registros en sus interpretaciones (desde lo más caricaturesco en The Help, a lo más etéreo en Tree of Life, a lo genérico de acción en The Debt) que la consolida como una actriz versátil e importante a seguir en los próximos años. Es además la actriz que más premios ha recibido este año, y no sólo hablo de actrices secundarias, sino en general. Si es que llegara a ganar, no sería tanto por el personaje de Celia Foote que interpreta en The Help, que de por sí ya es extraordinario, sino por una trayectoria magnífica en un lapso de apenas doce meses. Ella es mi favorita personal, al menos.

El resto de las nominadas no tiene posibilidades. La argentina Bérénice Béjo es de esas nominaciones para inflar a The Artist, ya que para la Academia más siempre va a ser mejor, y es imposible ver ganar a una película con sólo dos o tres nominaciones. Janet McTeer recibe un merecido reconocimiento a una trayectoria de más de tres décadas, y eso es suficiente, considerando que es imposible que gane. El caso de Melissa McCarthy es particular, a pesar de ser imposible que gane: es la actriz de comedia más querida en los EEUU actualmente, recordada por su participación en Gilmore Girls, y aún en el aire en el sitcom Mike & Molly. Jamás logré entender porqué tanta fascinación con la actriz, hasta que vi Bridesmaids y respaldo totalmente la nominación y el fanatismo con ella: su interpretación de Megan es tal vez lo mejor de la película, el punto del climax en hilaridad, la versión femenina del Alan (Zach Galifianakis) de The Hangover. Importante también que una actriz en una comedia norteamericana gruesa consiga una mención en una ceremonia que usualmente se limita a dramas y comedias más intelectuales.

De las obviadas en la categoría, duele no ver a Shailene Woodley por una performance revelación en The Descendants, premiada por nueve asociaciones de críticos en los EEUU, además de acaparar nominaciones en cuanta premiación de la temporada pudiera. Algunos críticos esperaban ver a Jessica Chastain nominada por alguna otra de sus performances también, tal vez por The Tree of Life o Take Shelter, pero conseguir una es suficiente. Otra importante ausencia en la categoría es la de Carey Mulligan que conquistó Cannes y Venecia con su actuación en Drive y Shame respectivamente, ambas películas ignoradas casi por completo por los Oscar (Drive sólo tiene una nominación en categoría técnica, Shame no consigue ninguna).

BÉRÉNICE BEJO

Película: The Artist
Personaje: Peppy Miller, un extra de Hollywood que se enamora de una estrella del cine mudo.
Etiqueta: La underdog
Premios:
- Premio Capri, Hollywood, a la Mejor Actriz del Año
- Segundo puesto del premio de la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth a Mejor Actriz Secundaria.
- Premio Spotlight en el Festival de Hollywood
- Premio de la Sociedad de Críticos de Phoenix a Mejor Actriz Secundaria.
- Otras seis nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

JESSICA CHASTAIN

Película: Historias Cruzadas (The Help)
Personaje: Celia Foote, una mujer que ha escalado de status social al casarse con un hombre adinerado que debe ocultar su pasado de clase obrera.
Etiqueta: La dark horse / critic favorite
Premios:
- Premio de la Asociación de Críticos de Austin a la Actriz Revelación del Año.
- Premio de la Asociación de Críticos de Central Ohio al Actor del Año, segundo puesto en Artista Revelación.
- Premio en el Festival de Hollywood a la Actriz del Año.
- Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio del Círculo de Críticos de Nueva York a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio a la Actriz de Reparto y Actriz Revelación del Online Film Critics Society
- Premio Especial de la Sociedad de Críticos de San Diego por el trabajo realizado en el año
- Premio del Círculo de Críticos de Vancouver a la Mejor Actriz Secundaria
- Otras diez nominaciones por el papel
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

MELISSA MCCARTHY

Película: Damas en Guerra (Bridesmaids)
Personaje: Megan, una joven mujer habladora y agresiva que es una de las damas de honor en la próxima boda de su hermano.
Etiqueta: La comediante / sorpresa
Premios:
- Premio de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio de la Sociedad de Críticos de Cine de Las Vegas a la Mejor Actriz de Reparto.
- Otras quince nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

JANET MCTEER

Película: Albert Nobbs
Personaje: Hubert Page, una pintora que oculta su identidad femenina debajo de atuendos masculinos y al lado de una esposa que cose vestidos.
Etiqueta: El homenaje
Premios:
- Premio del Southeastern Film Critics Association a Mejor Actriz de Reparto.
- Segundo puesto del premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a Mejor Actriz de Reparto.
- Otras cinco nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Nominada a Mejor Actriz Principal en el 2000, por Tumbleweeds.
- Esta es su segunda nominación.

OCTAVIA SPENCER

Película: Historias Cruzadas (The Help)
Personaje: Minny Jackson, una empleada afro-americana que pierde su trabajo en una casa de familia influyente para llegar a atender a una mujer recién adaptándose a las reglas de su status.
Etiqueta: La favorita
Premios:
- Premio del Broadcast Film Critics Association a la Mejor Actriz de Reparto.
- Tercer lugar del premio de la Asociación de Críticos de Cine de Dallas-Fort Worth a la Mejor Actriz de Reparto.
- Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio del Festival Internacional de Cine de Palm Springs a la Actriz Revelación del Año.
- Premio SAG (Screen Actor Guild) a la Mejor Actriz de Reparto.
- Premio de la Asociación de Críticos de Washington DC a la Mejor Actriz de Reparto.
- Otras once nominaciones por el papel.
Historia con la Academia:
- Esta es su primera nominación.

Director: Alexander Payne (Election, Sideways, About Schmidt)
Protagonizan: George Clooney, Shailene Woodley y Amara Miller
País de origen: USA
Presupuesto: (por debajo de los) 20 millones de dólares
Recaudación en box office: 59.8 millones de dólares en EEUU / 26.9 millones de dólares a nivel internacional
Duración: 115 minutos
Principales premios:
- Ganadora del Globo de Oro al Mejor Actor Drama (George Clooney) y Mejor Película Dramática.
- Nominada a cinco Óscares de la Academia, a Mejor Guión Adaptado, Edición, Actor Principal (George Clooney), Director (Alexander Payne) y Mejor Película.
- Nominada a cuatro Independent Spirit Awards, a Mejor Guión, Actriz Secundaria (Shailene Woodley), Director (Alexander Payne) y Mejor Película.
- Nombrada una de las diez Películas del Año por el American Film Institute (AFI)
- Nominada a Mejor Director del Año (Alexander Payne) por el Sindicato de Directores de los EEUU.
- Nominada a Mejor Guión Adaptado del Año por el Sindicato de Guionistas de los EEUU.
- Nominada a tres Premios BAFTA, a Mejor Guión Adaptado, Actor Principal (George Clooney) y Mejor Película.
- George Clooney nombrado el Mejor Actor Principal del año por el Broadcast Film Critics Association, la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth, Washington DC, el Festival de Hollywood, el National Board of Review, y el Southeastern Film Critics Association.
- Shailene Woodley nombrada la Mejor Actriz de Reparto por la Asociación de Críticos de Central Ohio, Dallas-Fort Worth y San Diego, el Círculo de Críticos de Florida, el Festival Internacional de Cine de Hamptons, el Festival de Hollywood, y el National Board of Review.
- Mejor Película del Año según la Asociación de Críticos de Dallas-Fort Worth, Los Ángeles, el Círculo de Críticos de Florida, el Festival Internacional de Cine de Hawaii, el National Board of Review, los Premios Satellite, y el Southeastern Film Critics Association
Calificaciones importantes: 84/100 Metacritic – 90% Rotten Tomatoes – 7.8/10 IMDB
Etiqueta: Must-see de la semana / Director WIN: Alexander Payne / Actor WIN: George Clooney / Oscar 2012 / Temporada de premios

Sinopsis:
Matt King, casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas –la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17 –, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia, herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros: los King poseen algunas de las últimas zonas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable.

LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO (The Girl with the Dragon Tattoo) 2011

Director: David Fincher (Zodiac, Seven, The Social Network)
Protagonizan: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård y Robin Wright
País de origen: USA – Suecia – Inglaterra
Presupuesto: 90 millones de dólares
Recaudación en box office: 98.5 millones de dólares en EEUU / 86.7 millones de dólares a nivel internacional
Duración: 158 minutos
Principales premios:
- Nominada a cinco Óscares de la Academia, a Mejor Mezcla de Sonido, Edición de Sonido, Edición, Fotografía y Actriz Principal (Rooney Mara).
- Nombrada una de las diez Películas del Año por el American Film Institute (AFI)
- Premiada a Mejor Edición por el Broadcast Film Critics Association.
- Rooney Mara nombrada la Actriz Revelación del año por el National Board of Review.
- Nominada a Mejor Director del Año (David Fincher) por el Sindicato de Directores de los EEUU.
Calificaciones importantes: 71/100 Metacritic – 87% Rotten Tomatoes – 8.1/10 IMDB
Etiqueta: Remake / Escepticismo / Director WIN: David Fincher / Actriz WIN: Rooney Mara / Temporada de premios

Sinopsis:
Narra la investigación que lleva adelante Mikael Blomkvist, un periodista contratado para aclarar la misteriosa desaparición de una joven 40 años atrás. Para ello cuenta con la ayuda de una joven hacker llamada Lisbeth Salander, que carga con un oscuro pasado.

J. EDGAR (-) 2011

Director: Clint Eastwood (Gran Torino, Million Dollar Baby, Cartas de Iwo Jima, Río Místico)
Protagonizan: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench y Ed Westwick
País de origen: USA
Presupuesto: 35 millones de dólares
Recaudación en box office: 37.1 millones de dólares en EEUU / 20.3 millones de dólares a nivel internacional
Duración: 137 minutos
Principales premios:
- Nombrada una de las diez Películas del Año por el American Film Institute (AFI)
- Nombrada una de las diez Películas del Año por el National Board of Review
- Nominada al Globo de Oro a Mejor Actor Drama (Leonardo DiCaprio)
Calificaciones importantes: 59/100 Metacritic – 44% Rotten Tomatoes – 7.1/10 IMDB
Etiqueta: Biopic / Escepticismo / Actor WIN: Leonardo DiCaprio y Armie Hammer

Sinopsis:

En 1924, con sólo 29 años, Edgar Hoover fue nombrado director general del FBI para que reorganizara la institución. Ocupó el cargo hasta su muerte en 1972, sobreviviendo a siete presidentes, alguno de los cuales intentó inútilmente destituirlo. Los archivos que Hoover guardaba celosamente, llenos de secretos inconfesables de importantes personalidades, lo convirtieron en uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia de los Estados Unidos.

RETO DE VALIENTES (Courageous) 2011

Director: Alex Kendrick (Fireproof, Facing the Giants, Flywheel)
Protagonizan: Alex Kendrick, Kevin Downes, Ben Davies, Matt Hardwick, Ken Bevel, Robert Amaya
País de origen: USA
Presupuesto: 2 millones de dólares
Recaudación en box office: 34.5 millones de dólares en EEUU
Duración: 129 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 42/100 Metacritic – 32% Rotten Tomatoes – 6.0/10 IMDB
Etiqueta: Sorpresa / Indie Film

Sinopsis:
Como agentes del orden, Adam, Nathan, David, y Shane, son hombres que le hacen frente a los peores peligros de las calles. Sin embargo, cuando la tragedia golpea sus casas, estos hombres luchan internamente contra sus temores, sus esperanzas y su fe. Patrullar y proteger las calles les es fácil y natural, pero ¿ser un buen padre? Eso es un reto de valientes.

UNA LOCA PELÍCULA DE TERROR (Spanish Movie) 2009

Director: Javier Ruiz Caldera
Protagonizan: Carlos Areces, Joaquín Reyes, Alexandra Jiménez, Silvia Abril, Leslie Nielsen, Eduardo Gómez, Juana Cordero, Carmen Ruiz, Michelle Jenner, Laia Alda, Belén Rueda
País de origen: España
Presupuesto: 3.3 millones de dólares
Recaudación en box office: 7.5 millones de euros en España
Duración: 83 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 57% Rotten Tomatoes / 4.1/10 IMDB
Etiqueta: Comedy Flick de la semana / Parodia / Cine español

Sinopsis:
Una disparatada parodia de los últimos grandes éxitos del cine español, películas como Los otros, El Orfanato, Alatriste, El laberinto de Fauno o Volver se eligieron como base para la escritura del proyecto.

GUZAARISH (-) 2010

Director: Sanjay Leela Bhansali (Saawariya, Black, I Devdas)
Protagonizan: Hrithik Roshan, Aishwarya Rai Bachchan Y Shernaz Patel
País de origen: India
Presupuesto: No hay datos al respecto
Recaudación en box office: 1 millón de dólares en EEUU
Duración: 130 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 7.2/10 IMDB
Etiqueta: Cine Hindú / Sorpresa / Estreno Limitado

Sinopsis:
Goa es el hogar de uno de los más grandes magos de su tiempo, Ethan Mascarenhas. Actualmente, Ethan conduce un programa de radio que lleva magia, esperanza y humor a cada uno de sus oyentes. Nadie puede imaginar que detrás de esa voz hay un hombre que lleva 14 años inmovilizado en una silla de ruedas, donde su enfermera, Sofia D’Souza, es su soporte incondicional en todo momento. Por su parte, Sofía oculta un amor inquebrantable que lleva en silencio. En el aniversario número 14 de su accidente, Ethan decidirá tomar el control de su vida a través de una petición a la corte que conmocionará el mundo y dejará a Sofia en una situación que compromete su relación y su amor.

Liam Neeson reivindica su status de héroe de acción de buenas taquillas (con medianos presupuestos), Katherine Heigl no decepciona ni sorprende, Summit Entertainment demuestra una vez más que su única franquicia rentable es Twilight, mientras la temporada de premios recién afecta la taquilla a partir del anuncio de los nominados al Oscar. Todo esto en el reporte de taquilla de la semana.

En el primer lugar del ranking ingresa The Grey, la nueva película de acción que protagoniza Liam Neeson. Tan simple y concreto como esto: la película costó 20 millones de dólares en realizarse, y en tres días ha recuperado el total de su inversión, abriendo la posibilidad a utilidades en las próximas semanas, además de lo que recaude en tierras internacionales. Este nuevo esfuerzo confirma la importancia de Liam Neeson como actor de películas de acción de tono maduro, ayudado de una premisa concisa y clara para un espectador que de antemano sabe que la película trata de ‘Liam Neeson peleando con lobos’. Y punto. Open Road Films, una distribuidora novata (funciona desde el 2011), realiza una campaña publicitaria eficaz y consigue su primer número uno en box office (esta es la segunda película que estrena, luego de Killer Elite). La cifra está por debajo de lo conseguido en primer fin de semana por Taken (24.7 millones) o Unknown (21.9 millones), pero debemos tomar en cuenta que ambas fueron distribuidas por majors, Fox y Warner Bros respectivamente. The Grey está igual muy cerca a las cifras conseguidas por aquellas películas, con un distribuidor de lejos menor, lo cual reivindica el poder convocador que tiene Neeson con su público. El 54% de la audiencia fue masculina.

One for the Money, la nueva comedia romántica de Katherine Heigl, aunque esta vez combinando retoques de acción, no sorprende ni decepciona. Por un lado está por debajo de anteriores esfuerzos de la actriz, recaudando 11.7 millones de dólares frente a los 15.8 millones que consigue con Killers o los 14.5 millones de Life as We Know It, pero por el otro los pronósticos le auguraban una recaudación que no superaba las dos cifras. Heigl una vez más demuestra que tiene un relativo, pero existente, poder de convocatoria a pesar de una película cuya indefinición como concepto, a pesar de ser una adaptación de la conocida novela de Janet Evanovich, la condenaba al fracaso. El 79% de la audiencia fue femenina (el gran nicho de Heigl) y el 74% tenía más de 35 años de edad.

Finalmente, Man on a Ledge, el nuevo esfuerzo cinematográfico de Summit Entertainment protagonizado por Sam Worhtington y Elizabeth Banks, demuestra una vez más que lo único que le funciona a la distribuidora es Twilight, y que felizmente la unión con Lionsgate ha progresado, para poder concretar a futuro mejores campañas de presentación. El gran problema de esta película fue que no existía una premisa clara, y frente a una mejor campaña de The Grey, al competir por el lado del thriller por un mismo público, fue el filme de Liam Neeson el que terminó coronándose. Los 8.3 millones de dólares recaudados por la película son incluso menores de los 9.9 millones con los que debutó The Debt el año pasado, y algunos le echan la culpa a un Worthington que parece haber sido un one-hit-wonder (Avatar).

Esta semana se anunciaron los nominados al Oscar 2012, y el efecto que ha tenido en el box office demuestra que su poder de influencia es mucho mayor al de los Globos de Oro, incluso sin haberse anunciado ganadores definitivos, y a un mes de la ceremonia. Hugo, la película con más nominaciones este año, logra aumentar su recaudación en un 142.6%, algo que la ayudará a largo plazo, luego de haber naufragado el año pasado. The Descendants escala nueve posiciones, aumentando en 176.1% su recaudación esta semana, además de más de mil salas nuevas aceptando exhibirla. The Artist, por otro lado, consigue que su recaudación mejore en un 39.8%. La iraní A Separation mejora su recaudación en un 66.5%, y consigue el mejor promedio de la tabla, con 9 mil dólares por sala de exhibición.

Esta semana se estrena The Woman in Black, el primer esfuerzo mainstream de Daniel Radcliffe fuera de Harry Potter; y Chronicle, la visión de falso documental del mundo de los superhéroes.

Enero continúa con recaudaciones estables, con estrenos medianos que superan las expectativas, pero con una temporada de premios que por alguna razón no ha pegado tanto en circuitos limitados y nacionales (medianos) como en años anteriores. A pesar de esto la recaudación general del fin de semana ha sido 26% superior a la misma el año pasado.

El mejor ingreso de la semana es una secuela, la cuarta parte de la saga de Underworld, que trae de vuelta a su protagonista original, Kate Beckinsale, actriz que no apareció en la que es la tercera y hasta ahora menos taquillera parte de la franquicia. Underworld Awakening con sus 25.4 millones de dólares recaudados logra superar lo conseguido con la tercera parte, Underworld: Rise of the Lycans (20.8 millones de dólares), pero no alcanza la cifra conseguida por la anterior película en la que Beckinsale protagonizó, Underworld: Evolution (26.9 millones de dólares), aunque le faltó poco. A tomar en cuenta que la película fue exhibida en formato 3D también, el cual representó un 59% del acumulado final, mientras el 15% de su taquilla provino del formato IMAX. El 55% de la audiencia fue masculina, mientras el 60% tenía más de 25 años de edad. Este es el primer gran estreno del año, el primer ‘blockbuster’ en cierta manera (70 millones de dólares de presupuesto que serán difíciles de alcanzar), y es uno que inicia su carrera con buen pie, aunque no a zancadas. Es interesante ver cómo la gasolina se le acaba a una franquicia en su cuarta parte, a pesar de que el gran appeal era el regreso de su protagonista original; ¿será el año en el que las secuelas empiecen a gastarse con el público? Apresurado predecirlo, y en realidad no creo que así sea, sólo era un pensamiento esperanzador.

Justo a partir de lo anterior, es curioso ver que el segundo mejor estreno de la semana sea una no-secuela, y el mejor estreno de una no-franquicia de la 20th Century Fox desde el año pasado con Rio. Producida por George Lucas, y con una historia centrada en aviadores de la Segunda Guerra Mundial, Red Tails consigue unos respetables 19.1 millones de dólares en tres días, respetables para (repito) una no-franquicia, y para unos 58 millones de dólares de presupuestos que podrían ser recuperados en un par de semanas. El boca a boca de la película promete ser alentador en ese sentido, ya que las encuestadoras han conseguido un A+ del público, siempre una ventaja comparativa frente a filmes que tienen mala recepción con el average moviegoer. Comparado a otras películas de aviadores, supera a Sky Captain and the World of Tomorrow (15.6 millones de dólares), Stealth (13.3 millones) y Flyboys (6 millones). El 51% de la audiencia fue masculina, y el 66% tenía más de 25 años de edad. Podría mantenerse.

El último ingreso de la tabla se titula Haywire, la última película de Steven Soderbergh que ha tenido un recibimiento tibio de la crítica y, aparentemente, igual con el público. Son apenas 9 millones de dólares los que consigue este fin de semana, aunque felizmente al lado de un presupuesto chico de 23 millones de dólares. La cifra, sin embargo, es cercana a otros esfuerzos de acción con protagonistas femeninas de los últimos años, como Colombiana (10.4 millones) o Hanna (12.4 millones), y para ser una no-franquicia es algo aceptable, a pesar de expectativas mayores de parte del estudio responsable de su distribución. El 55% de la audiencia fue masculina, y el 64% tenía menos de 35 años de edad. El problema de la película es que las encuestadoras le dan un D+, que devendrá en un mal boca a boca que afectará su recaudación en las próximas semanas.

En el puesto 4 no tenemos un ingreso al ranking, pero sí un ascenso al Top 10, de parte de la última película de Stephen Daldry de título Extremely Loud & Incredibly Close, que escala 32 posiciones al aumentar de 6 salas de exhibición a 2630 cines en esta semana. Pero a pesar de este aumento en exhibición, y de tener a dos A-list stars de protagonistas, apenas si alcanza los 11 millones de dólares en tres días (un promedio mediocre de 4 mil dólares por sala), el peor estreno nacional de Tom Hanks en 20 años, y el peor ingreso de Sandra Bullock en 15 años. El principal problema que ha tenido ha sido que se esperaba tener una buena recepción de la crítica y en la temporada de premios,la cual le ha dado la espalda, por lo que no tiene el impulso que otros filmes de perfil dramático van teniendo en la temporada.

Esta semana se han visto los efectos de la temporada de premios fuerte que inicia con los Globos de Oro y cierra con los Oscar. Y el efecto parece haber sido bastante reducido. En The Artist, la gran triunfadora de la noche, no se notan mayores cambios, ya que si bien crece su exhibición a 662 salas (de poco menos de 200 salas la semana pasada), y su recaudación sube en un 98.5%, esta subida se debe sólo al aumento de salas, ya que su promedio sigue bajo en 3.5 mil dólares por sala de exhibición. The Descendants tiene un poco más de suerte, ya que a pesar de perder 100 salas de exhibición, aumenta en recaudación un 16.7%, con un buen promedio de 4.3 mil dólares por sala, sobretodo para una 10ma semana de exhibición.

La que sí consigue merecida atención luego de los Globos de Oro es la película iraní A Separation, que se exhibe en apenas 13 salas, pero sube en 154.6% su recaudación total, con el mejor promedio de toda la tabla, uno de 14 mil dólares por sala de exhibición. We Need to Talk About Kevin, sin haber ganado premio alguno, consigue una subida de recaudación de 82.3%, con el segundo mejor promedio de la tabla, de 11 mil dólares por sala de exhibición.

Esta semana se estrenan The Grey, el nuevo thriller de acción que protagoniza Liam Neeson; llega también One for the Money, la nueva comedia romántica de Katherine Heigl; Man on a Ledge, la nueva aventura no-Twilight de Summit Entertainment; y finalmente We Need to Talk About Kevin conseguirá una expansión en exhibición a nivel nacional.

(este artículo fue escrito en el marco del curso de Historia y Estética del Cine en la universidad hace un par de meses, por lo que está bastante ceñido a la revisión de la Nouvelle Vague y el quiebre que plantean en lo que se refiere a hacer cine; lo encontré mientras limpiaba mis archivos, quise compartirlo)

El llamado ‘cine de autor’, como concepto, debe ser uno de los más debatidos y ambiguos que existen dentro de los términos utilizados para hablar del cine. ¿Qué es el cine de autor? ¿Se trata de un cine independiente, alejado de los grandes estudios fabricantes de productos audiovisuales en masa, basados en esquematismos de género y necesidades del mercado? ¿Se trata de un cine de directores con firmas legibles, con estilos reconocibles, de temas recurrentes y miradas particulares, íntimas, reflexivas? ¿Se trata de directores que abarcan todas las labores de producción detrás de una película, tanto por el lado del guión y dirección, así como su llegada al producto final, a través de etapas de edición y post-producción? ¿Será que el cine es ‘cine’ y no puede ser etiquetado, siendo que todo director de por sí ya imprime una mirada de ‘autor’ en una película? ¿Será el llamado cine ‘del bueno’, mientras las películas ‘malas’ están condenadas a no ser ‘de autor’? ¿O será que todo es tan ambiguo, tan difuso y lleno de excepciones que simplemente no hay un delimitante simple con el cual realizar divisiones?

En la revista L’écran français, allá en marzo de 1948, Alexandre Astruc escribía: “El cine está a punto de convertirse en un medio de expresión, cosa que antes que él han sido todas las restantes artes, y muy especialmente la pintura y la novela. Después de haber sido sucesivamente una atracción de feria, una diversión parecida al teatro de boulevard, o un medio de conservar las imágenes de la época, se convierte poco a poco en una lengua. Un lenguaje, es decir, una forma en la cual y mediante la cual un artista puede expresar su pensamiento, por muy abstracto que sea, o traducir sus obsesiones exactamente igual como ocurre actualmente con el ensayo o con la novela”.

A tomar en cuenta que esta idea del ‘cine de autor’ surge durante la época de la explosión de la Nouvelle Vague en Francia en los 50s, la idea de que el cine que se hacía antes debía ser superado, el entendimiento del cine no como expresión documentalesca, como objeto de divertimento de ferias, ni producto de satisfacción del mercado de mero entretenimiento, sino como un lenguaje capaz de explorar hacia dentro del ser humano y la sociedad, una especie de herramienta de ensayo para que el ‘autor’ pueda expresar sus miedos, aspiraciones, ansiedades e inquietudes. En una época en la que el cine cumplía poco más de medio siglo de vida, era el momento perfecto para completar la definición del llamado séptimo arte y empezar a entender sus verdaderas oportunidades. El cine, hasta entonces un invento científico llevado al terreno del entretenimiento comienza a ser visto como un nuevo arte de infinitas posibilidades.

Claro que esta idea de que el cine recién ‘comenzaba a cambiar’, recién empezaba a ser entendido como un texto lleno de interpretaciones, de que Hawks, Ford, Hitchcock, Fuller y Renoir, Bresson, Tati y Ophuls eran los ‘pioneros’ de este nuevo cine con intenciones superiores a las que los cineastas previos habían enarbolado, tal vez le restaría el título de autor a figuras como las de Georges Méliès, D.W. Griffith, F. W. Murnau o Serguéi Eisenstein, quienes desde las primeras décadas de existencia del cine ya planteaban miradas propias, a pesar de estar atrapados en épocas que la Nouvelle Vague tal vez miraba con poco aprecio. La idea de André Bazin de que “el realismo es ontológico en el cine, connatural al carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica, y las películas que mejor lo interpretan y que más se aproximan a la esencia del cine son aquellas que reducen al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales” estaría en contra de la fantasía, la idea del género, el expresionismo y el montaje soviético de los directores antes mencionados. Se defiende al realismo y la ‘autoría’ como términos que necesariamente conviven. Curioso, porque aquí llega una suerte de contradicción de la idea de ‘autor’, ya que dos de los directores más amados por la Nouvelle Vague, John Ford y Alfred Hitchcock, no planteaban una mirada ‘realista’ del cine, sino que más bien se abocaban a géneros marcados.

Esta contradicción y debate tal vez sería suavizado con otra de las postulaciones de la nueva corriente (una como vemos bastante ambigua), la de la necesaria cinefilia para alcanzar el estatus de ‘autor’. La mayoría, sino todos, de los representantes de la Nouvelle Vague venían de una vocación crítica, de redacciones en revistas o periódicos, algunos también habiéndose desempeñado como guionistas, y el cine que incentivaban era uno lleno de referencias y homenajes a sus grandes ídolos de la historia del cine.

Alexandre Astruc continúa en su artículo: “Por ello llamo a esta nueva era del cine la ‘era de la caméra stylo’. Esta imagen tiene un sentido muy preciso. Quiere decir que el cine se apartará poco a poco de la tiranía de lo visual, de la imagen por la imagen, de la anécdota inmediata, de lo concreto, para convertirse en un medio de escritura tan flexible y tan sutil como el del lenguaje escrito. Este arte dotado de todas las posibilidades, pero prisionero de todos los prejuicios, no seguirá cavando eternamente la pequeña parcela del realismo y de lo fantástico social que le ha sido concedida en las fronteras de la novela popular, cuando no le convierte en el campo personal de los fotógrafos. Ningún terreno debe quedarle vedado. La meditación más estricta, una perspectiva sobre la producción humana, la psicología, la metafísica, las ideas, las pasiones son las cosas que le incumben exactamente. Más aún, afirmamos que estas ideas y estas visiones del mundo son de tal suerte que en la actualidad sólo el cine puede describirlas”.

La idea planteada era que el cine debía reflejar el mundo interior del director, su visión del mundo y de las situaciones que planteaba en pantalla gigante, por lo que la cámara se volvía en parte sus ojos, en parte tomógrafo de su propia condición, de su psyche. Era necesario entonces que el mismo director se encargara de la escritura del guión, ya que debía sumergirse en cada etapa de la producción de una obra que sería totalmente suya, de su autoría. Esta idea era reforzada por la espontaneidad durante el rodaje, la dosis de improvisación, la iluminación natural que acompañado de una cámara en mano casi de documental apoyaba el realismo de una visión particular. Es así que el cine también debe servir de herramienta para conocerse a sí mismo, ya que en la obra particular el autor se verá a sí mismo tal vez como antes no había logrado hacerlo, con matices que sólo lograron aflorar al ser traspasados a celuloide.

Alexandre Astruc sigue: “Lo que implica, claro está, que el propio guionista haga sus films. Mejor dicho, que desaparezca el guionista, pues en un cine de tales características carece de sentido la distinción entre autor y realizador. La puesta en escena ya no es un medio de ilustrar o presentar una escena, sino una auténtica escritura. El autor escribe con su cámara de la misma manera que el escritor escribe con una estilográfica. ¿Cómo es posible que en este ante donde una cinta visual y sonora se despliega desarrollando con ello una cierta anécdota (o ninguna, eso carece de importancia), se siga estableciendo una diferencia entre la persona que ha concebido esta obra y la que la ha escrito? ¿Cabe imaginar una novela de Faulkner escrita por otra persona que Faulkner? ¿Y Ciudadano Kane tendría algún sentido en otra forma que la que le dio Orson Welles?”.

Ojo que Orson Welles no escribió solo Ciudadano Kane, sino que lo hizo con ayuda de Herman J. Mankiewicz, y las contribuciones de Roger Q. Denny , John Houseman y Mollie Kent. Alfred Hitchcock habrá escrito menos de la mitad de las películas que dirigió, mientras que John Ford no tocó guiones ni en la sexta parte de su producción cinematográfica; ¿les quita eso un status de autor? Sólo mirando a la camada de la Nouvelle Vague, tal vez el director más conocido de la época, Jean-Luc Godard, fue responsable de adaptar novelas en varias ocasiones (Il Disprezzo de Alberto Moravia para ‘Le Mépris’, o Obsession de Lionel White para ‘Pierrot le fou’), y no creo esto le llegue a quitar el título de autor para cada una de sus películas. Con esto no quiero desprestigiar el movimiento, sino una vez más recalcar qué tan ambiguo y poco definida es la idea del ‘cine de autor’, lo difícil que es encasillarlo en parámetros estáticos.

El ‘cine de autor’ de la Nouvelle Vague surge como una reacción ante una industria en crecimiento, una industria que parametraba el hacer cine y lo utilizaba como mercancía, se trata de un intento de subversión de eso, pero de una manera algo esquemática, ya que definir un cine de estudio, de recursos amplios, como un cine ‘malo’, ‘en serie’, y en el que no existen autores sería algo injusto. Por otro lado, el cine ‘independiente’, el de bajos recursos, aquel que se hacía con apenas una cámara y actores, uno muy cercano al neorrealismo italiano tal vez, ese es el cine que vale, el ‘de autor’, según sus postulaciones. Aquí es donde aparece una doble contradicción, ya que por un lado se defiende el cine marginal, mientras que por el otro se idolatra a figuras como las de Hitchcock, Ford o Welles, los tres sumidos en los procedimientos del cine de Hollywood y a la vez autores consagrados. La segunda contradicción vendría de la mano del mismo movimiento, uno que empezó independiente, es cierto, pero que luego del éxito que consigue a nivel comercial con el público, logra instaurar su manera de hacer cine en el corazón mismo de la industria. No hay una relación connatural entre el cine independiente y el ‘autor’, no debería al menos creerse lo contrario.

Creo que la idea de la Nouvelle Vague de darle un sentido superior al séptimo arte es algo importante para cómo es concebido el cine en la actualidad, pero creo que cayeron en cierto esquematismo a la hora de hacerlo. Es cierto que el ‘cine de autor’ existe, pero no es uno que se pueda encontrar en tal o cual circunstancia o situación de producción, no se puede encasillar a un autor a alguien que hace películas independientes o alguien que escribe sus propios guiones y se encarga de cada etapa de la producción. No podemos sólo decir que la gente fuera del sistema capitalista hollywoodense es autor, los Godard o Truffauts de la época, los Dardennes o Kaurismakis del ahora, ya que eso sería denegarles el status de autor a directores como Ford, Hitchcock, Coppola, Scorsese, Tarantino y demás, autores que atraviesan diferentes etapas de la historia del cine trabajando para grandes estudios y con proyectos de altos presupuestos, y distribución de mano de las majors.

Es así que no existen líneas muy claras para decir que uno es o no un autor. Hay una idea, tal vez un sentido común, que nos dice que aquellos directores que expresen inquietudes personales tal vez sean autores, sin importar dónde hagan su película, que aquellos realizadores que crean un microcosmo con su filmografía tal vez están más cerca de la autoría que aquellos que se someten a la producción en masa de géneros de esquemas cerrados, tal vez las comedias románticas o filmes de terror fabricados por docenas al año, aunque en ellos también existan excepciones. Los autores están en todos lados, sólo es cuestión de encontrarlos. Y un verdadero autor siempre será más difícil de encontrar.

Director: Cameron Crowe (Almost Famous, Jerry Maguire)
Protagonizan: Matt Damon, Scarlett Johansson, Thomas Haden Church y Elle Fanning
País de origen: USA
Presupuesto: 50 millones de dólares
Recaudación en box office: 66.2 millones de dólares en EEUU / 16 millones de dólares a nivel internacional
Duración: 124 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 58/100 Metacritic – 63% Rotten Tomatoes – 7.3/10 IMDB
Etiqueta: Family Flick de la semana / Rising star: Elle Fanning / Actor WIN: Matt Damon / Escepticismo / Director FAIL: Cameron Crowe

Sinopsis:
Una joven familia, con un único padre soltero, se mudará a una casa de campo en el sur de California, en donde decidirán renovar y reabrir un antiguo zoológico a punto de ser clausurado.

UN PAPA EN APUROS (Habemus Papam) 2011

Director: Nanni Moretti (La stanza del figlio, Il Caimano, La messa è finita, Caro Diario)
Protagonizan: Michel Piccoli, Jerzy Stuhr y Renato Scarpa
País de origen: Italia – Francia
Presupuesto: 8 millones de euros
Recaudación en box office: 56 mil euros en Países Bajos
Duración: 102 minutos
Principales premios:
- Selección oficial del Festival de Cannes 2011
- Ganadora del Globo de Oro Italiano a la Mejor Película del año.
- Ganadora de 7 premios del Sindicado Nacional de Periodistas Cinematográficos de Italia, incluyendo Mejor Director, Cinematografía, Guión Original, Diseño de Vestuario, Productor, Diseño de Producción, y un premio especial a Michel Piccoli
Calificaciones importantes: 36% Rotten Tomatoes – 6.9/10 IMDB
Etiqueta: Cine europeo / Festival de Cannes / Director WIN: Nanni Moretti / Sorpresa

Sinopsis:
Fieles católicos de todo el mundo se han congregado en la Plaza de San Pedro, esperando con entusiasmo y fervor que el nuevo pontífice, siguiendo la tradición, se asome a una de las ventanas que dan a la plaza. Sin embargo, esperan en vano. Por alguna razón, el nuevo Papa no parece estar en condiciones de soportar el peso de tal responsabilidad. Mientras la inquietud se apodera del mundo católico, en el Vaticano, se busca desesperadamente una solución para superar la crisis

SECRETOS PELIGROSOS (The Whistleblower) 2010

Director: Larysa Kondracki
Protagonizan: Rachel Weisz, Monica Bellucci, Vanessa Redgrave y David Strathairn
País de origen: Alemania – Canadá
Presupuesto: No hay datos al respecto
Recaudación en box office: 1.1 millones de dólares en EEUU
Duración: 112 minutos
Principales premios:
- Ganadora del Premio de la Audiencia del Festival Internacional de Palm Spring
- Ganadora del premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Seattle
- Ganadora del Premio de la Audiencia del Festival de Whistle
Calificaciones importantes: 59/100 Metacritic – 74% Rotten Tomatoes – 7.2/10 IMDB
Etiqueta: Must-see de la semana / Actriz WIN: Rachel Weisz y Vanessa Redgrave / Sorpresa / Indie Film

Sinopsis:
Tras la guerra de los Balcanes, una agente de la policía de Nebraska que viaja a Bosnia como observadora de las Naciones Unidas denuncia ante la ONU a una multinacional por haber encubierto varios casos de tráfico sexual. El guión se basa en la historia de Kathryn Bolkovac, que acudió a Bosnia en el año 1999 en calidad de miembro del comité de las Naciones Unidas para el mantenimiento de la paz.

JUEGOS PROHIBIDOS (Eloise) 2009

Director: Jesús Garay
Protagonizan: Diana Gómez, Ariadna Cabrol y Laura Conejero
País de origen: España
Presupuesto: No hay datos
Recaudación en box office: No hay datos
Duración: 92 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes:  47% Rotten Tomatoes – 6.5/10 IMDB
Etiqueta: Cine español / Where did it come from?

Sinopsis:
Asia, una chica de 18 años, está en el hospital en estado de coma. Su madre y su novio, Nathaniel, la cuidan. Poco a poco iremos viendo los acontecimientos que llevaron a Asia hasta el hospital, sus relaciones con su madre, sus amigas y su novio, y, sobre todo, con Eloïse, una enigmática chica que la introducirá en un mundo de nuevas sensaciones. Con ella, Asia revivirá un doloroso episodio de su pasado, que su madre no está dispuesta a que salga a la luz.

Como se preveía la semana pasada, The Devil Inside fue un suceso bastante sorprendente, pero efímero. Esta semana consigue una de las más estrepitosas caídas en recaudación en varios años, una bajada del puesto 1 al 6, una caída porcentual en recaudación de 76.6% en esta su segunda semana. Eso tal vez signifique poco a corto plazo, ya que ha sido un filme hecho por una miseria de presupuesto (1 millón de dólares, aunque se debe sumar una fuerte cantidad de dinero en la campaña publicitaria), pero podría tener más importancia a la hora de pensar en secuelas. Más allá de eso, el resto de la tabla se mantiene bastante estable, con tres ingresos en el Top 10, uno relativamente decepcionante, y un limited release que consigue una exhibición masiva esta semana y logra escalar 16 posiciones en el ranking. Comencemos.

El mejor ingreso de la semana se titula Contraband, y se trata de un remake de una película originalmente de Islandia, esta vez protagonizada por Mark Wahlberg. Recaudando 24.1 millones de dólares en tres días, se convierte en el séptimo mejor estreno del actor, con una recaudación muy cercana a la conseguida por Four Brothers (21.2 millones) o The Italian Job (19.5 millones) en sus primeros fines de semana, ambas películas terminando su carrera de exhibición con una suma superior a los 100 millones de dólares, por lo que pinta bien el prospecto de esta, sobretodo al lado de un presupuesto de 25 millones de dólares casi cubierto desde ahorita. Supera en recaudación a otros estrenos de acción de enero, como Edge of Darkness en el 2010 (17.2 millones) o Smokin’ Aces en el 2007 (14.6 millones), y está muy cerca de lo conseguido por Taken en el 2009 (24.7 millones), tremendo suceso que consiguió recaudar 145 millones de dólares sólo en los EEUU.

Y es que hay que tomar en cuenta que esta temporada de inicio de año está llena de limited releases, películas de la temporada de premios, y estrenos de presupuestos y campañas publicitarias menores, nada de blockbusters demasiado grandes, por lo que las películas suelen mantener cifras de recaudación por más tiempo, con caídas porcentuales mucho menores semana a semana. El 51% de la audiencia fue masculina, mientras el 55% tenía más de 30 años de edad.

En segundo lugar de la tabla, una posición que toma por sorpresa a algunos (incluido yo, que esperaba verla en la cima), ingresa el segundo re-estreno de un clásico de Disney en tercera dimensión: La Bella y la Bestia, tal vez (y esto es opinión personal) el más importante clásico animado de la historia del estudio. A pesar de conseguir 17.7 millones de dólares en tres días (cifra bastante alta para un re-estreno), y superar los 12.5 millones de dólares con los que inició el re-estreno de Pixar de Toy Story/Toy Story 2, no logra alcanzar los 30.2 millones de dólares recaudados por El Rey León el año pasado en su respectivo relanzamiento. ¿Por qué la menor acogida? ¿Más cariño por el león? Por un lado, está el hecho de que el re-estreno de Lion King fue en septiembre, una temporada mucho más caliente. Y por otro, que mientras el Rey León lanzó su edición especial de BluRay en 3D dos semanas después del re-estreno, Disney lanzó la edición BluRay 3D de La Bella y la Bestia hace ya un par de meses, lo cual puede haber afectado directamente su performance en cines.

El último ingreso de la semana, Joyful Noise, es el único relativamente decepcionante, al ser el ingreso a la tabla con el peor promedio por sala, uno de 4.1 mil dólares por teatro, frente a los 6.7 mil dólares por sala de La Bella y la Bestia, y los 8.5 mil dólares de Contraband. Igual fue hecha con un presupuesto reducido de 25 millones de dólares, fácilmente recuperables en un mes (o menos), y considerando que la película es protagonizada por Queen Latifah, una actriz que está sonando muy poco desde hace ya varios años, la cifra es bastante decente. El 73% de la audiencia fue femenina, mientra el 65% tenía más de 35 años de edad, fenómeno que se le adjudica a la presencia de Dolly Parton en el reparto también.

Finalmente, hay que resaltar el ingreso de The Iron Lady al Top 10, luego de expander su exhibición a 802 salas de cine (las dos últimas semanas se presentó en apenas 5), lo cual la ha hecho escalar 16 posiciones. Son 6.7 mil dólares por sala los que consigue, la misma cifra que La Bella y la Bestia ha conseguido, claro que ella en casi 2 mil salas más. Es una gran cifra que mejorará a partir del Globo de Oro ganado por Meryl Streep este domingo, y con una temporada de premios que no dejará de ovacionar a la protagonista, lo cual podría llevar incluso a expandir más su exhibición en más pantallas.

Esta semana se esttrena Underworld: Awakening, tal vez el primer estreno relativamente ‘grande’ del año; Haywire, ooooootra película de Steven Soderbergh (¿en serio puede hacer tantas películas al año?; y Coriolanus, el debut como director de Ralph Fiennes. Aunque creo que será más interesante ver cómo afecta la temporada de premios a las películas que empiezan a acumular trofeos en sus respectivas taquillas.

A diario llegan notas de prensa y pronunciamientos variados a nuestros correos, pero generalmente son informativos y sin mayor relevancia como para ser posteados. Sin embargo, el día de hoy llegó a nuestro buzón un comunicado de la APRECI (Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica) sobre un tema del cual he querido escribir desde hace algunos meses (y lo curioso es que se me vino la idea a la cabeza justamente por los casos que en el comunicado se mencionan), pero por cuestiones de tiempo siempre lo dejaba de lado: las traducciones de los títulos de las películas al estrenarse en el mercado local. Esta carta servirá de gran incentivo, además de punto de partida, para hablar del dilema de los títulos en español para nuestro mercado nacional, en el que se tergiversan traducciones, sentidos y propósitos de los títulos originales, incluso se difiere de los títulos propuestos para otros mercados en Latinoamérica, lo que conlleva una publicidad engañosa para el asistente al cine, y lo más doloroso aún, la coincidencia de estos sucesos en distribuidoras más bien menores. Ya ahondaré más en el tema en un post detallado la próxima semana; esta vez sólo quiero dejarles la carta enviada por la APRECI, para empezar el debate y empiecen a formularse posturas desde este momento.

Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica se pronuncia sobre malas prácticas de distribuidora Eurofilms

La Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI) deplora la práctica que comete con cada vez mayor frecuencia la distribuidora Eurofilms Perú, de distorsionar los títulos originales de algunas películas que estrena en nuestro país, como Thrist y The Barney’s Version, modificaciones que además alcanzan a los materiales de promoción como afiches y publicidad en medios, y que ahora amenaza hacerlo también con la cinta Habemus Papam.

La primera, del coreano Chan-wook Park y cuyo título original es Bakjwi, se presentó en el Festival de Cannes con el nombre de Thrist. Así se le conoce en la mayoría de países donde se estrenó, inclusive de habla hispana, siendo ocasionalmente traducido como Sed o Sed de sangre. Sin embargo, en el Perú Eurofilms la lanzó como Rito diabólico, pese a que en la proyección aparece el subtítulo de Sed de sangre.

Una situación similar ocurrió con The Barney’s Version, del canadiense Richard J. Lewis, cuya traducción literal es La versión de Barney, aunque también se le conoce como El mundo según Barney. En nuestro país, la distribuidora la estrenó con el engañoso nombre de Un novio para tres esposas, lo que da una idea distorsionada del argumento del filme, en cuya proyección además aparece subtitulada como La versión de mi vida. Estos cambios se dieron también en el poster de la película, donde se ubica en primer plano la imagen de dos personajes secundarios, dejando de lado al protagonista principal, Paul Giamatti.

Si bien la APRECI reconoce el esfuerzo de Eurofilms Perú por traer una oferta distinta en películas a nuestra cartelera, consideramos justo y pertinente este reclamo. Los casos expuestos constituyen malas prácticas de publicidad engañosa hacia el espectador, las cuales se han vuelto reiterativas. Se trata de un lamentable precedente que podría convertirse en costumbre si la comunidad cinematográfica y el público aficionado lo dejan pasar por alto.

En ese sentido, advertimos a los espectadores que el anunciado estreno de Eurofilms de la película Habemus Papam, del director italiano Nanni Moretti, llegará a nuestras salas bajo el inapropiado título de Un Papa en apuros, presentándose como una alocada y divertida comedia, lo cual, definitivamente, no es el caso de este filme.

Finalmente, la APRECI invoca a las autoridades pertinentes a que se pronuncien sobre esta práctica empresarial contra una obra cinematográfica y el derecho del público a consumir un producto tal como lo concibieron sus realizadores.

Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI)

Director: Tate Taylor
Protagonizan: Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain y Sissy Spacek
País de origen: USA
Presupuesto: 25 millones de dólares
Recaudación en box office: 169.5 millones de dólares en EEUU / 33.9 millones de dólares a nivel internacional
Duración: 146 minutos
Principales premios:
- Nominada a 5 Globos de Oro, incluyendo Mejor Película Drama, Canción Original, Actriz Principal Drama (Viola Davis) y Actrices Secundarias (Jessica Chastain y Octavia Spencer)
- Ganadora del premio al Mejor Reparto, entregado por el National Board of Review
- Ganadora del premio al Mejor Reparto, entregado en los Satellite Awards
- Nominada en 4 categorías del Screen Actors Guild Awards (SAG), incluyendo Mejor Reparto, Actriz Principal Drama (Viola Davis) y Actrices Secundarias (Jessica Chastain y Octavia Spencer)
- Nominada por el Writer’s Guild Awards (WGA) a Mejor Guión Adaptado del Año
- Nominada por el Producer’s Guild Awards (PGA) a Mejor Película del Año
- Jessica Chastain premiada como la Mejor Actriz de Reparto, y como actriz revelación del año, por la Asociación de Críticos de San Diego, de Nueva York, de Los Ángeles, de Austin, la Sociedad Nacional de Críticos de los EEUU, y en el Festival de Hollywood.
- Octavia Spencer nombrada la Mejor Actriz de Reparto por la Asociación de Críticos de Washington DC.
Calificaciones importantes: 62/100 Metacritic – 76% Rotten Tomatoes – 8.1/10 IMDB
Etiqueta: Must-see de la semana / Actrices WIN: Viola Davis, Octavia Spencer y Jessica Chastain / Adaptación literaria / Temporada de premios

Sinopsis:
Mississippi, años 60. Skeeter es una joven sureña que regresa de la universidad decidida a convertirse en una novelista. Con este propósito, decide empezar a entrevistar a las mujeres negras de la ciudad, que se han pasado la vida entera al servicio de las grandes familias, de criadas que cuidan a los hijos y hacen las labores del hogar, sufriendo todo tipo de forma de discriminación y maltrato. Con esta publicación que planea no sólo se ganará problemas con amigas cercanas, y hasta con su madre, sino que generará un caos social en el pueblo que podría terminar en violentas consecuencias, aunque despertando una necesaria consciencia de los problemas raciales de la época.

SHERLOCK HOLMES: JUEGO DE SOMBRAS (Sherlock Holmes: A Game of Shadows) 2011

Director: Guy Ritchie (Sherlock Holmes RocknRolla, Snatch)
Protagonizan: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Rachel McAdams, Jared Harris y Stephen Fry
País de origen: USA
Presupuesto: 125 millones de dólares
Recaudación en box office: 159.4 millones de dólares en EEUU / 177.2 millones de dólares a nivel internacional
Duración: 129 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 48/100 Metacritic – 60% Rotten Tomatoes – 7.7/10 IMDB
Etiqueta: Pop Corn Flick de la semana / Escepticismo / Secuela / Actriz WIN: Noomi Rapace

Sinopsis:
En todo el mundo se están produciendo llamativas noticias: un escándalo acaba con un potentado del algodón de la India, un comerciante de opio chino fallece de una aparente sobredosis, estallan bombas en Estrasburgo y Viena, fallece un magnate del acero estadounidense. Nadie ve ninguna conexión entre estos acontecimientos aparentemente aleatorios, excepto el gran Sherlock Holmes, que ha adivinado una red deliberada de muerte y destrucción. Y en su centro, como una araña especialmente siniestra, está James Moriarty, su eterno villano. La investigación se tornará más peligrosa cuando lo obligue a abandonar Londres, junto a Watson, para dirigirse a Francia, Alemania y, finalmente, Suiza.

PERSECUCIÓN MORTAL (Blitz) 2011

Director: Elliott Lester
Protagonizan: Jason Statham, Paddy Considine y Aidan Gillen
País de origen: Inglaterra – Francia – USA
Presupuesto: No hay datos
Recaudación en box office: £542,981 en Inglaterra
Duración: 97 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 46% Rotten Tomatoes – 6.1/10 IMDB
Etiqueta: Action Flick de la semana / Sorpresa

Sinopsis:
Blitz es un asesino en serie de Londres que está matando a agentes de la policía. El inspector jefe Roberts y el sargento Brant, un duro, inflexible y políticamente incorrecto detective de la policía, se encargarán de intentar detener al psicópata. Al parecer, Blitz comete los crímenes para convertirse en una estrella de los tabloides, pues cuanto más mata más famoso se hace.

QUE PENA TU BODA (-) 2011

Director: Nicolás López (Que Pena tu Vida)
Protagonizan: Ariel Levy, Andrea Velasco y Ignacia Allamand
País de origen: Chile
Presupuesto: No hay datos al respecto
Recaudación en box office: No hay datos al respecto
Duración: 102 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 6.8/10 IMDB
Etiqueta: Romantic Flick de la semana / Secuela / Cine Latinoamericano

Sinopsis:
Javier es un publicista que disfruta de una relación estable con su anterior mejor amiga, Ángela. Su círculo de amigos está casándose a alta velocidad, pero a él no le gusta la idea de sentar la cabeza. Todo cambia cuando Ángela le informa de que está embarazada. Ahí, Javier toma la decisión de casarse, pero la cosa se complica cuando empieza a ser provocado por Lucía, la sensual hija de su jefe.

LA VENGANZA DE LA BESTIA (Hatchet II) 2010

Director: Adam Green (Hatchet, Frozen)
Protagonizan: Danielle Harris, Kane Hodder y Tony Todd
País de origen: USA
Presupuesto: 800 mil dólares
Recaudación en box office: 62 mil dólares en EEUU
Duración: 85 minutos
Principales premios: Ninguno
Calificaciones importantes: 49/100 Metacritic – 36% Rotten Tomatoes – 5.3/10 IMDB
Etiqueta: Terror Flick de la semana / Secuela / Where did it come from?

Sinopsis:
Después de conseguir escapar de Victor Crowley, Marybeth ya sabe la verdad sobre la maldición de Crowley y se dirige hacia el pantano de Nueva Orleans embrujado para buscar venganza para su familia y matarlo de una vez por todas.